Progetto1/A le segrete 26-11-2008 12:31 Pagina 1

20DANGELO06

Massimo Petrini
Progetto1/A le segrete 26-11-2008 12:39 Pagina 2

“ Andare oltre,
nell’altro lato delle cose,
varcare quella sottile linea
che separa idealmente,
ma anche unisce,
ogni polo con il suo opposto,
dal cui incontro/scontro nasce,
“
si rivitalizza e si perpetua l’energia.
Massimo Petrini

Redattori: Ecce ovo, 2007

numero Giorgio Lodetti Radici, 2008
Giovanni Serafini Le colonne, 2007

23 Collaboratori:
Aldo Benedetti
Mostra personale
Libreria Bocca
Donatella Bertoletti Galleria Vittorio Emanuele II, 12
Andrea Bondanini Milano
Maurizio Bottoni 8/28 gennaio 2009
Gabriella Brembati
Grazia Chiesa
Franco Colnaghi
Gianluca Corona
Sara Fontana
Angela Govi
Emanuele Lazzati
Alberto Mari
Cristina Muccioli
Mariacristina Pianta

Dangelo
Roberto Plevano
Stefano Soddu
Fotografia: tecnica e arte di tale di cosa vera o fittizzia rie-
Testata di: riprodurre immagini da cui vocata dalla memoria, volti
Sergio Dangelo verranno tratte positive o interpretati da Petrini.
rati. 1)
proposte ritratti magicamente elabo-
per il “nuovo Melzi Mantide: figura dal corpo
Quarta di Copertina opera di: snello maniacalmente inter-
Andrea Cereda di italica lingua”
Immagine: figura dei corpi pretata da Dangelo e attual-
esteriore o interiore percepi- mente, non ritratta da Petrini.
1) = vedi Petrini
In copertina: ta mediante la vista o gli altri
“Cronotopo” opera di Massimo Petrini sensi, rappresentazione men-

