F undación BilbaoArte Fundazioa-ren 20.

en urtemugaren ospaketa, Begira

erakusketarekin gauzatzen da. Beraz, instituzioko bilduma piktorikoaren lehenengo
­
­atzera begirako erakusketa da, non berreskuratu eta balorean jarri dira Fundazioaren
ibilbidea, euskal pinturaren papera tokiko eta atzerriko eremuetan, euskal ­testuinguruaren
estilo aldakortasuna, edo sortzen ari diren artistei laguntza ematea, besteak beste.

Presente dauden artistak, erakundetik igaro ondoren bere jarduera artistikoa gaur egun
arte jarraitu duten euskal autore batzuk dira. Artista hauek, antzeko ingurunean ­formatu
arren, emaitza oso desberdinak aurkezten dituzte. Batzuk nazioarteko erreferentetan
­bihurtuta, artelan hauen bidez bere egonaldiko esperientzia ez ezik, une horretan lan ­­­egiten
ari zituzten diskurtsoak, estetikak, teknikak eta kontzeptuak isladatzen dituzte. Esperimen-
talak izan ahal ziren aspektuak, edo bere produkzioan denborarekin errepikari ezarri ziren
elementuak, baita horietako batzuen identitate zeinu izatera heldu ziren elementuak ikus
ditzakegu.

Honelako erakusketak, euskal pintura garaikidearen ikuspuntu eta imajinario b ­erria

eraikitzera laguntzen dute; era orokorrean, ikusmen tradizional kostunbrista edo
­
­euskal identitatetik urruntzen dena, izaera internazionalagoa hartuz. Pertzepzio berria,
­denborarekin tokiko eta Euskal Herriko memoria kulturalean egoten pasako dena.

Begira izenburuak, erakusketaren irakurmen bikoitza proposatzen du. Alde batetik,

­iraganeko artelanak begira eta berreskuratzerakoan oraingoan aurkezteko, eta beste
­aldetik, berezko artelanetatik sor daiteken interpretazioetatik. Arteak gainditzeko eta ­beste
errealitatera lekualdatzeko gaitasu na dauka, eta honetan gure errealitateko kategoriak
agertu ere ahal dira. Albertik bere De pictura tratatuan adierazi zuen bezala, begirada ez
da finkoa, eta interpretazioa ikuslearen arabera izango da.

Begirak espazio berean belaunaldi desberdineko artistak batzea lortzen du, 1999 ­urtetik
2018ra arte sortutako produkzioekin. Aukeratutako artelanen dibertsitate estilistikoak,
pintura genero bezala azkenengo bi hamarkadetan hartu ahal izan dituen isurialdiak
­adierazten ditu. Jadanik ezin dugu abstrakzio edo figurazioz hitz egin modu akademiko
tradizionalean, baina bai pinturaren limiteen gainditze eta etengabeko eztabaidatzeaz, eta
beste ezagutza arloren metodologien inklusioaz, hala nola, zientzia, teknologia, filosofia
eta fisikakoena, edo beste adierazpen artistikoena, argazkigintza, zinema edo bitarteko
berriak era orokorrean. Artelanek euskal inguruan oso sustraitutako gaiei buruz hasten
dira, baina tresnak, teknikak, eta diskurtsoak bilaketa eta gaur egungo tendentziekin era
orokorrean lotzen dira ere. Beraz, Begira begiraden aniztasunetatik apustu egiten duen
erakusketa bezala uler daiteke, ez soilik euskal artista garaikideen begiradetatik, baizik
eta pintura genero bezala daukan konplexutasunagatik, eta bere biziraupena antzinatik
­izandako heriotzaren arriskutatik.
L a celebración del 20 aniversario de la Fundación BilbaoArte Fundazioa se materializa
con la exposición Begira. Se trata, por tanto, de la primera retrospectiva de la c ­ olección
­pictórica de la institución, recuperando y poniendo en valor cuestiones como la ­trayectoria
de la Fundación, el papel de la pintura vasca en el ámbito local e internacional, la ­versatilidad
estilística en el contexto vasco, o la importancia del apoyo a los artistas emergentes, entre
otras.

Los artistas presentes son algunos de los autores vascos que tras su paso por la
­institución, han continuado su trayectoria artística hasta la actualidad. Artistas, que a
­pesar de ­haberse formado en un contexto similar, presentan resultados muy diversos.
Convertidos algunos en referentes internacionales, estas obras reflejan su experiencia
­residencial así como los discursos, estéticas, técnicas y conceptos que estaban ­trabajando
en ese m
­ omento. Aspectos que pudieron ser experimentales, o que se han establecido
como elementos ­recurrentes en su producción, llegando incluso, a ser la seña identitaria
de algunos de ellos.

Exposiciones como esta, contribuyen a construir una nueva visión e imaginario de la p ­ intura
vasca contemporánea; la cual, por lo general, se aleja de la visión tradicional c
­ ostumbrista
o de la identidad propiamente vasca, adquiriendo un carácter más ­internacional. Una ­nueva
percepción que con el tiempo pasará a estar en la memoria cultural local y del País Vasco.

El título Begira plantea una doble lectura de la exposición. Por un lado, al mirar y
­recuperar obras del pasado para presentarlas en el presente, y por otro lado, por las
­interpretaciones que puedan surgir de las propias obras. El arte tiene la capacidad de
excederse y de t­rasladarnos a una realidad donde es posible que se nos muestren
­
­categorías ­correspondientes a nuestra realidad. Tal y como expresó Alberti en su tratado
De pictura, la mirada no es fija, y la interpretación depende del espectador.

Begira logra hacer coincidir en un mismo espacio artistas de diferentes generaciones con
una producción que va desde el año 1999 hasta el 2018. La diversidad estilística de las
obras seleccionadas sugiere posibles vertientes que ha tomado la pintura como género en
estas últimas dos décadas. Ya no podemos hablar de abstracción o figuración en ­términos
académicos tradicionales, sino de una superación y un cuestionamiento constante de los
límites de la pintura y la inclusión de metodologías de otras campos del ­conocimiento como
la ciencia, la tecnología, la filosofía, la física, u otros manifestaciones artísticas como la
fotografía, el cine o los nuevos medios en general. Las obras parten de c ­ uestiones muy
­enraizadas en el contexto vasco pero las herramientas, técnicas y discursos se ­conectan
con las búsquedas y tendencias de actualidad también a nivel global. Begira, puede
­entenderse entonces como una muestra que apuesta por la diversidad de miradas no
solo de los artistas contemporáneos vascos sino por la complejización de la pintura como
­género, y su supervivencia ante la vieja amenaza de su muerte.
 MUGAZ BESTALDEKO PINTURA
Iñaki Esteban
P
edo ­
intura beregandik askatu da, bere aurreritzietatik eta bere topikoetatik. D
­ agoeneko
ez du errealaren errepresentazio edo joku formala izan beharrik, ezta ere i­majinazio
sentimenduen espresioa, ezta ere diziplinaren historiari aipuen erakusgaiak,
­posmodernitatearen lehenengo konpasetan moduan. XX. mendearen amaieratik batzen
­hasitako BilbaoArteren margolanen bildumak margolariei hizkuntzaren barruko legeak,
gaur egun beste kodigo eta perspektiba batzuekin nahastuak, esaten dutena baino gehiago
interesatzen zaiela frogatzen du.
Pinturak mugak gainditu ditu, kanporakoia bihurtu da. Komikiekin, irudiekin, eta kul-
tura p ­ oparen edukiekin nahasi da, komunikazio bideei buruz, modu kritiko gehienetan,
­eraikitze ironikoak sortuz. Paisaia urbanoak errepresentatzeko perspektibak ere batzen
ditu, ­telebista edo zineko aireko planoak gogoratzen dituztenak, XIX. mendeko artisten
­planteamendu ­klasikoetatik edo baliatu ziren argazkigintzatik haratago. Nabaria denez,
erakusketa ­honatan ez dago lurralde berrietako pinturaren hedapen guztia, baina, bi-
dezkoa da gogoratzea ­duela urte batzuk markotik atera eta espazio publikoko graffiti eta
arte urbanoan finkatu zela; kontsumo pribaturako sortutako artearen espresio nagusia
izan zen, gero museoetako aretoetara eramanda.
Picassok zuri-beltzean margotu zuen Gernika, zinemako pantaila baten tamaina eta
formatua gogoratzen digun mural batean. Horrekin, lanaren garrantzi sinbolikoa
­ Picasso pintó el Guernica en blanco y negro, en un mural que por su forma y tamaño
­nabaritzen du, guda edo denuntzia dokumental bat izango balitz moduan. Warholek, bere
margo ­ beltzetan, ­egunkarietan agertzen ziren delitugile eta kotxe istripuen argazkiak
­erabili z­ ituen. Delitua, kondena eta ezusteko heriotza bizitza bizitzera behartzen saiatzen
den ­gizarte k ­ omertzial baten beste aurpegi moduan errepresentatzen da, jakina, modu
zehatz batean. Hirurogei h ­ amarkadaren hasieran, Gerhard Richterrek ere, bere familia
udako oporretan, ­hondartzan, zuri beltzean margotu zuen: genero piktorikoaren ustezko
sakralitatearen ­transgrasio ­ironikoa, bertan pintzeladaren keinu nabaria gordetzen du,
ustezko ­argazkigintzaren ­­zalearen degenerazio estetiko eta bere gaien mugaketaren bidez.
Ondorioz, bietan ­pentsarazten duen bitxikeria bat.
Kultura poparen bitartekarien jabetzaren arraztoa dago BilbaoArteko margolanen
­bilduman. Artisten belaunaldi hauek irudien mediatizazio eta mediatikoetara ohituta dau-
de, hauen ­ingurune naturala da. Ekologia, politika, historiaren errepresentasioa, margi-
nazioari eta esklusioari kritika gehiago dago artistaren nortasunaren afirmazioa baino,
iraganean ­ohikoa izan zena baina orain ia existitzen ez dena. Umorea ere bizirik dago, da-
daismoa edo surrealismoa moduko abangoardien ekarpen handietako bat.
Teknologien irudi jariakor likido eta aldakorren aurrean, artista hauen lanak iraunkorta-
sun handiagoa irudikatzen dute, eskulturak egiten duen moduan. Gainontzean, pinturak
­historian ohikoa izan de murrizketa gabeko espazio bat dute eskura. Suertez, pinturak bere
aura kendu du eta espazio zabal eta mugarik gabekoa eraiki du, non artistak libre ibili ahal
diren funtzio adierazgarri edo emozionalean pentsatu gabe.
PINTURA TRANSFRONTERIZA
Iñaki Esteban
L a pintura se ha liberado de sí misma, de sus prejuicios y de sus tópicos. Ya no tiene
por qué ser ni representación de lo real ni juego formal, ni tampoco expresión de la
­imaginación y el sentimiento, ni muestrario de citas de la historia de la disciplina, como en
los ­primeros compases del posmodernismo. La colección de pintura de BilbaoArte, que
comenzó a ­formarse justo al finalizar el siglo XX, demuestra que a los pintores actuales
les importan más lo que dicen que las reglas internas de su lenguaje, ahora cruzadas con
otros códigos y perspectivas.
La pintura se ha vuelto extrovertida y transfronteriza. Se implica con el cómic, con las
­imágenes y los contenidos de la cultura popular, con las construcciones icónicas de los
­medios de comunicación desde diferentes puntos de vista, por lo general críticos. I­ ncluso
recoge perspectivas para representar paisajes, en este caso urbanos, que remiten a
los planos aéreos de la televisión y del cine, más allá de planteamientos clásicos o de la
­fotografía de la que se sirvieron los artistas desde el siglo XIX. Y aunque en esta muestra,
por razones obvias, no esté incluida toda la expansión de la pintura por nuevos territorios,
justo será recordar que hace ya años salió del marco y se asentó con el graffiti y el arte
urbano en el espacio público, después de haber sido la máxima expresión del arte realizado
para consumo privado, luego ampliado a las recogidas salas de los museos.
­remitía a la pantalla de cine. Con ello, al valor simbólico de la obra sumaba su condición de
­documental de guerra, de documento de denuncia. En sus particulares pinturas negras,
Warhol procesó las fotos de los delincuentes y los accidentes de coche que aparecían en
los periódicos. El delito, la condena y la muerte inesperada se presentaban como cara b de
una sociedad comercial que trataba de obligar a vivir la vida, por supuesto de una m ­ anera
­determinada. También a principios de los sesenta, como en el caso anterior, Gerhard
­Richter pintó en blanco y negro a su familia en la playa durante las vacaciones de verano:
una transgresión irónica de la supuesta sacralidad del género pictórico, del que preserva
el rastro evidente de la pincelada, a través de la también supuesta degeneración estética
de la foto de aficionado y de sus limitaciones temáticas. Como resultado, una extrañeza que
hace pensar en las dos cosas.
Hay rastros de estas apropiaciones de los medios de la cultura popular en la colección de
pintura de BilbaoArte. Los artistas pertenecen a generaciones para los que las i­mágenes
mediáticas o mediatizadas constituyen su entorno natural. Hay más ecología, política,
­crítica de las representaciones históricas, de la marginación y de la exclusión que actos
de ­afirmación de la personalidad del artista, como fue tan habitual en algunas ­corrientes
y que ahora son prácticamente inexistentes. Hay también humor, una de las grandes
­aportaciones de las vanguardias clásicas como el dadaísmo y el surrealismo.
Frente a las imágenes fluidas, líquidas y volátiles de las tecnologías, las obras de estos
­artistas presentan una mayor solidez y permanencia, como también lo hace la escultura.
Por lo demás, los pintores disponen de su espacio sin las restricciones convencionales de
su larga historia. Por suerte, la pintura se ha despojado de su aura y ha ido construyendo
un espacio amplio y transfronterizo por el que el artista puede moverse con libertad y ya
sin la ingenuidad de su función representativa o emocional.
 ABIGAIL LAZKOZ
Bilbao 1972
Abigail Lazkozek zuri-beltzezko marraz-
kia hartu du bere lan guztiaren oinarri
bezala. Bere lehenengo influentziak ko-
mikian eta ilustraziotik datoz, dena dela,
adie­razpen honetan daukan hausnarketa,
alde formaletik haratzago doa. Lazkozek,
paralelotasun oso interesgarria propo-
satzen du lerroa, arrunt eta era minimoan
bilbe konplexuak egiteko gaitasuna duena,
eta bere inguruneko hausnarketa exis-
tentzialaren artean. Paradoxak, aurkako
kontzeptuen aldi bereko izateak, dekons-
truzioak eta erlatibizazioak interesatzen
zaizkio baliabide moduan indarkeriari,
politikari eta nola gizarteak islatu eta
bidera­tzen dituen baldintza hauei buruz
hitz egiteko. Abigail Lazkozen marrazkiak
hizkuntza piktoriko gutxieneko sintesiaren
bidez, hunkitzea lortzen dute bere zama
adierazkorra dela eta. Guda, generoa edo
bizitza eta heriotzari nola aurre egiten
diogun, eta horrelako gai konplexuen alde
tragikoa, morbidoa, eta zoritxarrekoa igur­
tzen ditu. Dancer, artistaren autorretratua
da, pauta hauetatik dabilen lana da, eta
heriotzari buruzko sententzia doktrinala,
zentzu finito ezik, errenazimentu zentzuan,
etapa baten amaiera eta beste baten ha-
siera, aukeren amaigabeen elkargune, he-
riotza iraunkortasun ezaren eta igarotzea-
ren metafora bezala adierazten du.
Abigail Lazkoz, UPV/EHUko Arte Ederretan
lizentziatua (1995) aitzindaria da marrazki
hedatuan. Bere ikasketak Ingalaterra, Bil-
bo eta New Yorken egin dituen egoitzekin
osatu ditu, lortutako produkzio beka ezber-
dinei esker bere ibilbidea hedatuz artista
internazional moduan. Saritua ere izan da
bere lanagatik eta erakusketa indibidualak
eta kolektiboak izan ditu. Erakusketa per­
tsonalen artean hauek daude: New York,
Werkraum Godula Buchholz, Denklingen,
Munich, 2010; Shuffle, Espai 13, Joan Miró
Foundation, Bartzelona, 2009; Máquinas
extraordinarias, Sala Rekalde, Bilbo, 2009.
Duela gutxi Encuentros con artistasen (Ar-
tium) eta Conexiones programa espositi-
boetan parte hartu du.
DANCER. 2002
Akrilikoa egur gainean - Acrílico sobre madera
195 x 195 cm
Abigail Lazkoz ha hecho del dibujo en blan-
co y negro la base de todo su trabajo. Sus
influencias iniciales se encuentran en el
cómic y la ilustración, pero su reflexión en
torno a esta expresión trasciende lo mera-
mente formal. Lazkoz propone un intere-
sante paralelismo entre la línea, como for-
ma sencilla y mínima capaz de estructurar
tramas complejas, y la reflexión existencial
de su entorno. Le interesan las paradojas,
la coexistencia de conceptos contrarios,
las deconstrucciones y la relativización
como recursos para hablar de la violencia,
la política, y de cómo la sociedad refleja y
canaliza estas condiciones.
Los dibujos de Abigail Lazkoz logran impac-
tar desde una síntesis mínima del lenguaje
pictórico debido a su fuerte carga expre-
siva. Roza lo trágico, mórbido, y siniestro
de temas tan complejos como la guerra,
el género, o en sentido general de cómo
enfrentamos la vida y la muerte. Dancer,
autorretrato de la artista, es una pieza que
funciona desde estas pautas como una
sentencia doctrinal sobre la muerte, no en
su sentido de finitud sino de renacimiento,
del fin de una etapa y comienzo de otra, del
encuentro con infinitas posibilidades, la
muerte como tránsito y como metáfora de
la impermanencia.
Abigail Lazkoz es licenciada en Bellas Artes
en la UPV/EHU (1995) y pionera del “dibu-
jo expandido”. Ha completado su forma-
ción con residencias en Inglaterra, Bilbao
y New York, y gracias a la concesión de
ciertas becas de creación ha podido de-
sarrollar su trayectoria artística interna-
cionalmente. También ha sido galardonada
en varias ocasiones, y ha expuesto de for-
ma individual y colectiva. Algunas de sus
exposiciones personales son New Work,
Werkraum Godula Buchholz, Denklingen,
Munich, 2010; Shuffle, Espai 13, Joan Miró
Foundation, Barcelona, 2009; Máquinas
extraordinarias, Sala Rekalde, Bilbao,
2009. Recientemente ha participado en
“Encuentros con artistas” (Artium) y en el
programa expositivo Conexiones.
 AITOR LAJARÍN
Gasteiz 1977
Aitor Lajarinek espazioen kondizioak azal­
tzen ditu. Agian horregatik, gauzak eta in-
dibiduoak espazioan murgiltzerakoan izan-
dako interpretazioa da bere lana gidatzen
duen haria. Bere margolanak misteriozko
halo bat daukate, eta hori lortzen da hiriko
eta eszena intimoetan, kolore gama txikia
eta konposizioaren soiltasunarekin trata­
tzen eta sartzen dituen elementuen eska-
lagatik.