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Nasce dalla volontà sempre maggio-
re di promuovere la giovane Arte
contemporanea Italiana, l’esigenza da
parte della storica libreria Bocca di
Milano di diffondere sempre più
capillarmente il proprio notiziario
informativo: Le Segrete di Bocca.
La Rivista cerca collaborazioni mirate
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2
Progetto1/A le segrete 26-11-2008 16:02
Le ultime voluttà di
Ettore Greco
il….Rodin Hood patavino
È stato entusiasmante osservare l’espres-
sione di Ettore Greco di fronte alle statue
equestri del Mochi in occasione della sua
visita a Piacenza, apprezzarne l’acume con
cui distingueva la posa vibrante e barocca
di Alessandro dalla ingessata maestosità
di Ranuccio, interpreti di un democratico
revisionismo della funzione scultorea in
cui già si manifestano le inquietudini della
modernità. Greco è figlio di Rodin, avver-
te la stessa ansia di esprimere la contrad-
ditoria grandezza dell’uomo, di scolpirne
dannazione e riscatto nello sforzo miche-
langiolesco di uscire dai profili del finito,
divincolarsi dai limiti della materia, alla
ricerca di una spiritualità violentata dalla
costrizione della carne.
Contorsioni di corpi impegnati a liberarsi
della pelle come serpenti che si adattano
alle stagioni della vita, prigionieri di un’os-
sessione che ci rende avventurieri mutila-
ti di un’apparizione breve e sacrilega,
come l’uomo di Melbourne di Bacon,
guerriero sconfitto avvolto da un urlo
soffocato analogo a quello dei Papi di
Bacon.
Greco sa davvero interpretare le sensua-
li dissoluzioni baconiane raggiungendo
esiti straordinari di un “espressionismo
scultoreo” che è conseguenza evolutiva
di quell’ “impressionismo” alla Medardo
Tempi moderni
Paolo Schmidlin
Paolo Schmidlin è stato recentemente al
centro di una movimentata e scandalosa
polemica innescata da alcune opere pre-
sentate a una mostra milanese, tra cui il
suo irriverente Miss Kitty, censurate (!)
appena dopo l’inaugurazione, con relativo
(masochistico) annullamento della mostra
stessa. Le sculture di Schmidlin non passa-
no certo inosservate – pensiamo tra l’al-
tro alla provocatoria e divertente Porno
Queen, sicura bestemmia per gli integrali-
sti della monarchia britannica – sia per
vivacità espressiva e cromatica che per la
scelta dei soggetti, sempre in grado di tur-
bare le zone più oscure e contrastate
della nostra coscienza. Nello spirito di
questo giornale di dare voce ai veri pro-
tagonisti dell’arte, inseriamo di seguito un
interessante scritto di Schmidlin stesso
che spiega con grande chiarezza e onestà
i suoi punti di vista sulle sue creature di
fantasia ispirate a scomode realtà. Nessun
critico può essere migliore interprete
dell’autore stesso, quando questo sia in
grado di fare egregiamente anche… il
mestiere di critico, come in questo caso.
G. Serafini
L’inevitabile solitudine dell’essere: è una
delle problematiche più evidenti nel
mondo contemporaneo. Vorrei che que-
sto disagio interiore venisse comunicato
Pagina 3
Tre teste n.1, 2008
Rosso che tendeva Traiana: è la “Debacle”, mille
alla fluidificazione gessi distesi su una superficie
della materia, a di trenta metri quadrati
farne veicolo che narrano di una stri-
istantaneo, quasi sciante umanità prigio-
fotografico, niera della propria volut-
di esterrefatto tà, apoteosi disgregativa
stupore (non a di una carne che si con-
caso Rosso dedi- torce implorante una
cò gli ultimi anni sacralità annegata in
di vita soltanto a una ossessiva e folle
fotografare le sue sensualità. Quei corpi
opere). Greco è aggrovigliati e deformati
un moderno ricordano una scena
“Rodin Hood”, dell’Inferno dantesco,
“ruba” alla “ricca” come La porta
e abusata statuaria dell’Inferno di Rodin, ma
commemorativa per non trasmettono mes-
donare alla scultura saggi plastici di sofferta
“povera”, che non moralità, bensì hanno la
vuole coprirci di retori- disperata leggerezza de
ca, ma svelarci un Le foglie morte di
mondo comune di pul- Prévert lstruggente
sioni e passioni: è un volontà di dettarci le
ambizioso progetto di loro ultime volontà, di
rivelazione della figura donarci un soffocato e
umana, di “trasfigura- liberatorio testamento,
zione alla rovescia”, in comunicarci come “le
cui prende forma la tragica foglie morte cadono a
impotenza di un riscatto, di sottrar- mucchi, come i ricordi e i rim-
si agli incontenibili e oscuri istinti della pianti” e “il mare cancella sulla sabbia i
carne, alla condanna di un destino con- passi degli amanti divisi”… Anche Greco,
tradditorio, urlato con la stessa intensità come Arturo Martini, si è sottratto a
del capolavoro di Munch. L’ultima gran- ogni retorica, facendo di ognuno di noi
diosa opera del Nostro oscilla tra la sto- un “Palinuro”, attento timoniere dei sen-
ria della Cristianità scolpita nel portale timenti più urgenti e segreti …
della cattedrale di Reims e l’esaltazione
trionfale della paganità della Colonna Aldo Benedetti
dai personaggi delle mie sculture. I loro che regala una grottesca illusione di gio-
volti sono presi dalla strada, dai locali not- ventù, la moda ammiccante e banalmen-
turni, dai polverosi salotti di un’anacroni- te seducente, l’oblio delle sostanze stupe-
stica nobiltà agonizzante. Oppure dagli facenti, dell’alcool e del sesso compulsivo,
ambienti volgari i del cosiddetto “jet-set”, diventano tutti palliativi per dimenticare il
dai “foyer” dei teatri o dai locali equivoci “grande vuoto” che ci attende. Fragili
del sesso a pagamento. Spesso sono argini al panico. Ma c’è sempre un
anche ombre riemerse dal cinema holly- momento in cui la realtà si ripresenta in
woodiano con le sue dive dall’alone mor- tutta la sua raggelante verità. E’ in questo
tifero. Da questi volti imbellettati traspare momento inatteso e destabilizzante di
il tormento che logora il fragile ego del- “presa di coscienza”, un istante che è
l’uomo moderno e la malinconia che lo quasi una vertigine, che amo raffigurare i
coglie quando avverte la propria debolez- miei personaggi. La scultura L’ingegner
za e la propria dannazione. Come dispe- Prinetti può essere un’opera emblematica
rata reazione al terrore di vedersi scom- a tale proposito.
parire, c’è il tentativo di rinforzare un’indi- Questo ingegnere di mezza età (simbolo
vidualità che rimane comunque vacua ed peraltro di una sorta di schizofrenia con-
effimera; è così che la chirurgia plastica temporanea) cerca di riscattare un quoti-
diano grigio e frustrante con scintillanti
nottate da Drag Queen, all’insegna di una
trasgressione a buon mercato. Ma viene
ritratto proprio nell’ attimo di agghiac-
ciante lucidità in cui l’euforia svanisce;
crudeli luci al neon dissipano le inganne-
voli penombre della discoteca, e si ritro-
va solo con se stesso, con le sue paure e
il trucco che comincia a disfarsi. Il suo
sguardo attonito è uno sguardo interiore,
che prende atto dei propri limiti, della
propria transitorietà; in un solo istante
realizza che il tempo è passato, le aspet-
tative sono restate inappagate e i sogni di
felicità definitivamente accantonati.
Da protagonista spensierato diviene
spettatore della sua stessa esistenza e del
suo vano affannarsi. “Les jeux sont faits”.
Quello che resta è solo una maschera
grottesca di infelicità.
3
Ingegner Prinetti, 2007
Progetto1/A le segrete 26-11-2008 13:04
Elena
Monaco
l’uomo sta sulla croce del suo corpo
la testa accasciata, trafitta dalle profonde
spine della sua corona di pensieri
Paul Valéry
“Grafite. China. Gomma. Lametta.
Bisturi.” Sembrano ordini di un chirurgo
in sala operatoria più che didascalie delle
raffinate opere di Elena Monaco. L’artista
torinese - liceo artistico e accademia ove
nel disprezzo del figurativo non si insegna
più a scolpire e a dipingere - viene inizia-
ta all’astratto. Gusto innato e dedizione
appassionata la convertono a un prodi-
gioso stile classicheggiante, consentendole
di realizzare opere eccellenti impostesi al
premio Cairo-Arte per la grafica e nello
stesso anno all’altrettanto prestigioso
riconoscimento Faber-Castell, avvincendo
per eleganza formale, originalità tematica
e qualità dei suoi lavori, disegni, tecniche
miste, oli e incisioni da liberatorio grido di
esultanza: l’arte è tutt’altro che morta! La
credono tale solo i deboli di giudizio e gli
ostinati modaioli che, tentan-
do invano di affossarla, si pre-
sumono scaltri nell’inseguire
le più bislacche facezie che
nulla hanno a che vedere con
l’autenticità della creazione
artistica. Centralità essenziale
ed eccelsa dei lavori di Elena
Monaco è il corpo umano,
pretesa somiglianza di Dio e
potenzialità blasfema, prota-
gonista di dannazione in assi-
dua lotta con l’anima, tronco-
ne di carne tormentato da
cupi pensieri, enigmatica
espiazione di colpe di cui
non conserva memoria. «Ho
voluto rappresentare - dice la
Monaco - l’“irrapresentabile”
attraverso la cosa più rappresentata nei
secoli, il corpo, per trasmettere sensazioni
tuttora oscure per la scienza: amore, rab-
bia, violenza, crudeltà, sensazione del limi-
te, terrore, pulsione a trasgredire.» E la
scommessa era riuscire a farlo in forma
classica, la più difficile poiché con essa si
sono misurati i più grandi. Il nostro rap-
porto con il corpo, massa di carne sensi-
bile, stupefacente contenitore di ossa ten-
dini muscoli umori crudelmente predesti-
nato allo sfacelo, non è mai sereno né
quieto. Né lo è il corpus delle fascinose
immagini di Elena Monaco che, a dispetto
dell’armonia delle forme e della loro
suprema quanto transitoria bellezza, raffi-
gura personaggi in spasmodiche contor-
sioni dentro invisibili camicie di forza (con-
venzioni ipocrite, superstizioni, sopraffa-
zioni violente) o costretti da cortine di filo
spinato, imprigionati in reticoli di camere
della morte, protesi in disperati tuffi preci-
piti nel tentativo di sfuggirvi o serrati in
avvinghianti amplessi in cui soffocare il
senso acre del peccato. E insieme al lin-
guaggio dei corpi, trionfo della creazione e
raccapricciante promessa di putrefazione,
il terribile linguaggio delle mani: dramma-
tici viluppi di dita serrate in incarnazioni di
angoscia, rapaci prese grifagne, artigli che
affondano nella carne eccitata di amanti,
4
Pagina 4
schermo inutile all’abbandono di un pian-
to, carezza su di un corpo amato, signifi-
cante reperto di disumane fatiche, insi-
nuante strumento di piacere, forza
maschia prevaricante, venose abbandona-
Lucio Fontana
a Genova
Nessun imperativo estetico aveva mosso la
mente e la mano di Lucio Fontana, fuorché
la peculiare autonomia espressiva in
armonia con le mutazioni del-
l’arte, della cultura e della fisi-
ca del Ventesimo secolo. E’
quanto emerge tra gli
spazi barocchi di Palazzo
Ducale, in una Genova
rinnovellata che tributa
il suo plauso all’artista
che tanto prediligeva la
Liguria, con una rasse-
gna a tutto campo,
dalle involute cerami-
che di Albisola del
primo periodo opera-
tivo alle fenditure che
l’anno reso celebre,
mutando dal provocato-
rio Dadaismo di Tancredi
Parmeggiani e dalle ingenue
trasgressioni delle Tramuture
te appendici nella remissiva decadenza dei
vecchi. La Monaco racconta la commedia
tragica della vita e non teme la morte, ne
accetta l’idea con fatalistica razionalità pur
avvertendo in se stessa l’innata avversione
istintuale all’estremo passaggio, rifacendosi
a una Pachamama, Gea o Grande Madre
che nutre il mondo di cui noi siamo forse
un cancro che perniciosamente si ripro-
duce. Elena Monaco ha una visione della
fine dell’esistenza ispirata al mistero delle
«grandi teste di pietra dell’isola di Pasqua
che - dice - sorridono e guardano il nulla».
Approderemo alla nostra isola di Pasqua?
L’amore per l’arte è in fondo ricerca per
ritrovare se stessi nelle intuizioni dell’auto-
re; è il tentativo seducente di consolare il
nostro spaesamento di spoglie vaganti
senza risposte, incamminate verso l’oscu-
rità, in attesa di un Dio che si accorga del
nostro sgomento.
Giovanni Serafini
di Emilio Scanavino. Prima che il glaucoma
intristisse la sua chiaroveggenza, il coeta-
neo ancorché connazionale Borges definì
quei tagli: morsi canini su velluto, laceranti
implosioni delle tele, sottili verginali ime-
nei. La mostra annovera ogni sorta di
“ambiente spaziale”, nonché la ricostru-
zione di elementi tecnici esposti a
Triennali milanesi, le “nature” folgoranti
luce e colori nella cappella doganale
del Palazzo, e infine le sequenze
della “fine di Dio”, in ottempe-
ranza alle sensazioni spaziali
oltre l’universo e determi-
nante dalle evoluzioni
supreme della fisica e
dell’astronautica.
Quest’uomo rude e
virile, nato alla soglia
dell’infinita Pagatonia
andina – il limite del
pianeta terra – andò a
morire in un borgo
lacustre di Lombardia,
un buco incastonato
nella suggestione spazia-
le della catena delle Alpi.
Emanuele Lazzati
Concetto spaziale
La fine di Dio, 1963
Progetto1/A le segrete 26-11-2008 13:09 Pagina 5
Progetto1/A le segrete 26-11-2008 16:23 Pagina 6