Pinturaren bidez, Aitorrek espazioalitatea-
ren, egunerokotasunean bizi ditugun, eta
argi eta garbi, gure aldartea eta aipatutako
ingurunean dugun esperientzia baldintza­
tzen duten, sentzazioak reinterpretatzen
ditu. Baliabide gutxirekin eta sintesi han-
diarekin, tokiak eta ikuslearentzat historia
txiki moduan funtzionatzen duten egoerak
birsortzen ditu. Bere abiapuntua, bere hi­
tzen arabera, gaiak espazializatzea eta ha-
rremanen arazoak izango balitz bezalatzat
jotzetik dator. Modu honetan ezagun izan
ditzakegun elementuen antolamenduak be-
rregiten ditu. Nola bizi garen espazioetan
irudikatu baino, bere irudiak nola espazioa
gugan bizi den eta nola baldintzatzen gai-
tuen irudikatzen du.
Aitor Lajarín argazkigintza eta instalazio-
ren bidez lan egiten duen margolaria da.
UPV/EHUan Arte Ederretako lizenziatura
lortu zuen, eta Californiako unibertsita-
tean Arte Ederretako Masterra egin zuen
(San Diego, 2015). 2007an, Estatu Batue-
tara joateko Artiumeko sormen eta iker-
keta beka jaso zuen. 2004 eta 2005 urteen
artean, ezagunetako artisten pintura tai-
lerretan parte hartu zuen, Antonio López,
Juan José Aquerreta…, eta 2008an Mark
Bradford eta Fred Tomasellirekin. Egin-
dako banako erakusketa batzuk Crickets,
Heritage Square Museum, Los Angeles,
CA, 2017; Teatro Absurdo de Ideas Lógi-
cas, Instituto de las Artes y la Cultura, Pue-
bla, Mejico, 2015. 2015tik Los Angeleseko
DXIX izeneko autogestionatutako proiektu
artistikoen espazioa fundatu eta zuzentzen
dutenetariko bat da. Gaur egun, Arte eta
Artearen Historiaren Departamentuaren
irakaslea da Estatu Batuetako Coloradoko
estatu-unibertsitatean.
SIN TÍTULO. 2005
Olioa mihise gainean - Óleo sobre lienzo
19 x 25 cm (14 ale/piezas)
Para Aitor Lajarín el espacio explica las
condiciones. Quizás por esto el hilo con-
ductor en su trabajo sea su interpretación
de la espacialidad en la que sumerge a
objetos e individuos. Su pintura posee un
halo de misterio derivado de la escala en
que trata los elementos que inserta en sus
escenas íntimas o urbanas, la gama de co-
lores reducida y la sencillez compositiva.
Aitor reinterpreta por medio de la pintura
las sensaciones de espacialidad a la que
estamos expuestos cotidianamente y que
claramente condicionan tanto el estado de
ánimo como la experiencia en general en
dicho entorno. Con muy pocos recursos
y un alto nivel de síntesis, recrea escena-
rios y situaciones que funcionan como un
microrrelato para el espectador. Según
sus palabras, el interés de espacializar
asu­ntos y tratarlos como problemas de
relaciones es su punto de partida para ex-
perimentar con la imagen. De esta manera
recrea una disposición inusual de elemen-
tos que pueden resultar reconocibles o fa-
miliares para todos pero formando parte
de una disposición inusual y desnaturaliza-
da. Más que representar cómo habitamos
el espacio, sus imágenes recrean cómo el
espacio nos habita y nos condiciona.
Aitor Lajarín es un pintor que trabaja a
partir de la fotografía y la instalación. Ob-
tuvo su licenciatura en Bellas Artes en
UPV/EHU, y realizó un Master en Bellas
Artes en la Universidad de California (San
Diego, 2015). En el año 2007 recibe la Beca
Artium de creación e investigación en Es-
tados Unidos. Durante los años 2004 y
2005 participó en talleres de pintura de
renombrados artistas como Antonio López,
Juan José Aquerreta..., y en 2008 con
Mark Bradford y Fred Tomaselli. Algunas
de sus exposiciones individuales son Cric-
kets, ­
Heritage Square Museum, Los An-
geles, CA, 2017; Teatro Absurdo de Ideas
Lógicas, Instituto de las Artes y la Cultura,
Puebla, Mexico, 2015. Desde el 2015 es
co-fundador y co-director del espacio de
proyectos artísticos auto gestionado DXIX
en Los Ángeles.Actualmente es profesor
del Departamento de Arte e Historia del
Arte de la Universidad estatal de Colorado
en Estados Unidos.
 Alain Urrutia
Bilbao 1981
Alain Urrutiak margotzearen ekintza eza-
gutarazi eta ezkutatzen duen jestu moduan
kontzebitzen du. Irudi bakoitza igarkizun
bat da, lente fotografikoak eta artistaren
instintuak filtratutako egunerokotasuneko
ikuspegiaren errepresentazioa. Aurretiko
argazki edo irudiak estimulo moduan balio
du, eta aldi berean zatikatzen den proze-
su batean sartzen da, suntsitu, berreraiki
eta, azkenean, mihise gainean aurkeztuta,
beste sentsu bat hartuz. Urrutiak irudia
fenomeno moduan eta artista boteredun
figuraren inguruari buruz hausnartzen
du. Honi buruzko errealitatez betetako
errepresentazio hotz baten ordez, errea-
litatezko ilusio bat proposatzen du. Bere
berregiteetan pistak usten ditu, susmoe-
kin jolasten du. Oniriko eta aztoragarria
re-enkoadraketa, desfokuratze eta kolore
paleta mugatua (grisen eskala) moduko
tek­niken bidez landuz. Bere atmosfera
iheskorrak tentsioa sortzen du, eta honek
gabezia eta presentziarekin jolasten du.
Beti ere, ikuslearen irudimena libre utziz
iradoki dituen istorioak osatzeko.
UPV/EHUko Arte Ederretan lizentziatua,
bere formazioa osatu ahal izan zuen at-
zerrian, zenbait beka eta egoitzei esker
(Noruega, New York, Beijing). 2008tik, ur-
tero nazioarteko erakusketa kolektibo edo
banakakoetan parte hartu du. Bere azke-
nengo banakako erakusketa batzuk, hauek
dira: The Age of Anxiety, Galería Casado
Santapau, Madril, 2019; Pando, Aldo Cha-
parro Studio, Mexico Hiria, 2019; Mise en
Abyme, Plǝt Project Space, Amsterdam,
2018. Gaur egun Berlinen bizi eta lan egi-
ten du.
TERCER TIEMPO. 2008
Tinta txinatarra eta esmaltea paperaren gainean -
Tinta china y esmalte sobre papel
203 x 203 cm
Alain Urrutia concibe el acto de pintar
como un gesto que revela y oculta al mis-
mo tiempo. Cada imagen es un enigma,
una re-presentación de visiones cotidia-
nas filtradas antes por el lente fotográfico
y la intuición del artista. La fotografía o la
imagen precedente sirve de estímulo pero
a su vez entra en un proceso donde que-
da fragmentada, destruida, reconstruida
y finalmente presentada en el lienzo donde
cobra otros sentidos.
Urrutia reflexiona en torno a la imagen
como fenómeno y al artista como figura de
poder que más que presentar fríamente
una realidad propone una ilusión de rea-
lidad. Sus reconstrucciones dejan pistas,
juegan con la sospecha, lo onírico y lo in-
quietante a través de técnicas como el re-
encuadre, el desenfocado y también por
la paleta de color limitada solo a la escala
de grises. Sus atmósferas evanescentes
crean una tensión que juega con la ausen-
cia y la presencia, dejándole siempre liber-
tad al espectador para que complete con
su imaginación las historias sugeridas.
Licenciado en Bellas Artes en la UPV/EHU,
ha podido completar su formación en el
extranjero gracias a diferentes becas y
residencias (Noruega, New York, Beijing).
Desde el 2008 ha participado anualmente
en exposiciones colectivas o individuales
internacionales. Algunas de sus exposicio-
nes individuales más recientes son Pando,
Double Solo Show with Aldo Chaparro.
Aldo Chaparro Studio, Ciudad de México,
2019; Mise en Abyme, Plǝt Project Space,
Amsterdam, 2018. Actualmente vive y tra-
baja en Berlín.
 Alberto Albor
burgos 1977
Alberto Alborren margolanak errealitate
alternatibo eta artifizialak errepresenta­
tzen dituzte, baina ez da kulturalki ohikoak
diren kodigo eta esperientzietatik urrun­
tzen. Egunerokotasuneko edozein espe-
rientzia estimulu izan daiteke intuitiboki
irudiak sortzen hasteko, produkzio litera-
rio edo zinematografikotik, memoria kolek­
tiboko artxibo handira arte. Horregatik
bere lana autoerreferentziala da: lanean
aurkitzen ditugun objektuen asoziazioek
bizipen pertsonalen arteko narraziok era­
tzen dituzte. Hain zuzen ere, sorkuntza
proiektu honen intimitateari esker, bere
artelanak ikuslearekin konektatzen du,
honi nahi beste asoziazio egitera bultzatuz.
Bere konposizioa ulertzeko forman, leiho,
mahai edo hormak moduko elementuak
errepikatzen dituen bodegoiak moduan,
bere pinturaren alderdi etengabea dira. Al-
borrentzako, mihise bakoitza kapitulu berri
bat da, non bere erreferentzien bilduma da
bere abiapuntua erdizkako egiak eta etsai
ikusezinak dauden alegiak sortzeko.
Alberto Albor UPV/EHUko Arte Ederretan
lizentziatu zen, pintura espezialitatean.
Zenbait beka jaso ditu, hala nola, Juan de
Otaola, BilbaoArte eta Bizkaiko Foru Al-
dundikoak, eta sari ugari, adibidez, Uned
Bizkaia eta II Concurso de Jóvenes Artis-
tas. Bere banakako erakusketen artean,
hurrengo hauek nabarmendu daitezke:
Spoiler, Sala Rekalde, Bilbo, 2012; Hybris,
Sala Eduardo Dato, Gasteiz, 2004; Delive-
rance, Torre de Ariz, Basauri, 2007. Bere
arestiko erakusketa kolektiboen artean,
aurki ditzakegu: Disco 154, Patio de cris-
tal, BilbaoArte Fundazioa, Bilbo, 2019; Lo
que tú ves, no es lo que yo veo, Programa
Harriak, Eremuak, Oxford Aretoa, Zumaia,
2018; Sueño, Galería Aire, Bilbao, 2018
(erakusketa kolektiboa).
SIN TÍTULO. 2015
Akrilikoa mihise gainean - Acrílico sobre lienzo
150 x 130 cm
Los cuadros de Alberto Albor presentan
una realidad alternativa y artificial, pero
no por ello desanclada de los códigos y
experiencias que nos son culturalmente
comunes. Toda experiencia de lo cotidia-
no puede ser un estímulo para empezar a
crear intuitivamente sus imágenes, desde
la producción literaria o cinematográfica,
hasta ese gran archivo que es la memoria
colectiva. Es por esto que su trabajo es
autorreferencial: la asociación de los ob-
jetos que encontramos en su obra, cons-
tituyen una narración relacionada con sus
experiencias personales. Es precisamente
por la intimidad de este proceso de crea-
ción que sus lienzos logran conectar con
el espectador y motivarlo a un sin fin de
­asociaciones.
Su manera de entender la composición,
como bodegones con elementos que se
suelen repetir como ventanas, muros, me-
sas, es uno de los aspectos constantes en
su pintura. Para Albor, cada lienzo es un
nuevo capítulo del lugar del artificio donde
su colección de referencias es el punto de
partida para confeccionar fábulas que tie-
nen algo de verdad a medias y de complot
contra un enemigo invisible.
Alberto Albor es licenciado en Bellas Artes
por la UPV/EHU y doctor en la especiali-
dad de pintura por la misma universidad.
Ha sido merecedor de varias becas como
la de Juan de Otaola, BilbaoArte y la de la
Diputación foral de Bizkaia, así como de
numerosos premios, entre ellos el L’Oreal,
el Uned Bizkaia, y el II Concurso de Jóvenes
Artistas. Entre sus exposiciones individua-
les destacan: Spoiler, Sala Rekalde, Bilbao,
2012; Hybris, Sala Eduardo Dato, Vitoria,
2004; Deliverance, Torre de Ariz, Basauri,
2007. Entre sus exposiciones individuales
más recientes, se encuentran Disco 154,
Patio de cristal, Bilbao Arte Fundazioa,
Bilbo, 2019; Lo que tú ves, no es lo que yo
veo, Programa Harriak, Eremuak, Oxford
Aretoa, Zumaia, 2018; Sueño, Galería Aire,
Bilbao, 2018 (exposición colectiva).
 fermin moreno
Bilbao 1970
Kaos hitza ordenaren aurkakoa da. Hitz
hauen artean zatiketa dikotomikoa dago;
baina Fermin Morenoren margolanetan,
kaos eta ordena berrelikatzen diren ha-
rremana dutela uler daiteke, formetako
aldibereko egoerak bezala. Artista honen
irudien bitxikeria kaosen iragankortasuna
zalantzan jartzen dutela da, hau materia-
ren jatorrizko fase bat bezala ulertuta: be-
rarentzat bere egituretan ez da existitzen
ez hasierarik ez amaierarik. Dena jarraita-
suna da…
Bere mihisetan dauden geometria gura­
tsu, ludiko eta dinamikoak, kolore sutsue-
kin eta dimentsio monumentalekin batera,
ikusmenaren pasibotasuna desafiatzen
duten atmosfera isladatzen dute. Ataque
mercenario (1999) abstrazioaren eta fi-
gurazioaren arteko kontraesan greenbe-
rianoa gainditzen duen lana da, eta horre-
la, hizkuntza abstraktuaren erredefinizio
inklusioboagoa eta 80ko hamarkadatik
margolanetan ematen ari den zabaltze
transgenerikoa hartzen du. “Erreala”ri
buruz daukan hausnarketa filosofian,
zientzian, eragin teknologikoan, hiriko eta
paisaia arkitektonikoetan daukan intere-
setik dator; edo era orokorrean imaginario
postmoderno eskizofrenikotik. Fermin Mo-
renoren margolanetan esperimentazio oso
pertsonalaren ariketa ikusten da, azken
urteetako margolanetako tendentzietatik
ateratakoa. Honetan, alde kontzeptuala eta
erretinianoa baztergarriak dira.
Fermín Moreno bere lizentziaturako eta
doktoradoko ikasketak UPV/EHUan egin
zituen. Margolaria kontsideratzen da, eta
bere lanean normalean, zenbait bitartekoz
baliatzen da: instalazioa, diseinu grafikoa,
street art eta baliabide digitalak. EITB, Biz­
kaiko Diputazioa, BilbaoArte, BBK Funda-
zioa, Montehermoso kulturunea, Injuve,
Marcelino Botín Fundazioa eta Germina-
tions Europe erakundeetatik bekak jaso
ditu. Bere banako erakusketen artean, hu-
rrengo hauek daude: Lugar, Espacio Mar-
zana, Bilbo, 2018; Reset, Espacio Marzana,
Bilbo, 2013; FORCE, Galería Trayecto, Gas-
teiz, 2010; Zeropean, Galería ADN, Bartze-
lona, 2008.
ATAQUE MERCENARIO. 1999
Olioa mihise gainean - Óleo sobre lienzo
60 x 200 cm
La palabra caos infiere rápidamente lo
opuesto al orden. Existe una división di-
cotómica entre estos términos; pero en la
pintura de Fermín Moreno caos y orden
pueden entenderse en una relación de
retroalimentación, como estados simultá-
neos de las formas. Lo singular de las imá-
genes de este artista es que cuestionan la
temporalidad del caos, entendido tradicio-
nalmente como una fase primigenia de la
materia: para él no existe inicio ni fin en
sus entramados. Todo es continuidad...
Sus geometrías caprichosas, dinámicas y
lúdicas, los colores vibrantes y la dimen-
sión monumental de las telas recrean una
atmósfera envolvente que reta continua-
mente la pasividad de la mirada. Ataque
mercenario (1999), es una obra que su-
pera la greenberiana contradicción abs-
tracción-figuración para servirse de una
redefinición más inclusiva del lenguaje
abstracto, y de la expansión transgenérica
de la pintura que viene dándose desde los
años ochenta. Su reflexión sobre “lo real”
parte del interés por la filosofía, la ciencia,
el impacto tecnológico, los paisajes ar-
quitectónicos y urbanos, o en general del
esquizofrénico imaginario posmoderno.
En la pintura de Fermín Moreno encontra-
mos un ejercicio de experimentación muy
personal que parte de las tendencias de la
pintura de los últimos años y en la que lo
conceptual y lo netamente retiniano no son
excluyentes.
Fermín Moreno cursó sus estudios de li-
cenciatura y doctorado en la UPV/EHU. Se
considera pintor y en su trabajo recurre
habitualmente a diferentes medios como la
instalación, el diseño gráfico, el street art
y los medios digitales. Ha recibido becas
de instituciones como EITB, Diputación de
Bizkaia, BilbaoArte, Fundación BBK, Centro
Cultural Montehermoso, Injuve, Fundación
Marcelino Botín y Germinations Europe.
Entre sus exposiciones individuales se
encuentran: Lugar, Espacio Marzana, Bil-
bao, 2018; Reset, Espacio Marzana, Bilbao,
2013; FORCE, Trayecto Galería, Vitoria,
2010; Zeropean, Galería ADN, Barcelona,
2008.
 fernando villena
Bilbao 1974
Fernando Villenaren margolanak gaur
eguneko keska apropos batetik hasi zen:
gizakia ahazten dugun sistema handiago
baten parte da. Ingurumen naturalareki-
ko harremanen orientazio falta dugu, gure
memoria edo sortzen ditugun mapekin;
hain zuzen ere, gai horiek lanaren parte
dira, bizi garen espazioetan sortzen ditu-
gun harremanak eta horretarako erabil­
tzen ditugun tresnak.
Bere margolanak aurretiko fase batean
bizi dira, non artista tokikotu eta bidera-
tu egiten ditu inguruan dauzkan ikuspegi
aukera guztiak, lehenengo instantzian, ar-
gazkigintza erabiliz. Gero bere sentsazioak
mihisera bideratzen ditu kolore, trama eta
beladurengan bere ahalmen enpatikoa
aprobetzatuz. Horren emaitza ez da kon-
tenplazio pasiborako gonbidapen bat, bai-
zik eta paisaia subjektiboen bidez sentsa-
zioen eragile bat.