Beatrice Minda ra risuona la domanda: chi

Innenwelt //
sono io?
E ogni volta che abbiamo la

Inner world
La fotografia di interni è un genere ricor-
rente nella fotografia contemporanea.
Che sia il luogo del disagio o lo specchio
dell’identità sociale o della vita individua-
le, le stanze abitate veicolano il ritratto di
chi le abita, anche – soprattutto - quando
la persona stessa non è presente nelle
immagini.
In questa presenza dell’assente risiede
una particolare qualità dei lavori di
Beatrice Minda, tedesca di origine rume-
na, che con questo lavoro esprime la
ricerca delle proprie origini e della pro-
pria identità.
sensazione di sentire questa
domanda, segue inevitabil-
mente anche “chi siamo
noi?”. Perché il singolo senza
la collettività non esiste e le
stanze sono luoghi dell’ap-
partenenza, dell’identità e
della sua definizione a scapito
di tutto ciò che è fuori.
Giulia Zorzi
In esposizione
all’Associazione Culturale
MiCamera
Via Medardo Rosso, 19 - MI
info@micamera.com

Enrico
Il progetto tratta un tema estremamente
attuale quale l’identità del popolo rome- licenziare le proprie opere solo dopo una

no e lo affronta presentandoci 30 imma-
gini di interni scattate tra il 2003 e il 2006,
quando l’artista ha visitato appartamenti
di rumeni prima in patria e poi all’estero
(in Francia e in Germania).
Diviso in tre sezioni, Interni in Romania –
Interni borghesi in Francia e Germania –
Interni di abitazioni dei lavoratori migran-
ti in Francia, è stato pubblicato da Hatje
Cantz nel 2007 e sarà in mostra da
MiCamera da metà gennaio a fine febbra-
io. Una serie di stanze in cui le persone
non compaiono mai.
Comune a tutte le immagini è la luce, che
le pervade e le carica di un’atmosfera
quasi soprannaturale che ne sottolinea il
carattere feticistico, colorandole di un’au-
ra di solitudine spettrale.
Nelle stanze visitate, l’attenzione dell’arti-
sta si concentra sui particolari che espri-
mono e in qualche modo vogliono pre-
servare la cultura di appartenenza.
Nel caso delle abitazioni all’estero cerca-
no di dare la sensazione di patria, anche
se poi mancano di un preciso, concreto
riferimento alle persone che le abitano,
perché l’artista non è interessata a docu-
mentare il destino individuale, una storia
in particolare.“In questa stanza è racchiu-
sa tutta la mia vita” sembra dire ciascuna
immagine.
Le abitudini e lo stile di vita si condensa-
no in questi interni.
Guardando le immagini di Beatrice Minda
si ha l’impressione che si tratti di stanze
abbandonate, perché sono fortemente
ancorate al passato, nell’arredamento,
nello stile, nell’atmosfera.
Il mezzo fotografico, nella sua capacità di
immortalare e quindi in qualche modo
mummificare ciò che esiste, crea una con-
dizione in cui passato e presente coesi-
stono parimente congelati e colloca que-
ste immagini in una dimensione fuori dal
tempo.
Beatrice Minda ha parlato a lungo con le
persone che abitano in queste stanze.
Anche se le camere tacciono, non sono
mute. Ci danno dei segnali. Non possono
raccontare la propria storia, ma ci sfidano
a motivare la loro presenza.
La nostalgia sembra essere il comune
denominatore di queste immagini; nostal-
gia di un passato migliore, nostalgia degli
affetti lontani… mentre in quest’atmosfe-
Della Torre
«L’antitesi naturalismo-astrazione affiora
come una costante nel percorso umano
e professionale di Enrico Della Torre.
Questi due concetti in apparenza opposti
sono stati il motore di una creatività ori-
ginale, alimentata dall’energia e dalla sen-
sibilità dell’artista e vivificante l’intera sua
opera. Della Torre è pienamente consape-
vole di tale contraddizione e mi è parso di
ritrovare questa consapevolezza in due
sue frasi che ho estratto e accostato: due
affermazioni perentorie e contrapposte,
Dall’interno all’esterno, 2008
in cui è possibile individuare una delle
chiavi di lettura del lavoro dell’artista cre-
monese e forse anche della sua persona-
lità.“Io sono un pittore di tensioni” ci dice
molto del suo carattere e dell’impulso
inarrestabile e sperimentale della sua
ricerca. È lui stesso a svelare un desiderio
di trasporre nelle incisioni e nelle tele
quelle sensazioni impercettibili di spazio,
tempo e dinamicità che scatu-
riscono dalla natura e con-
traddistinguono il territorio
dell’astrazione. Ma mi sono
annotata anche “Nella vita
contano le pause”, dove “nella
vita” certamente sottintende
“nella pittura e nell’incisione”.
Questa affermazione, al con-
trario della precedente, riflet-
te la convinzione che l’arte
nasca dall’ozio e spiega forse
l’abitudine di Della Torre a
lunga ponderazione. Non si pone dunque
un reale contrasto, se non nella direzione
di una sua possibile sintesi, intesa come
esaltazione di quelle soste che sono pre-
senze indispensabili in un cammino con-
dotto in perenne tensione. Non è una
scoperta. Già Roberto Tassi aveva indivi-
duato nell’ossimoro, un artificio letterario
che concilia termini opposti, l’essenza
dello stile di Della Torre, fin dai suoi esor-
di intorno al 1954. Anche Antonio Pinelli,
in un testo dedicato all’artista nel quale
cita molte frasi di quest’ultimo tratte dai
Taccuini, evidenzia come la pittura di
Della Torre viva “sul filo sottile di un equi-
librio teso fra due polarità opposte [...]
Ecco perché si accampa esattamente a
mezza strada tra visibile e invisibile, sogno
e realtà, natura e astrazione, come hanno
perfettamente intuito quei critici come
Roberto Tassi, Claudio Olivieri, Vittorio
Sereni, Elena Pontiggia, Walter Guada-
gnini, che hanno di volta in volta parlato
di “equidistanza tra naturalismo e astra-
zione”, di “razionalità lirica”, di “figuratività
dell’invisibile”, di “geometria del senti-
mento” di conciliazione tra “esprit de
géometrie” ed “esprit de finesse”.
Pervenire ad una sintesi degli opposti,
fondere essere e divenire, razionalità e
sentimento, solarità diurne e incubo not-
turno: questa è l’essenza della sfida che
Della Torre affronta ogni qual volta si
pone di fronte alla tela o alla lastra [...]”».
Sara Fontana
Dal catalogo della mostra Enrico Della Torre
“Prove” 20 dipinti e 20 incisioni acquerellate
1980-2008, a cura di Sara Fontana
Galleria Daniela Rallo, Cremona
Paesaggio, 1992