Fernando Villena UPV/EHUko Arte Ede-
rretan lizentziatu zen. Bere heziketa za-
baldu du New Yorkeko School of Visual
Arts­ean eta UPV/EHUko pinturan Master
profesionalekin. Pintura, argazkigintza eta
arte digitalaren bidez forma organikoak
sortzen dituen diziplina anitzeko artista
da. Egonaldi eta sormen bekak jaso ditu
(Bilbo, Irlanda, Puerto Rico…), eta erakus-
keten artean aipatzekoak dira egindakoak
El Cuadrado Grisen, Puerto Ricon, 2016;
The Situation Room, Los Angeles, 2016;
Addaya Centre de D´Art Contemporani,
Mallorca, 2015; Centro Cultural Estación
Indianilla, Mexiko D.F., 2014; Área de Lugar
de proyectos, Puerto Rico, 2014; Central
Utah Art Center, 2011; Windsor Kultur-
gintza, Bilbo, 2010, 2007, 2005. Egindako
erakusketa kolektibo berrenetariko batzuk
N47º30.042’ E009º44.922’, Lisi Hammer-
le Gallery, Bregenz, 2018; FIG Bilbo 2014,
2015, 2018; Un recorrido. Paisajes desde
el arte actual, Centro Cultural Galileo, Ma-
dril, 2016; ARCO Madril (Windsor Kultur-
gintza) 2005tik 2009ra dira.
SIN TÍTULO. 2007
Akrilikoa mihise gainean - Acrílico sobre lienzo
162 x 130 cm
La pintura de Fernando Villena parte de
una preocupación muy oportuna en estos
tiempos: el ser humano es parte de un sis-
tema mayor que solemos olvidar. En la re-
lación con el entorno natural necesitamos
orientación, ya sea de nuestra memoria o
de los mapas que creamos; precisamente
de estas cuestiones parte su trabajo, de la
relación que establecemos con el espacio
que habitamos y de las herramientas que
utilizamos para ello.
Su pintura vive una fase previa en la cual
el artista se integra y canaliza las infini-
tas posibilidades del paisaje utilizando, en
primera instancia, la fotografía. Luego sus
sensaciones son llevadas al lienzo aprove-
chando sobre todo la capacidad empática
del color, las tramas y las veladuras. Las
imágenes resultantes no son una invita-
ción a la contemplación pasiva de la belleza
sino una activación de sensaciones a par-
tir de una imagen subjetiva del paisaje.
Fernando Villena es licenciado en Bellas
Artes en la UPV/EHU. Ha ampliado su for-
mación en la School of Visual Arts de New
York y el Máster profesional de pintura de
la UPV/EHU. Es un artista multidisciplinar
que crea formas orgánicas a través de la
pintura, la fotografía y el arte digital. Ha
disfrutado de varias becas de residen-
cia y de creación (Bilbao, Irlanda, Puerto
Rico…), y ha participado en exposiciones
colectivas e individuales a nivel nacional
e internacional. Entre las exposiciones in-
dividuales destacan las realizadas en El
Cuadrado Gris, Puerto Rico, 2016; The Si-
tuation Room, Los Ángeles, 2016; Addaya
Centre de D´Art Contemporani, Mallorca,
2015; Centro Cultural Estación Indianilla,
México D.F, 2014; Área de Lugar de pro-
yectos, Puerto Rico, 2014; Central Utah
Art Center, 2011; Windsor Kulturgin­ tza,
Bilbao, 2010, 2007, 2005. Algunas de sus
exposiciones colectivas más recientes son
N47º30.042’ E009º44.922’, Lisi Hammerle
Gallery, Bregenz, 2018; FIG Bilbao 2014,
2015, 2018; Un recorrido. Paisajes desde
el arte actual, Centro Cultural Galileo, Ma-
drid, 2016; ARCO Madrid (Windsor Kultur-
gintza) de 2005 a 2009.
 GALA KNÖRR
GASTEIZ 1984
Hipermediatizazioz betetako garai batean
bizi gara, eta ez dugu kontrolik egunero ikus-
ten dugun irudi edo informazioarengan. Gala
Knörren praktika artistikoa errealitate kon-
temporaneotik sortzen da. Pinturan erresis-
tentzia tresna bat aurkitu du, artearen his-
torian duen iraukortasunagatik eta objektu
fisiko bat sortzean egunero kontsumitzen
ditugun milaka irudi iragankorrengantik.
Me in the art world Snapchat (aplikazio ho-
netan partekatzen den informazio guztia 24
orduren barruan desagertzen da) erabiliz,
sare sozialetako irudien logika apurtzetik
hasitako pieza bat da. Galak irudiaren fun­
tzionaltasuna aldatzen du bere plataforma
aldatuz. Jatorriz sare sozial eta webetatik
datozen irudiei mihisean materialtasun eta
hormen arteko espazioa ematen dizkie. Lan
honetan bereziki, jarritako testua autorre-
ferentziala dirudi, baina egia esanda, New
Yorkeko artista baten argitalpena da, non
­ En esta obra en particular el texto incluido
artearen munduan arraza dibertsitatea
falta dela deritzo. Irudi hauek irudikatzeko,
margoa ez den beste irudikapen bide ez hain
iragankorrak aukeratu ditu. Horrela, Gala
irudien etengabeko zirkulazioaren ­ efektu
hipnotikoei aurre egiten saiatzen da, eta
pausa bat egitea proposatzen du, historia
berri batean eta bere esanahien zabalkun­
tzan deribatuta.
Parsons Paris School of Designen (The New
School) lizentziatuta, eta bere heziketa osatu
zuen Londresen, Central Saint Martinseko
Arte Ederretako Masterra eginez, eta zen-
bait egonaldi artistikoekin Parisen, Malagan,
New Yorken… Diziplinako anitzeko artista
izanda, pintura, bideoa eta argazkigintza
erabiltzen ditu gaur egungo gizarteko identi-
tatea eta teknologiaren elkargunea esplora­
tzeko. Zenbait sari jaso ditu, eta hainbat beka
lortu ditu erakunde nazionala eta azterrikoe-
tatik, adibidez, BilbaoArte Fundazioa (2016),
New Yorkeko The Solomon T. Guggenheim
Museum (2017) edo Centre for Postcolonial
Studies at Goldsmiths (2018-2019). Egon-
dako banako erakusketen adibideak dira:
The Selfish Meme, Pablo’s Birthday, New
York, 2019; Insert witty project title, Centro
Cultural Caja Granada, Granadan, 2019; Mo-
nument to no man and everyman, Museu de
Belles Arts, Castellón de la Plana, 2018; Self
Identity is a Bad Visual System, BilbaoArte
Fundazioa (2017).
ME IN THE ART WORLD. 2016
Olioa eta errotulkia mihise gainean -
Óleo y rotulador sobre sobre lienzo
81 x 100 cm
Vivimos en una época de hipermediaticidad
en la que no controlamos las imágenes y la
información a la que estamos expuestos. La
práctica artística de Gala Knörr parte de un
cuestionamiento a esta realidad contem-
poránea. Ha encontrado en la pintura una
herramienta de resistencia por su perma-
nencia en la historia del arte y por constituir
un objeto físico ante la naturaleza efímera
de las miles de imágenes que se consumen
a diario.
Me in the art world es una pieza que parte
de la lógica de las imágenes en las redes
sociales, utilizando el Snapchat, aplicación
en la que toda información compartida tie-
ne una duración de 24 horas. Gala cambia
la funcionalidad de la imagen alterando su
plataforma original (las redes sociales) y su
espacio (la web) para otorgarle materiali-
dad en el lienzo y un espacio en los muros.
parece un texto autorreferencial, pero es
en realidad una publicación de una artista
neoyorkina que hacía alusión a la falta de
diversidad racial en el mundo del arte. Al
capturar estas imágenes en un medio de
representación menos perecedero como la
pintura, Gala intenta contrarrestar los efec-
tos hipnóticos de la circulación constante de
imágenes y proponer una pausa que deriva
en una nueva historia, y en una ampliación
de sus significados.
Licenciada en Bellas Artes por la Parsons
Paris School of Design (The New School),
ha completado su formación realizando un
master en Londres y varias residencias ar-
tísticas en París, Málaga, New York… Es una
artista multidisciplinar que trabaja la pin-
tura, el vídeo y la fotografía explorando la
intersección de la tecnología y la identidad
en la sociedad actual. También ha recibido
distinciones y ha sido becada de numerosas
instituciones nacionales e internacionales
como la Fundación BilbaoArte (2016), The
Solomon T. Guggenheim Museum de New
York (2017) o el Centre for Postcolonial Stu-
dies at Goldsmiths (2018-2019). Algunas de
sus exposiciones personales son: The Sel­fish
Meme, Pablo’s Birthday, New York, 2019; In-
sert witty project title, Centro Cultural Caja
Granada, Granada, 2019; Monument to no-
man and everyman, Museu de Belles Arts,
Castellón de la Plana, 2018; Self Identity is
a Bad Visual System, Fundación BilbaoArte
(2017).
 Ianire Sagasti Ruiz
Bilbao 1983
Ianire Sagastik hizkuntza piktoriko eta
poetikoa bat bezala ulertzen ditu bere sor­
tze-prozesuak. Biak elkar elikatzen dira,
alde batetik irudiak hitzetik sortzen dira,
eta beste aldetik, hitza iruditik, koloretatik
eta pintzeladetatik. Interesatzen zaizkion
gaien artean giza egoera eta oroimena
daude. Bere margolanak ez dute bilatzen
bere bertsoak irudikatzea, horren beha-
rrean, hauek osatzea eta irudi literarioei
gorpuztasuna ematea bilatzen dute. Horre-
la margolana eta hitza sentsazio, motibazio
eta antsietate berak irudikatzen dituzten
bi alderdi desberdinetan bilakatzen dira.