6
Progetto1/A le segrete 26-11-2008 15:28 Pagina 7
Progetto1/A le segrete 26-11-2008 16:25
Angela Govi
Il suono del colore
Angela Govi colloquia intensamente con
la sua pittura, nella quale riversa sensazio-
ni visive, impressioni psicologiche, sogni e
sentimenti. Lo rivela la partizione in duet-
ti, terzetti e quartetti, talvolta in assolo,
delle sue tele. Nei quartetti – ovverosia
quattro tele accostate – è appunto il
rimando dei suoni cromatici e formali,
l’intrecciarsi talvolta dei sensi e lo svilup-
parsi sempre di un rimando reciproco fra
esse, che rinvia al genere musicale. E non
c’è un inizio e una fine, né un ordine com-
positivo delle tele, che possono essere
accostate fra loro sotto l’impulso di
Composizione 5, 2008
momentanee impressioni, come un gioco
di domino irrazionale e guidato da sugge-
stioni, anziché dalla intangibile precisione
del numero. Negli assolo, risolti in una
sola tela, il discorso si fa più serrato, enig-
matico come un monologo interiore, nel
quale l’autrice si interroga sul senso e sul
valore personale da assegnare a un colo-
re, a un segno, a una forma riemerse
all’improvviso dal deposito dell’inconscio.
Per lei, insomma, la pittura si costruisce
Pagina 8
per armonia di forme e di colori, ma tal-
volta l’equilibrio è rotto dall’inserto
oggettuale, che come una nota dissonan-
te si impone per fare rilevare il forte
segnale psicologico trasmesso dal fram-
mento utilizzato, oppure per sottolinear-
ne l’onirica capacità evocativa. Non rac-
contano storie le sue tele, se non per
allusioni, poiché l’impianto è informale,
densamente materico anche nel colore
dato a corpo e la scelta espressiva è con-
gruente con la funzione di schermo pro-
iettivo, che l’autrice dà al suo fare pittura.
Ma per guidare l’osservatore verso la
meta, come in una labirintica caccia al
tesoro, non rinuncia mai a lasciare un indi-
zio più o meno evidente dell’oggetto
evocato e sono fiori e forme animali, par-
venze di esseri come emergenti dal caos
Composizione 3, 2008
primigenio, che prendono lentamente
forma in una evoluzione che si prospetta
senza tempo. Senza tempo è infatti la pit-
tura di Angela Govi, nel senso che, non
narrando storie, non ha bisogno di precisi
dati temporali. Il tempo della sua pittura è
del tutto interiore e consiste nella durata
dello sguardo che serve all’osservatore
per entrare in sintonia con l’autrice.
Massimo Mussini
Proibito, 2008
Trilogia, 2008
Lorenzo
Perrone
A prima vista Perrone lavora con un pro-
cedimento al contrario: prende libri veri, li
spoglia di tutto il contenuto, li rende og-
getti apparentemente anonimi.
Per farlo usa una serie di nemici patologi-
ci del libro: anime di metallo, colle, gesso,
vernice bianca.
Con questi strumenti, infierisce selvaggia-
mente sulle sue povere parole, fino a can-
cellarle in toto.
È un lavoro ossessivo, un po’ angoscioso e
un po’ furioso come tutte le ossessioni,
dove quella che inizia come una sottra-
zione diventa vera e propria scarnificazio-
ne. Tanto che alla fine, dopo una lunga
sequenza di trattamenti ottiene un ogget-
to totalmente disanimato: non c’è più un
titolo, non un autore, non una parola. Ma
la forma primaria, inequivocabile dell’og-
getto libro è rimasta intatta e nei Libri
Bianchi di Perrone si trova il senso ultimo
della scrittura: la pagina bianca, tutta da
completare, l’anima pura della creazione
libraria. Non a caso, adolescente, Perrone
ha frequentato la scuola del libro
dell’Umanitaria dove, sotto la guida di
Albe Steiner, si apprendeva a divenire
tipografi, grafici, rilegatori come quei mae-
stri artigiani che da Tallone a Maestri, a
Upiglio, hanno fatto grande l’arte libraria
italiana del secondo novecento.
Con la sua tecnica di scultore, Perrone
riempie i libri di significati ulteriori: alcuni
profondi, in qualche caso angosciosi
come l’Anna P. per il secondo anniversa-
rio dell’assassinio della giornalista russa
Anna Politkovskaia, oppure Olocausto, col
suo filo spinato che ci lascia senza fiato.
Ma per fortuna ce ne sono di allegri,
come il simpatico Mousse o il lievissimo
Papillon, con i suoi fogli in aria, leggeri
come un soffio; e poi quelli scherzosi: La
mer, con la sua barchetta da adolescente
o l’esilissimo Uomo che cammina, omaggio
a Giacometti. Insomma, c’è la vita, in tutte
le sue infinite sfaccettature. Alla fine, dopo
tutte queste vicissitudini, questi Libri
Bianchi hanno ripreso appieno la loro
funzione semantica. Meno male.
Andrea Kerbaker
Progetto1/A le segrete 26-11-2008 13:17 Pagina 9

Eugenio Galli
Oltre l’immagine
Ospite delle “Segrete di Bocca” Eugenio Galli,
sbarca nuovamente a Milano con il suo mondo poetico,
i suoi paesaggi e i suoi tramonti sognanti e sognati, la sua personale visione
dell’oggi che va al di là di lacerazioni, ferite, tradimenti e disarmonie
per offrirci uno sguardo nuovo sull’essere umano,
tenacemente positivo e coinvolgente.
Infaticabile ricercatore e sperimentatore di nuovi linguaggi,
Galli è un esteta raffinato che dialoga con il proprio spirito
(e con la nostra anima) alla ricerca di nuove forme espressive.
Nelle sue opere dai toni delicati, sfumati, la luce è l’interprete principale;
una luce esistenziale capace di trafiggere la tela (come i tagli di Fontana),
che va oltre l’immagine, per catturare lo spirito di chi la osserva.
Le opere dell’artista, indifferentemente dalle tecniche utilizzate,
(olio, acquerello, acrilico, su tela o su carta),
ci trasmettono pacatezza e al contempo energia,
unite a una grande libertà di espressione nel segno e nel colore.
Nella luce delle sue opere, piacevolmente, ci perdiamo.
Chiara Cinelli

SEGRETE DI BOCCA
Lunedì 2 febbraio ore 18,30, 2009
Via Molino delle Armi 5 - Milano
Progetto1/A le segrete 26-11-2008 14:59 Pagina 10

premio
Movimento
nelle Segrete di Bocca
2008

RIGA

Siamo giunti alla terza edizione

del premio, movimento nelle Segrete DASCANIO DIOTALLEVI
di Bocca, e se è vero che il tempo
inesorabilmente passa, è anche vero
che nonostante siano passati sei anni
dalla chiusura della prima edizione,
l’entusiasmo non si affievolisce anzi si
rinvigorisce nella speranza di trovare
giovani e futuri talenti. I numeri di cre-
scita sono impressionati nel corso
delle tre edizioni sono triplicati, è un
dato che fa ben sperare sulla situazio-
ne artistica del nostro paese; non
manca materia prima! Un problema
sta, forse, nelle forme di espressione,
quindi nel fare non nell’essere o cre-
dere di! Con il tempo ho notato un
peggioramento, un livellamento del- Nuovo programma artistico culturale a cura di Barbara Frigerio e Giorgio Lodetti,
l’espressività e della creatività verso il inaugurato il 6 ottobre 2008 presso Le Segrete di Bocca
basso. Non c’è più nulla da dire? in Via Molino delle Armi 5, a Milano
Strano? Senza voler fare autocritica, IN PROGRAMMA
era assolutamente prevedibile ciò che
è successo in questa edizione. In man- Lunedì 12 gennaio 2009
canza di una spiccata originalità e Natura risorta - Mostra fotografica di Gabriele Marsile a cura di Barbara Frigerio
creatività è stata, giustamente, premia- Giovedì 15 gennaio
ta la tecnica e la maniera, dosate 2 x 1, due libri a confronto - Relatori: Roberto Denti e Michele Ferri
sapientemente con eleganza d’effetto. Il Cacciatore di Nino De Vita - Il Narratore di Saki, editi da Orecchio Acerbo
Sono tra l’altro molto soddisfatto dal Saranno esposte alcune tavole di Michele Ferri che illustrano i volumi
risultato, che premiando un giovanissi-
mo e non solo artisticamente, ma Lunedì 19 gennaio
anche anagraficamente, può sicura- Metropoli. La città ne sarà il soggetto, la sua assurdità e le sue contraddizioni
mente spingerlo ad un impegno mag- Relatore: Maria Luisa Caffarelli. Attori: Clara Bartolini e Luca Ligato recitano poesie
giore e più responsabile nel prosegui- dalla raccolta di C. Bartolini
re un cammino, apparentemente Giovedì 22 gennaio
semplice. Emanuele, la vittoria di que- Ivo Mosele - Presentazione catalogo monografico, Bocca Editore
sto premio non è un arrivo ma solo Relatori: Giovanni Serafini e Ivo Mosele. Saranno esposte opere dell’artista
un punto di partenza! Un doveroso e Lunedì 26 gennaio
sentito ringraziamento a tutti coloro L’Idea del muro in Arte e Letteratura - Relatori: Silvia Agliotti, Camilla Bertolino, Robert
che contribuiscono, nel tempo, ad
aumentare il prestigio e la partecipa- Carpani, Antonio D’Amico. Saranno esposte opere di Fred Charap
zione a questa manifestazione. Giovedì 29 gennaio
Diventare il presente. Incontri a dialogo con autori, artisti, scienziati, e…
Giorgio Lodetti Relatori: Patrizia Gioia e Pietro Sergio Mauri

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RÜTSCHE ODDENINO MANENTI MUKA