BilbaoArteko egonaldian, artistak deritzon
bezala, margo errebeldea edo punk este-
tikarekin erlazionatuta dagoen lana egin
zuen. Bere pieza Yo no agradezco tener
dos alas en la pelvis egiteko kolore aseak,
eta bere bertsoetan errepikatzen diren
esaldiak eta sinboloak erabiltzen ditu: pel-
bisa eta ­hegoak.
Ianire Sagasti, UPV/EHUko Arte Ederre-
tako cum laude doktora, artista plastikoa
eta poeta da. Zenbait sortze eta egoitza
beka eduki ditu (BilbaoArte, Euskal Go-
bernua, edo Kordobako TAC), eta bere lan
literario eta plastikotik, nazioarteko sariak
eman ere dizkiote. Banako eta esposizio ko-
lektiboetan parte hartu du, adibidez, haue-
tako azkenetariko batzuk hauek dira Aquí
y Ahora 7, The wrong way, Galería Blanca
Soto Arte, Madril, 2018; Transformarte
X Aniversario (ibiltaria, 2017-2018); Mo-
no(s), Torre de Ariz, 2015. Gaur egun, aldi
berean egiten ditu bere jarduera artistikoa
eta irakaskuntza.
YO NO AGRADEZCO TENER DOS ALAS EN LA
PELVIS. 2013
Teknika mistoa mihise gainean - Técnica mixta
sobre lienzo
195 x 130 cm
Ianire Sagasti entiende el lenguaje pictóri-
co y poético como uno solo en su proceso
creativo. Ambos se retroalimentan y las
imágenes surgen de la palabra y la pala-
bra también de la imagen, los colores y las
pinceladas. Le interesan temas como la
condición humana y la memoria. Sus cua-
dros no buscan representar sus versos
sino complementarlos, otorgarle cierta
corporeidad a la imagen literaria. Pintura
y palabra se convierten así en dos vertien-
tes diferentes de las mismas sensaciones,
motivaciones y ansiedades.
Su trabajo durante su residencia en Bil-
baoArte estuvo relacionado con lo que la
artista llama una pintura rebelde o la esté-
tica punk. Para su pieza, Yo no agradezco
tener dos alas en la pelvis, utiliza colores
saturados, frases y símbolos recurrentes
en sus versos: la pelvis y las alas.
Ianire Sagasti, doctora cum laude en Be-
llas Artes en la UPV/EHU, es artista plás-
tica y poeta. Ha disfrutado de varias becas
de creación y residencia (BilbaoArte, el
Gobierno Vasco, o el TAC de Córdoba), y ha
sido galardonada con distinciones interna-
cionales en su faceta literaria y plástica.
Ha participado en exposiciones colectivas
e individuales, ejemplo de estas últimas
son Aquí y Ahora 7, The wrong way, Ga-
lería Blanca Soto Arte, Madrid, 2018;
Transformarte X Aniversario (itinerante,
2017-2018); Mono(s), Torre de Ariz, 2015.
Actualmente compagina su actividad artís-
tica con la docencia.
 ignacio goitia
Bilbao 1964
Ignacio Goitiaren margolanek eszena
pen­tsaezinak, probokatzaileak eta oniri-
koak irudikatzen dituzte, eta hauek gure
gizarte globalizatu eta posmodernoa sati-
rizatzen dute. Bere lanetan bizitzen diren
izakiak jirafa klasikoetatik, dama dotore,
dandi eta gizon uniformatuetaraino joaten
dira, hiriko gune sinbolikoetan eta jaure-
giko egongelatan kokatuta. Bere estiloan
rokokoaren oparotasunaren nahaste oso
partikularra aurkitu dezakegu, baita ere
surrealismoaren, pop estiloaren eta 50.
hamarkadako publizitatearen influen­
tziak. Nahaste hau marrazkiaren detailetik,
perspektibaren arduratik eta paleta kolo-
retsu eta argitsutik eginda dago.
Bere lanetan hainbat gai lantzen dira: ge-
neroa, askatasun sexuala, inmigrazioa,
autoritatea eta desira adibidez. Bere es-
truktura konpositiboak, itxuraz sentzurik
gabekoak, eta historia eta kulturatik kon-
bentzionalizatutako kodeetan oinarritu-
tako imajinario kolektiboak, orden esteti-
koa zalantzan jartzeko asmoa dute .
UPV/EHUko Arte Ederretako Pintura es-
pezializatean lizentziatutako artista da
(1993). Bere lana era internazionalean
ezagutzen da, horren eredu 2015an Foro
Europa 2001eko Urre Medalla da; edo
2006an Frantziako Kanpo-Arazoetarako
Ministerioak, Pariseko Cité Internationale
des Artstarako gonbidapena. Erakusketa
adierazgarrien artean, hurrengo hauek
aipa ditzakegu: The unpredictability of
time, Dot fiftyone gallery, Miami, 2017;
Suite Basque, Galería Juan Manuel Lum-
breras, Bilbo, 2016; In Situ Works, Galería
Casa Gotxikoa, Monterrey, 2015; The end
of history and the return of history pain-
ting, Museum voon Moderne Kunst ARN-
HEM, Holanda, 2011; Du plus loin, que me
revienne, Galerie Jeannette Mariani, Paris,
2009; Daily Scenes. HACS, Miami, 2008.
Hurrengo erakusketa, Atzera Begirako
erakusketa bat izango da Bilboko Errekal-
de Aretoan (2019ko Urriak 25)
SIN TÍTULO. 1999
Olioa mihise gainean - Óleo sobre lienzo
100 x 70 cm
La pintura de Ignacio Goitia se regodea
en escenas impensables, provocadoras,
oníricas, que satirizan nuestra sociedad
globalizada y posmoderna. Los seres que
habitan sus obras van desde sus clásicas
jirafas, hasta refinadas damas, dandis y
hombres uniformados, ubicados en puntos
urbanos simbólicos o salas palaciegas. En
su estilo encontramos una mixtura muy
particular de la exuberancia rococó, pero
también de aires surrealistas, del estilo
pop y la publicidad de los años 50, traba-
jada desde el detallado dibujo, el cuidado
de la perspectiva y una paleta colorista y
luminosa.
En su obra podemos encontrar cuestiones
de género, de libertad sexual, inmigración,
autoridad y deseo. Sus estructuras com-
positivas, aparentemente sin sentido, tie-
nen la intención de cuestionar el orden es-
tético, pero también el imaginario colectivo
basado en códigos convencionalizados por
la historia y la cultura.
Licenciado en Bellas Artes en la especiali-
dad de Pintura en la UPV/EHU (1993). Su
obra es reconocida internacionalmente,
muestra de ello es la obtención en el 2015
de la Medalla de Oro Foro Europa 2001; o
la invitación en el 2006 del Ministerio de
Asuntos Exteriores de Francia a la Cité In-
ternationale des Arts en Paris. Algunas de
sus exposiciones más significativas son:
The unpredictability of time, Dot fiftyone
gallery, Miami, 2017; Suite Basque, Galería
Juan Manuel Lumbreras, Bilbao, 2016; In
Situ Works, Galería Casa Gotxikoa, Monte-
rrey, 2015; The end of history and the re-
turn of history painting, Museum voon Mo-
derne Kunst ARNHEM, Holanda, 2011; Du
plus loin, que me revienne, Galerie Jean-
nette Mariani, Paris, 2009; Daily Scenes.
HACS, Miami, 2008. Su próxima exposición
será una Retrospectiva en la Sala Rekalde
de Bilbao (25 de Octubre, 2019).
 IKER SERRANO
IRUÑA 1982
Iker Serranok bere unibertso pertsonala
erakusten du margolanaren bidez. Artista-
ren arabera, modu honetan hiru dimentsio
Lacaniarrak adierazten dira: errealitatea,
alegia eta sinbolikoa. Bere kontakizunak,
mito pertsonal eta metaforaz beteta, es-
perientzia bat sortzea lortu nahi dute mi-
hise eta errekurtso plastikoen bidez; batez
ere koloreekin eta konposizioekin. Bere
estetikak, erreferente moduan hartzen
ditu transzendentalismo erromantikoak
eta popak sortutako tonu artifizial eta lu-
dikoak. Punto de mira artelana, Serranok
2010ean BilbaoArten egin zuen Viaje e
isla proiektuaren parte da. Artelan honek,
margoa pantaila handian sartzeko intere-
sa aurkezten du. Era berean, margolanak
artista azeri batekin egindako bidai imagi-
narioaren momentu bat proposatzen du;
eta horrek, bidaiarien animali instintuak
eta giza arrazionaltasunak sortutako las-
trearekiko askatasuna sinbolizatzen du.
UPV/EHUan Arte Ederretan lizenziatutako
eta doktoretza ikasketak egiten ari dituen
margolaria da. Bere artelan piktorikoak
figuratiboak eta narratiboak izateagatik
bereizten dira. Egindako lehiaketan sariak
jaso ez ezik, hala nola, ‘V Encontro de Artis-
tas Novos / Ciudad de las Artes’, Santiago
de Compostela. 2015; Jóvenes Artistas de
Pamplona y Encuentros, 2011; bekak ere
jaso ditu, esate baterako Bizkaiko Foru Al-
dundikoak (2012), BilbaoArte Fundaziokoa
(2010), eta ikerketarako Euskal Gobernua-
ren partez. Egindako banako azkenengo
erakusketen adibideak, hurrengo hauek
dira, Hacia ORIGEN, Espacio Alexandra,
Santander, 2018; Kazetari Amerikar baten
egunaldia 2889an, Galería La Taller, Bilbo,
2016. Gaur egun, bere lanak ikertzaile eta
Kultur Basaurin marrazketa eta pintura
irakasle bezala txandakatzen ditu, Arizko
Dorrearen erakusketa gela kordinatzen
duen bitartean.