NEGRETTI BURATTI DE ANGELIS ZUCCHELLI

PERRONE PRESTI SERENARI MONACO

STIAMO PREPARANDO
I NUOVI INCONTRI
Tutti i lunedì, ore 18,30
da febbraio a giugno 2009
giorgio.lodetti@libreriabocca.com
Progetto1/A le segrete 26-11-2008 13:23
Raffaele
Minotto
Un Divisionismo proustiano, uno scavare
nella materia per ricostruire un ricordo e
registrare un’emozione: un mosaico di
piccole tessere colorate che si addensano
in un magico sogno caleidoscopico che
lacera gli schemi visivi tradizionali e si
compone quasi improvvisamente a svela-
re un’annunciazione, un miraggio di se-
greta e delicata compostezza.
È questa l’impressione che suscitano le
tele di Minotto, un brulichio di pennellate
che ci sottopongono quasi ad un esame
della vista, mettendo alla prova la nostra
capacità di “leggere” le figure, di ricom-
porne i contorni e recuperarne la memo-
ria, un quotidiano miracolo di vita che si
materializza in quelle “fiammelle” di colo-
re amorevolmente accostate sull’altare
votivo di una sopravvivenza invocata
con accorata spiritualità, accarezzata
con la delicata consapevolezza di una
inarrestabile decomposizione.
È un “tonalismo alla distanza” quello di
Minotto, le figure si delineano solo
allontanandosi dalla tela, un prodigio di
prospettiva che risale alla tradizione
veneta della pittura tonale, felice tenta-
tivo di scavare la complessità psicologi-
ca attraverso una stesura di colori rapi-
da e istintiva, realizzata con piccoli trat-
ti, particelle di luce di cui fu insuperabi-
le demiurgo il geniale Tiziano, audace e
inquieto antesignano di tachisme e
pointillisme.
“Impressionismo materico” che coniu-
ga la densità coloristica di un Cavaglieri
alla delicatezza raffinata e intimista degli
interni e delle figure di un Bonnard, fino
agli arabeschi onirici di Matisse o ai
bagliori del delirio cromatico della
“Lampada ad arco” del Balla più futuri-
sta: le opere di Minotto, più che ritrat-
12
Pagina 12
ti, sono tratti di colore distesi come unità senza eredi, la desertificazione di un
di misura a creare una mappatura delle mondo che evoca il vuoto polveroso
figure, quasi un reticolo alla Chuck Close delle stanze di Ferroni, le ombre di
che proietta una radiografia umana e Claudio Parmigiani, i letti sfatti e abbando-
sociale. nati, orfani dell’impronta umana, i segni
Minotto vuole suggerirci la fragilità pre- lasciati sulle pareti dalle sagome di mobili
ziosa della vita e la sua irripetibile sacrali- spariti nell’umiliante oblio di una discarica.
tà, scuotendoci dall’apparente situazione Minotto reagisce a questa sorta di
di inerti spettatori costretti all’immobilità moderna “pulizia etica”, alla rassegnazione
di un misterioso e incerto equilibrio. di una vita senza continuità, di un mondo
Questo senso di silenziosa rivalsa lo ritro- senza testamento: le sue opere diventano
viamo nelle radici venete di Minotto, nel un proclama di commemorazione umana
e sociale di personaggi
che avanzano insieme
a noi come il popolo
del Quarto Stato di
Pellizza da Volpedo,
con l’orgoglio di una
sfida collettiva.
Geniale e poetica dun-
que l’idea di Minotto di
rappresentare i perso-
naggi di una via della
città impegnati nelle
proprie attività, La si-
gnora Ivana della polle-
ria, Il macellaio Giusep-
pe, Guerrino il fruttiven-
dolo, Il barista France-
sco, umanità protesa
verso un approdo di
solidale convivenza, a-
malgama di esistenze
che si innestano su una
comune e fulminea av-
ventura di vita, compli-
ci di una stessa inarre-
stabile mutazione ge-
netica, quasi una salda-
tura a caldo di affetti e
situazioni.
Come la Liverpool dei
Beatles, scopriamo una
richiamo suggestivo alla delicata ansia spi- magica Penny Lane, microcosmo variegato
rituale del grande poeta veneto Andrea di personaggi che in-crociano i propri
Zanzotto: il tema del passaggio, del ciclo destini in una simbolica e rivisitata “via” en
della vita e del distacco assumono nel rose, come quella interpretata dalla subli-
Nostro veste figurativa. me Edith Piaf, sostenuta da un’incrollabi-
Non è tuttavia il ricordo di fantasmi le fede in una ecumenica solidarietà e
ormai cancellati, strappati ai luoghi segna- accesa dalle ver tiginose tonalità di
ti dalla loro presenza: “Onde eli?”, “dove Minotto, autentico cantore di un riscatto
sono...?” è l’invocazione di Zanzotto, che collettivo...
ne è della Pina dei giornali, dell’Aurora e Aldo Benedetti
dei suoi dolcini, della Teresa?
Le cornici di Armando, 2008
È la cancellazione di una generazione Il macellaio Giuseppe, 2008
Progetto1/A le segrete 26-11-2008 13:27 Pagina 13
Progetto1/A le segrete 26-11-2008 14:38
Public Art
a Trieste e dintorni
Si sta per pubblicare con la Silvana
Editoriale un nuovo libro sulla Public Art
a seguito dei numerosi eventi svolti l’anno
scorso a Trieste in quest’ambito.
Per gentile concessione di Maria Campitelli
estrapoliamo dalla sua introduzione questa
parte: l’operazione “Public Art a Trieste” e
dintorni, svoltasi nell’arco del 2007 e pro-
trattasi con certi episodi (workshop ed
eventi nell’ambito urbano) fino al 2008, è
stata soprattutto un tentativo di informa-
zione su un aspetto dell’espressivita con-
temporanea - la Public Art appunto -
quanto mai dilatata, articolata e soggetta a
svariate interpretazioni. È stato il primo
grande evento ideato con sistematicità,
per offrire la varietà di proposte che la
Public Art comporta, in un territorio –
Trieste e dintorni – poco addestrato alla
ricezione di progetti innovativi nel campo
dell’arte. Nel 2001 c’è stato un preceden-
te importante, “Transform” (documentato
con video nella mostra annessa), promos-
so dal Conai, a cura di Emanuela De
Cecco e Roberto Pinto per l’organizza-
zione dell’Associazione Arte Continua e
Comunicarte, incentrato però unicamen-
te sul “site-specific”, con svariate installa-
zioni urbane di artisti internazionali.
Questo progetto invece è nato dal deside-
rio di proporre la varietà di interventi che
rispondono oggi all’assunto, in senso fisico
e concettuale, di “pubblico” per compor-
re, per quanto possibile, un quadro delle
potenzialità creative connesse a situazioni
pubbliche, caratterizzate da intenti di
riqualificazione, di trasformazione, di
miglioramento sia in senso ambientale
che sociale. E “pubblico” è un termine
quanto mai labile, onnicomprensivo e
quindi generico, in continua oscillazione di
significati, a seconda dell’evoluzione nello
sviluppo diacronico della Public Art stessa.
L’evento plurimo di Trieste è stato un po’
l’esaltazione dell’arte fuori dai suoi terri-
tori consacrati, musei e gallerie (d’altron-
de questa è l’origine della Public Art (1), a
partire dagli anni ’60 del secolo scorso)
ribadendo un processo di democratizza-
zione, di apertura e coinvolgimento che è
proprio del suo percorso. Esso va senz’al-
tro ricercato, come origine, in tutto l’arco
di posizioni critiche delle avanguardie del
secolo scorso nei confronti di posizioni
stabilizzanti - da quelle storiche degli inizi
del secolo a quelle del secondo dopo-
guerra - inglobando, Fluxus, Minimalismo,
Land-Art, Performance e Body-Art, Situazio-
nismo internazionale.
Questi movimenti rispondevano sia
all’impulso di rapportarsi all’altro, sia alla
volontà di configurare espressioni al di
fuori dei recinti consacrati, in dimensioni
e con materiali mai prima sperimentati.
E alla base ci sono delle idee di fondo,
come l’identificazione di arte e vita, la
fusione delle arti in un bisogno illimitato
di libertà (superando la divisione nei vari
generi, pittura, scultura…), in sostanza
una spinta della prassi artistica e della sua
fruizione in direzione antiborghese.
Maria Campitelli
14
Pagina 14
Osservatorio in opera (OINO, Piero Almeoni, Paola Sabatti Bassini, Roberta Sisti),
“ASSIcurATI”, installazione - performance in p.zza Goldoni - Trieste. Foto: Carlo Andreasi
La spiritualità
nell’arte
Il rapporto tra le credenze spirituali e
religiose di un popolo e l’espressione arti-
stica prodotta è sempre stato molto
forte in tutta la storia dell’arte e della cul-
tura. Anche nei primi manufatti artistici,
risalenti all’epoca della preistoria, si
riscontra un senso più profondo rispetto
al semplice desiderio di rappresentare la
realtà circostante.
Con l’avvento del cattolicesimo questo
rapporto si è fatto ancora più stretto, la
pittura viene usata anche come strumen-
to di diffusione e narrazione della dottri-
na cristiana. La grande committenza
ecclesiastica ha poi certamente contribui-
to alla creazione di quei grandi capolavori
artistici che sono ormai parte del patri-
monio culturale odierno.
Ma aldilà della richiesta della committenza
e dei dettami iconografici imposti dalla
chiesa stessa, ogni artista ha sempre rive-
lato se stesso ed il proprio credo all’inter-
no della sua opera.
Sono innumerevoli i casi di artisti che con
il passare degli anni hanno trasformato il
modo di dipingere in base ai propri cam-
biamenti interiori, ad un intensificarsi del
senso del sacro all’interno della loro vita;
da Tiziano a Michelangelo, a Botticelli, per
fare solo qualche nome, gli artisti del pas-
sato hanno saputo immettere la loro
anima spirituale all’interno delle loro
opere.
E con l’avvento dell’era moderna?
Slegati dalle grandi committenze, e dalla
presenza, se vogliamo ingombrante della
chiesa, gli artisti hanno continua-
to a parlare di religione o spiri-
tualità?
La dimensione più intimistica ed
individuale in cui si è trovato e si
trova l’uomo “moderno” ha certo
cambiato lo scenario; gli stilemi e
le immagini iconografiche, tradi-
zionalmente legate alla religione
cattolica si sono affiancati a sim-
boli meno facilmente riconducibi-
li ad una verità rivelata, ma non
per questo meno intrise di sacra-
lità, per lo meno negli intenti.
Dalla teosofia di Madame Blava-
tsky, che ha sensibilmente influen-
zato i suoi scritti, Kandinsky, all’ini-
zio del novecento, continua a
sostenere il ruolo di un’arte “al
servizio del divino”; definendo
l’espressione artistica un “ponte”
tra l’uomo e Dio.
Tra astrazioni e realismi l’arte
continua ancora oggi ad essere
espressione della spiritualità e del
senso del divino umano, ed è
quello che cercherò di racconta-
re in questa piccola rubrica.
Barbara Frigerio
Foto di
Giancarlo Pagliara
Progetto1/A le segrete 26-11-2008 14:46 Pagina 15
Progetto1/A le segrete 26-11-2008 14:42
Fred
Charap
Fred Charap nasce a New York nel 1940
da genitori ebrei russi, si specializza in
facoltà giuridico amministrative facendo
carriera come consulente sindacale ma la
sua vera vocazione è' l'arte e negli anni
'80 si trasferisce in Toscana, dove attual-
mente vive, per dedicarsi interamente alla
pittura. Attivo a Milano e in Piemonte,
Fred ha esposto in varie gallerie italiane
ed europee (da Firenze, a Parigi, alla
Svizzera), una sua opera è esposta al
Museo dei Lumi di Casale Monferrato
dove a settembre si terra' una sua perso-
nale di dipinti e disegni.
Nel Febbraio del 2008 ha esposto a
Milano alla Libreria Bocca dove è prevista
un'altra mostra di opere di grande forma-
to incentrate sul tema dei muri. I muri di
Fred, The Palimpsests, nascono appunto
dall'idea di palinsesto, termine che indica
una superficie, una pagina manoscritta, un
rotolo di pergamena o una tavoletta che
anticamente (a causa della carenza di
materiale cartaceo) veniva scritta, cancel-
lata e nuovamente riscritta.
Progressivamente, con il passare del
tempo, i labili resti delle scritture sotto-
stanti riaffiorano sulla superficie che divie-
ne così un testo costituito dalla stratifica-
zione storica di più linguaggi.
Da sempre l'uomo scrive o rappresenta
la propria storia su muri e pietre che
Arimo
Che figura!
Qual’è il minimo comun denominatore
tra un’opera astratta o informale, concet-
tuale o transavanguardistica, naive, sur-
realista o impressionista?
Occorre davvero fermarsi al minimo, per
trovarlo: sono tutte figure.
Tra il breve elenco appena citato, manca
lo stile figurativo perché al di là della tas-
sonomia critica, delle nostre
bussole per scaffali (pur
necessarie ma non esausti-
ve), ogni opera d’arte è una
figura. Figuriamoci! Sappiamo
tutti che cos’è una figura,
paroletta che si innesta nel
linguaggio comune anche
per designare situazioni rela-
zionali, comportamentali: il
parlare figurato con vivide
rievocazioni, il fare una brut-
ta o una bella figura davanti a
qualcuno per esempio, non
richiede che il soggetto sia
munito di cavalletto, tela e
colori. Figurarsi qualcosa,
significa immaginare, a volte
per assurdo.
Questione nebulosamente
chiara, quella della figura, per
16
Pagina 16
diventano documenti del passa-
to, il loro valore cronografico e il
nesso profondo tra storia e scrit-
tura è al centro della ricerca pit-
torica di Fred Charap i cui muri
sono la stratificazione metaforica
di tracce simboliche attinte da
vari campi semantici tra loro cor-
relati e comunicanti. Forma e
contenuto, significante e significa-
to trovano una piena corrispon-
denza nella tecnica usata da
Charap che procede per sovrap-
posizione di pezzi di iuta irrego-
lari incollati sulla tela che viene
successivamente graffiata, strap-
pata, scavata e ritracciata da altri
simboli, colori e segni. Sui muri
elabora un nuovo codice seman-
tico e narrativo che recupera la
dimensione storica del simbolo e
la riconiuga in un linguaggio pit-
torico fatto di sovrascritture
continuamente mutevoli e di
tracce riemerse.
Il valore cronografico del muro
sta proprio nella sua mutevolez-
za, la simbologia stessa del muro cambia
nel tempo e nella storia, esso è letto
come elemento dinamico in rapporto
anche con la natura, le stagioni, le luci del
giorno. Il palinsesto diventa così uno spa-
zio speculativo, un percorso concettuale,
gestuale e filosofico che sta tra le parole
e la pittura.
I muri nascono da una dimensione sog-
gettiva come diario in cui l'artista raccon-
ta e tratteggia i suoi muri, quelli di New
la quale facciamo Arimo, ci fermiamo: giu-
sto il tempo di consultare un dizionario.
Figura, dice il mio, deriva da fingo: fingere.
Collegato all’arte, riaffiora nella figura l’ar-
tificio necessario, purtroppo a volte suffi-
ciente, affinché essa sia riconosciuta come
tale. Ma significa anche apparizione, fanta-
sma, modo carattere, genere, qualità, alle-
goria, effigie, statua d’argilla (da modella-
re).Torniamo al fingere.
Oggi per noi questa parola, ha soltanto un
significato negativo, ma come primo,
andando umilmente per ordine, leggo
invece sul dizionario: formare, plasmare,
sognare, inventare, meditare, escogitare,
creare, fare, fabbricare, accarezzare, acco-
Muro, particolare 2008
York, San Francisco e della Toscana ma
hanno anche il valore di una più compo-
sita e articolata narrazione, sono i muri
della storia ebraica oppure i muri che
celano a ogniuno domande irrisolte, muri
come ostacoli da valicare, muri che rac-
chiudono il significato recondito della
nostra storia.
Camilla Bertolino
modare, adattare (se fingere ex forma rei
publicae, conformarsi secondo la forma
politica dello Stato), e: educare. Cantare
per esempio è fingere vocem. C’è anche
ammaestrare (magister equum fingit.. il
maestro ammaestra il cavallo). Infine c’è
fingere, simulare. Infine.
“Fingono” e figurano insomma gli attori, i
cantanti, i militari che contraffanno il
volto, i filosofi che terminano un discorso
in un certo modo o definiscono la
sapienza (fingunt sapientiam), gli scrittori
e i poeti che nova verba fingunt, foggiano
nuove parole.
Fingono gli scienziati in laboratorio, nel
creare assenza di gravità, piani perfetta-
mente lisci per annullare gli
attriti, nelle simulazioni di
volo, nel fare ipotesi dette
“per assurdo”, utili alla for-
mulazione di tesi funzionali.
Fingono i geografi nel met-
tere una cintura al mondo,
chiamata equatore.
E figurano gli artisti nel rap-
presentare, che è presenta-
re una seconda volta una
realtà, perché la prima non
basta. Vedere non basta a
raffigurare.
Occorre immaginare quel
che si è visto.
Cristina Muccioli
Hilla Ram
Take my hearth, its yours, 2008
Progetto1/A le segrete 26-11-2008 15:06 Pagina 17