PUNTO DE MIRA. 2010
Olioa eta akrilikoa mihise gainean - Óleo y acrílico
sobre lienzo
250 x 200 cm
Iker Serrano ha elegido la pintura como
medio para mostrar su universo personal
en el que se interceptan, según el propio
artista, las tres dimensiones lacanianas: lo
real, lo imaginario y lo simbólico. Sus rela-
tos llenos de metáforas y mitos personales
buscan generar una experiencia también
a partir de la selección del formato de los
lienzos y los recursos plásticos, principal-
mente el color y la composición. Su estéti-
ca encuentra referentes en el trascenden-
talismo romántico y en el tono artificial y
lúdico del pop. Punto de mira es una obra
que forma parte del proyecto Viaje e isla
que Serrano realizó en BilbaoArte en el
año 2010, en la que refleja su interés por
hacer del cuadro una pantalla de grandes
dimensiones y adentrarse en él. La obra
sugiere un momento del viaje imaginario
del artista junto a un zorro, que simboliza
el instinto animal del viajero, y la liberación
del lastre que puede constituir la raciona-
lidad humana.
Pintor licenciado en Bellas Artes y docto-
rando en la UPV/EHU. Sus obras pictóricas
se caracterizan por ser generalmente figu-
rativas y narrativas. Ha recibido premios
en certámenes como ‘V Encontro de Artis-
tas Novos / Ciudad de las Artes’, Santiago
de Compostela. 2015; Jóvenes Artistas
de Pamplona y Encuentros, 2011; y becas
por parte de la Diputación Foral de Bizkaia
(2012), de la Fundación BilbaoArte (2010),
y del Gobierno Vasco para la investigación.
Algunas de sus exposiciones individuales
más recientes son Hacia ORIGEN, Espa-
cio Alexandra, Santander, 2018; Kazetari
Amerikar baten egunaldia 2889an, Galería
La Taller, Bilbao, 2016. Actualmente alter-
na sus labores como investigador y profe-
sor de dibujo y pintura en Kultur Basauri,
con la coordinación de la sala de exposicio-
nes de la Torre de Ariz.
 Ismael Iglesias
durango 1974
Zatiak, aldiberekotasunak, gurutzaketak,
zabalkuntzak.... hauek dira Ismael Igle-
siasek sortzeko erabiltzen dituen baliabide
batzuk. Margolaritzaren antzinako heriotza
mehatxua, irudikapen piktorikoaren eten-
gabeko eguneratze bilaketan mantentzen
da. Horregatik, bere mihiseen bidimentsio-
naltasunaren transgresioan interesatzen
da Iglesias, sortzen dituen forma dinami-
koak, koloretsuak, atmosferak, eta horma-
ren espaziora hedatzen diren trazuak dira.
Metodoaren hasiera suntsipenean, oso-
tasunaren zati bat aukeratzean, intuitibo-
ki iradokitzen duen arrazoi batean dago;
baita hori agerian jartzen duten kezka for-
malen ebazpenaren gidaketan ere. Bere
artelanen dinamismoa bere pentsamendu
geldiezinaren, indarkeriaren, bere sorme-
na prozesuaren eta bere trazu zehatzen
aztarna da; bere hulezko pieza txikietan
erakusten den bezala. Hauetan materialak
keinua baldintzatzen du, batez ere mugi-
menduaren jarraitasuna exijitzen denean;
eta mugimendu hau sarritan, arrazionala
baino gehiago, espontaneoa da. Akatsen
mehatxu etengabea, berrikuntzaren eta
esperimentazioaren abiapuntu pizgarri bat
bihurtzen da muga bat baino.
UPV/EHUko Arte Ederretako pintura eta
audiobisual espezializatetan egin zituen
bere ikasketak, eta Espacio Abisal izeneko
erakunde kulturalean parte hartzen du.
BilbaoArteko egonaldian, Temp files se-
riean parte hartzen duten konposizio abs-
traktu hauek egin zituen. Egonaldiak jaso
ditu BilbaoArte Fundazioan (2002, 2004,
2013); Delfina Foundation, Londres (2008)
(2011); MAstudio Beijing, Txina (2012), eta
zenbait sari, 2018an IDEALISTA 1go Saria,
eta beka nazionalak jaso ere ditu, adibidez,
Propuestas VEGAP. Bere lana erakusketa
kolektibo eta banako anitzetan egon da,
Bilbon, Bartzelonan, Basilean, Beijingen,
Los Angelesen, Londresen, Madrilen eta
Tijuanan.
SIN TÍTULO. 2002
Margoa hule gainean - Pintura sobre hule
21 x 30 cm (alea / módulo) ; 84 x 150 cm
Fragmentos, simultaneidades, cruces, ex-
pansiones… estos son algunos de los re-
cursos con los que juega Ismael Iglesias
a la hora de crear. La ya vieja amenaza de
la muerte de la pintura lo mantiene en la
búsqueda y actualización constante de la
representación pictórica. Por esta razón,
Iglesias se interesa constantemente por la
trasgresión de la bidimensionalidad de sus
lienzos, ya sea con las formas dinámicas
que recrea, los colores, las atmósferas o
la expansión de sus trazos al espacio del
muro.
Su método parte de la destrucción, de la
selección de un fragmento de un todo, de
un motivo que lo sugestiona intuitivamen-
te pero que lo guía hasta la resolución de
las inquietudes formales que se le revelan.
El dinamismo de sus obras es la huella de
la violencia de su pensamiento inquieto, de
su proceso creativo, y del gesto certero de
sus trazos, como se evidencia en las pe-
queñas piezas de hule. En estas, el material
condiciona el gesto al punto de exigir una
continuidad de movimiento que más que
racional es muchas veces espontáneo. La
amenaza constante del error, más que una
limitación se vuelve un incentivo, un punto
de partida para la innovación y la experi-
mentación.
Cursó sus estudios en Bellas Artes en la
UPV/EHU en las especialidades de pintura
y audiovisuales, y forma parte de la asocia-
ción cultural Espacio Abisal. En la etapa en
la que estuvo becado en BilbaoArte, realizó
estas composiciones abstractas que for-
man parte de la serie Temp files. Ha obteni-
do residencias de la Fundación BilbaoArte
(2002, 2004, 2013); Delfina Foundation,
Londres (2008) (2011); MAstudio Beijing,
China (2012), y diversos premios entre
ellos el 1º Premio IDEALISTA en 2018 y be-
cas nacionales como Propuestas VEGAP.
Su obra ha sido expuesta en numerosas
muestras colectivas e individuales, en Bil-
bao, Barcelona, Basilea, Beijing, Los Ánge-
les, Londres, Madrid y Tijuana.
 Jorge Rubio
Bilbao 1972
Jorge Rubiok, bere lanerako materialak ez
ohiko tokietan, estrukturetan eta gutxien
pentsatutako objektuak aurkitzen ditu;
mundutarra, ohikoa eta groteskoa margo-
lanetan bihurtuz. Sormen prozesua, nola-
baiteko birziklapen lan bat da: zabortegiak,
edukiontziak, txabola eta egoera kaotikoak
dokumentatzen ditu eta bertatik ederta-
sun ezohiko bat ateratzen du koloreetatik,
konposizioetatik eta argitik abiatuz. Horre-
kin, pertsonaiak eta animaliak irudikatzen
ditu margolanetan. Bere lanaren esperi-
mentazioa maila semantiko eta sinboliko
batera heltzen da pertsonaiak, lekuak eta
objektuak kontestutik kanpo atera bezain
pronto. Modu honetan ez-lekuen eta den-
borazkanpokotasunei buruz hitz eginez.
Margolanei buruz egiten duen ikerketan,
tamainaren eta argiaren ikuskera eskul-
toriko batekin baliatuz, gorputzei buruzko
behaketa bat sortzen; baita maketen anto-
latze eta formen jolas formal aldakor bat
ere bai. Bere margolanek, geometria eta
pintzelada abstraktuak eszena naturalista
batzuen erdian aritzen dira begiraleak in-
terpelatzeko eta margolanen joku forma­
len posibilitateekin jolasteko.
UPV/EHUan Arte Ederretako pintura es-
pezialitatean lizentziatutako artista da, eta
unibertsitate beran doktoretza ere egin
zuen. Hainbat beka disfrutatu ditu, eta
­zenbait okasiotan saritu izan da. ­Bilboko
Guggenheim Fundazioko ­
Hezkuntza
­Sailarekin kolaboratzen du, eta ­europako
hiri desberdinetan eskala handiko
­interbenzioak egin ditu (Madril, Bartzelo-
na, Bilbo, Gasteiz edo San Petersburgo).
Arestiko banakako erakusketen artean,
­ San Petersburgo). Entre sus exposiciones
nabarmendu behar dira Egurre, Colegio de
Abogados de Bizkaia, Bilbo, 2019. Horizon-
te de sucesos, Bi-hormetara, Getxo, 2018;
Inhabitantes, Galería Lumbreras, Bilbo,
2013; Etxean, Torre de Ariz, Basauri, 2006.