Follia nell’Arte Il caffè

Eugenio Moi delle palme
Che cos’è insomma la schiuma?
È una spuma informe e biancastra che
fermenta sui liquidi scaldati o agitati,
oppure agli angoli della bocca contorta
dell’epilettico, del cavallo stremato, delle
acque mosse allo scontro dalle correnti,
La carne frolla, morbida e fantasmatica che le fanno sollevare arcuarsi, accelerare Il caffè proviene da l’Arabia Felix. Non si
per lucentezza della Venere di Botticelli – e infrangersi contro uno scoglio, è dei sa quando fu veramente “inventato”. Una
e delle sue Primavere - in posa sensuale cani che ci si imbrattano il muso, incapaci legenda vuole che un capraio vide le sue
su una carrozza di con- bestie in preda ad un euforia simile
chiglia per compiacere all’ubriacatura dopo aver mangiato miste-
il pennello del maestro, riose bacche rosse. Quel che è sicuro è
è qui asciugata e com- che i due processi – fatto unico nel suo
posta da Moi a favore genere - furono intentati al caffè del
di un gesto, di una Cairo e alla Mecca. Se la nuova bevanda
identità rapita da una fu considerata allora come nociva e si
istantanea fotografica vide per due volte condannata, il suo suc-
che dichiara due cose: cesso si era già sparso nell’intero mondo
il suo volere essere islamico. Sappiamo che uomini saggi,
nuda qui e ora, e la sua poeti e musicisti hanno frequentato luo-
origine. Moi l’ha ascol- ghi dove proponevano di consumarlo e
tata, e quella testa di degustarlo. Il primo Caffè Letterario della
esattezza ovale, resti- storia vide il giorno nel 1555 a Istanbul.
tuita a un corpo che in Il Caffè ha conquistato l’Europa alla fine
passato l’aveva (an)ne- del XVII secolo. Molto presto gli uomini
gata con scenografiche di lettere lo elessero a luogo come punto
alghe dorate, è qui rin- d’incontro. Le Procope a Parigi fu l’antena-
venuta come un reper- to di tutti i caffè della letteratura.
to, appoggiata sul collo Gli artisti hanno cominciato a frequenta-
in posizione in-stabile, re i caffè soltanto dopo la rivoluzione: fu
provvisoria, come fos- il Caffè Greco a Roma, il Caffè Michlan-
se lasciato a lei, a quel- giolo a Firenze, il Cafè Momus, la Brasserie
la donna statuaria ed Andler Keller, feudo di Courbet, il Cafè
enigmatica, di sistemar- Guerbois, dove Manet riuniva i suoi amici
sela come vuole. pittori e scrittori, La Nouvelle Athènes, Le
Non c’è il profumo dei Rat Mort. Furono i prestigiosi luoghi e cir-
fiori, non l’odore ine- coli artistici della cultura innovatrice.
briante di iodio di un Dai preraffaeliti tedeschi ai macchiaioli,
mare che è evaporato dai romantici ai surrealisti e agli impres-
tutto alle sue spalle, ma sionisti. Molti altri Caffè hanno segnato
un drappo campestre l’avventura delle avanguardie nelle grandi
con pino marittimo, città d’Europa e in America latina.
ironico richiamo all’an- Il Caffè delle Palme, è un caffé immagina-
tico esemplare di chia- rio che esiste solamente qui, alle Segrete
ra fama. Questa Venere Venere in bavaglia, 2008 di Bocca a Milano ed è decorato da Luce
ha i piedi per terra, ora, Delhove, come il Caffè Inglese fu decora-
sembra poggiare su una roccia antropo- di trattenere calore, è degli uomini che to da Piranesi a Roma, come il modesto
morfica; è approdata, non c’è nessuno come i cani hanno l’acquolina alla bocca Bistrot Zut fu dipinto da Picasso sulla
intorno ad accoglierla e ad ammirarla, al solo sentire l’odore di un cibo, è della butte Montmartre.
non è un giorno di festa: anche l’ambien- scrofa che si fa scivolare via dalla mandi- È in questo luogo fantasmagorico dove
te sembra essere distratto, non si confà bola l’obbedienza istintiva alla legge di ho parlato dei Caffè e dell’arte moderna
trionfalmente alla presenza centrale di un procreazione, e stilla gocce di godimento. immerso nelle pitture e nei disegni di
corpo femminile summa di proporzioni, La schiuma è la materia più spregevole, Luce Delhove.
bianco lattiginoso, fiero di essere resistito più informe che mischia le carte in tavola
a tante decollazioni, che porta la sua testa tra animalità e umanità, tra giovane e vec- Gérard-Georges Lemaire
come un monile. chio, è la materia per eccellenza più trau-
Sotto la testa, è legata una bavaglia, di matizzante, come ha ben mostrato
colore stridentemente allegro. Caravaggio ne La Medusa.
Una dislocazione infantile, una citazione in La nascita di Afrodite, della Bellezza stes-
una lingua straniera e lontana che inter- sa, viene tramandata dall’antichità come
rompe bruscamente, con la prepotenza e una tragedia metamorfica della materia
l’immediatezza dei gesti dei bambini che più abbietta: la schiuma, che inaspettata-
vogliono qualcosa e basta, non per favore mente assume varie forme. Il figlio di Gea,
e grazie, il fluire di un discorso già sentito volle proteggere la madre dal dilagante
tante, troppe volte. Urano, che giungeva bramoso di lei por-
Tace allora tutto quello che l’attornia, tando la notte.
come cercando di farsi una ragione di Afferrò un falcetto dentato, falciò i geni-
questa intrusione... una bavaglia?? tali del padre e li gettò all’indietro. Gea ne
Sì, un tovagliolo con lacci che è destinato ricevette però schizzi e stille di sangue, e
a raccogliere l’avanzo, spesso solo saliva- con il volgere del tempo partorì le Erinni
re, per gli infanti, i paraplegici e per i vec- e i Giganti splendenti nelle armi, e le
chi, che si ritrovano spersi nell’anarchia Ninfe Melie.
muscolare, in gran parte involontaria. Come ebbe tranciato i genitali, li scagliò
Moi inventa la bavaglia per la schiuma di nel mare; così furono portati per molto
Afrodite, non solo scoria, ma la materia tempo, e attorno una bianca schiuma sor-
stessa che le diede origine, fisicamente. geva sull’immortale membro: in esso una
Così dice il suo nome, dal greco aphròs, fanciulla crebbe.
schiuma.
E chi sbava, chi schiuma? Cristina Muccioli Luce Delhove - Palme, 2008

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Ernesto
Achilli
Ernesto Achilli è pittore oltrepadano di
forte e significativa personalità artistica,
che ha alle spalle un valido itinerario
espositivo in Italia ed all'estero.
Scrivendo di lui, in passato, ho accennato
al convincente e stimolante “realismo esi-
stenziale” di questo cantore della sua
terra. Ed in effetti, la sua poetica si carat-
terizza per il forte legame, contenuto nei
dipinti, fra arte, natura e territorio.
In essi, oltre la progettualità ed il rigore
compositivo, si avverte l’esigenza di ricol-
legarsi con le proprie radici, basandosi
sulla capacità di osservare attentamente
le cose come sono in sè stesse, e poi di
descriverle fedelmente, maneggiando con
maestria le risorse intellettuali e tecniche
della pittura.
In Achilli si riscontra l’attenta osservazio-
ne degli ambienti e delle realtà in essi Più o meno fini, 2008
presenti, osservazione compiuta con
scrupolo quasi amoroso, e poi portata sti stessi oggetti erano in dimestichezza e ca di energie ma serena che era propria
sulle tele con “intelletto d’amore”: così gli di essi si servivano. Ernesto Achilli ci di quegli anni. Come nota con sincera
oggetti perdono la loro originaria funzio- ripropone così con un raffinato taglio passione l’artista, immedesimandosi nella
nalità, e ad essi, come nota lo stesso arti- interpretativo, sensazioni acquisite nell’in- ragionata vicenda del suo laborioso
sta, si restituisce la dignità perduta, e al fanzia e nella prima giovinezza della sua impegno creativo.
contempo si mantiene vivo e palpitante il vita: richiami di un mondo espressi con
ricordo di coloro che un tempo con que- l’arte, che sa comunicarci l’atmosfera cari- Siro Brondoni

Nicola Brindicci zione meditato e

Inni
voluto, cercato e di-

d’incanto semplice
panato su un teatri-
no dinamico ma po-
sto al chiarore della
luce del sole, quan-
do ancora alto non
è, per abbagliare la
Posare lo sguardo su un dettaglio e terra.
immaginarlo ingigantito, mostruosamente Questa è la poetica
e palesemente grande dinanzi ai nostri di Nicola Brindicci,
occhi, pensando che esso possa precipita- semplice, sulle spire
re o che per una strana legge fisica possa dell’essenziale,
restare eternamente bloccato per con- ottemperata con gli
trapporre il suo perpetuo e silente strumenti dell’im-
immobilismo al dinamismo della vita quo- maginifico ma co-
tidiana. Scorgere, poi, un cielo mutevole, struita con l’animo
dai colori tersi, cangianti, pronti a rivelare dell’io bambino, in-
la verità delle cose e a comunicare che nocente e puro,
l’immagine che abbiamo dinanzi è solo predisposto a ricer-
frutto di un silente processo d’osserva- care l’essenza delle cose e attraverso esse inesplorati, tutto si ferma dinanzi al sapo-
raccontare una di- re dell’ermetico decantato nell’immedia-
mensione spirituale to e reso immortale, come fosse un inno
della natura o forse d’incanto semplice.
giocosa. Due antipodi Le opere di Nicola Brindicci sono tracce
che sono propri di di meditazioni o pensieri d’inganno, forse
Nicola, che si evinco- sono l’uno e l’altra cosa messi insieme
no anche nelle opere queste fotografie scattate con la macchi-
esposte alla Libreria na fotografica meccanica (non conosce le
Bocca, un pot-pourrì regole del digitale), anche se un elemen-
della sua produzione to è certo: l’artista sa di voler stimolare la
fotografica. riflessione sulla dimensione della vita di
Dalle lacunose lande ciascuno e quindi sulla collettività!
solitarie dei rossi mi- Non rimane altro che lasciarsi coinvolge-
lanesi, alle aggraziate re per stimolare pensieri e propositi crea-
forme vetrose di sug- tivi! …d’altronde, uno dei compiti dell’ar-
gestiva trasparenza, te, non è forse quello di renderci migliori?
agli aghi sulla neve
che giocano forman- Antonio D’Amico
do paesi e sentieri Androidi, 2008

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