SIN TÍTULO, 2004
Mistoa metal gainean - Mixta sobre metal
115 x 145 cm
Jorge Rubio encuentra material para su
trabajo en los lugares, estructuras y ob-
jetos menos pensados, transformando lo
mundano, lo corriente y hasta grotesco
de ellos en pintura. Su proceso creativo
es en cierta medida una labor de recicla-
je: documenta vertederos, contenedores,
chabolas, situaciones caóticas, y saca de
ellas una belleza inusitada a partir del co-
lor, la composición, la luz, y los personajes
y animales que caprichosamente inserta
en sus cuadros. La experimentación en su
trabajo llega al nivel semántico y simbólico
en cuanto logra descontextualizar perso-
nas, espacios y objetos para hablar preci-
samente de los no lugares y de la atempo-
ralidad.
El estudio que realiza de la pintura recurre
a una concepción escultórica del volumen
y de la luz que nace de la observación de
los cuerpos; pero también de la construc-
ción de maquetas y el juego con sus for-
mas cambiantes. Sus cuadros hacen gala
de ciertos geometrismos o pinceladas
abstractas en medio de escenas más na-
turalistas como una manera de interpelar
al espectador y jugar con las posibilidades
formales de la pintura.
Artista licenciado en Bellas Artes en la es-
pecialidad de pintura en la UPV/EHU, mis-
ma universidad donde también realizó el
doctorado. Ha disfrutado de numerosas
becas, y ha sido galardonado en varias
ocasiones. Colabora con el Departamento
de Educación de la Fundación Guggenheim
de Bilbao y ha realizado intervenciones a
gran escala en diferentes ciudades euro-
peas (Madrid, Barcelona, Bilbao,Vitoria o
individuales más recientes destacan Egu-
rre, Colegio de Abogados de Bizkaia, Bil-
bao, 2019. Horizonte de sucesos, Bi-hor-
metara, Getxo, 2018; Inhabitantes, Galería
Lumbreras, Bilbao, 2013; Etxean, Torre de
Ariz, Basauri, 2006.
 Juana García-Pozuelo
LOGROÑO 1978
Juana García Pozueloren margolanak,
artistaren bitxikeri eta ziurgabetasun ja-
rrai batzuen erakusgarri bat dira, mun-
dua inguratzen duenari buruz. Gure in-
gurumena gustiz ezagutzeko ezintasuna,
ingurumenak gizabanakoarentzat zentzu
misteriotsua eta mehatxuzkoa hartzea
­ enigmático y hasta amenazador para el in-
eragiten du. Etengabeko ziurgabetasun
eta gizakiaren txikikeria unibertsoaren
eskalarekin konparazioan egoerak, artista
ikaratzen eta aldi berean liluratzen dute.
Bere irudiak askotan egoera limiteen bi-
degurutzean eta fisikari eta zientziako
beste arloei buruzko irakurketak eragin-
da daude. Margolanetan agertzen diren
etxeak ingurune apal imaginarioetan eta
suntsitzailetan daudenez, tenebrismo ha-
loa dute. Horrela, Pozuelok beldurrezko fil-
metara edo zientzia-fikziozko literaturara
gogoratzen dituzten eszenak sortzen ditu.
Bere margolanek espekula­tzera gonbidat-
zen dute, alde batetik giza zentzumenent-
zat ezezaguna denari buruz, eta bestetik,
gauzen itxuren atzean ezkutatzen zaizkigu-
nari buruz.
UPV/EHUko Arte Ederretan lizentziatutako,
eta unibertsitate berberan Ikerketa eta
Sormena Artean izeneko Masterra egin-
dako artista da. Bere heziketa zenbait kurt-
soekin osatu zuen (New Yorkeko School
of Visual Arts; Salzburgo-ko ­ Summer
School of Fine Art). Bizkaiko Foru Aldun-
dian izan da bekatuta, eta egonaldiak izan
ditu BilbaoArten eta New ­ Yorken ­
Staten
Islandko Snug Harbor Cultural ­Centerean.
Errioxako Parlamentuko Pintura-Lehiake-
tan bi sari lor zituen. Bere banako erakus-
keten artean, aipatzekoak dira: Little Love
Tokens, Galería Espacio Marzana, Bilbo,
2017; Onironautas, Galería Espacio Mar-
zana, Bilbo, 2012; Ciclo Tangente Juana
García-Pozuelo, Sala Colegio de arquitec-
tos Vasco-Navarro, 2011.
LA CASA M, 2010
Olioa mihise gainean - Óleo sobre lienzo
150 x 130 cm
Las pinturas de Juana García Pozuelo son
reflejo de la constante curiosidad e in-
certidumbre de la artista con respecto al
mundo circundante. La imposibilidad de
conocer completamente nuestro entorno
hace que la naturaleza cobre un sentido
dividuo. Es este constante estado de incer-
tidumbre y de insignificancia del ser huma-
no con respecto a la escala del universo,
lo que intimida a la artista al mismo tiempo
que la deslumbra.
Sus imágenes son motivadas muchas ve-
ces por la intersección de situaciones ínti-
mas y de sus lecturas personales sobre la
física y otros campos de la ciencia. Las ca-
sas que aparecen en sus pinturas poseen
un halo de tenebrismo al ser insertadas en
ambientes imaginarios, desoladores o in-
mersas en condiciones naturales desfavo-
rables. Pozuelo crea de esta manera esce-
nas que recuerdan las películas de horror
o la literatura de ciencia ficción. Su pintura
invita a la especulación sobre lo descono-
cido por los sentidos humanos y lo que se
nos oculta detrás de las apariencias de las
cosas.
Artista licenciada en Bellas Artes en la UPV/
EHU y Máster de Creación e ­Investigación
en Arte en la misma u ­ niversidad. Ha com-
pletado su formación con diversos cursos
(School of Visual Arts de New York; Sum-
mer School of Fine Art en Salzburgo). Ha
sido becada en la Diputación de Bizkaia, re-
sidente en BilbaoArte y también en el Snug
Harbor Cultural Center de Staten Island
en New York. Obtuvo dos premios a joven
adquisición en el Certamen de Pintura del
Parlamento de La Rioja. Entre sus exposi-
ciones individuales destacan: Little Love
Tokens, Galería Espacio Marzana, Bilbao,
2017; Onironautas, Galería Espacio Mar-
zana, Bilbao, 2012; Ciclo Tangente Juana
García-Pozuelo­, Sala Colegio de arquitec-
tos Vasco-Navarro, 2011.
 Judas Arrieta
hondarribia 1971
Judas Arrietaren lana, era edo mugimen-
dua hitz batean definitzea, bere obra mu-
gatzea izango liteke bere argazkiak egiteko
metodoa kontraesan arte. Neo-barroko,
pop edo naif? Eldarniozkoa, ludikoa, per-
bertitua, hibrido edo kaotikoa bezala defi-
nitzera mugatzea, hobeto izango da. Arrie-
tak, zirriborro marrazlea -bera horrela
kontsideratzen da- nahiago du bere lana
Manga art, Kung fu art edo kirol pintura
bezala definitzea. Gauza bati buruz hitz egin
dezakegu ziur: bere kultura asiarraren
obsesioaz: manga, anime, zine japoniarra,
Bushidoa, margolan txinatar tradizionala,
kaligrafia, estetika komunista txinatarra
eta ikono publizitarioak, inspirazio iturri
moduan hartzen ditu. Ikuslea umore eta
dibertsiozko hausnarketa batera erama-
tea asko interesatzen zaio. Horretarako ez
urririk ematen produkzio-bidetan ezta ma-
terialetan ere ez, marrazkiak eta margoak
nagusitu arren.
Bere ezaugarri nagusiena irudien, testuen
eta kaligrafiaren gainjarpena da; keinu
honek bere kezka irudikatzen du irudien
eraikuntz eta kontsumoan, gehiegizko in-
formazioan eta desinformazioan, hizkuntza
analogiko eta digitalean, eta orokorrean,
nola sortzen duten irudia, gaur egun bere
generazioa hazi den inguruan aldaketa
sozial, ekonomiko, teknologiko, kontsumo
forma, ikuskizun eta plazerrean.
Judas Arrieta UPV/EHUn Arte Ederretan
lizentziatua da. Bere lana pintura, ma-
rrazketa, muralak, animazioa, bideoartea,
eskultura eta instalazio bezalako baliabi-
deekin osatzen da eta bilduma publiko as-
kotan aurkitu dezakegu. Ezaguna da tele-
bistako saioak, arte kontenporaneo eta pop
kulturaren arteko harremanak, manga,
animea eta asiako kultura azal­tzen dituen
konferentziak egiteagatik. Bere erakuske-
ten artean Betart 2016, Public Art Festival,
Calviá, Mallorca, 2016; Abstract comics,
Swinton & Grant, Madril, 2015; White ­Suite,
Lan Club, Beijing, 2009 aurkitu di­tzakegu.
SIN TÍTULO. 2000
Mistoa oihal gainean - Mixta sobre tela
195 x 195 cm
Definir el trabajo de Judas Arrieta en una
palabra, estilo o movimiento es limitar su
obra al punto de contradecir su método
de construcción de las imágenes. ¿Neo ba-
rroca, pop, naif? Es mejor limitarse a des-
cribirla como delirante, lúdica, perversa,
híbrida, caótica. Arrieta, un dibujante de
garabatos -como él mismo se considera-
prefiere referirse a su trabajo como Man-
ga art, Kung Fu Art o pintura deporte. De lo
que sí se puede hablar con seguridad es de
su obsesión por la cultura asiática al punto
de que el manga, el anime, el cine japonés,
el Bushido, la pintura tradicional china, la
caligrafía, la estética china comunista y
los iconos publicitarios sean su fuente de
inspiración. Le interesa sobremanera que
el público sea incitado a la reflexión desde
la diversión y el humor; para lograr esto
no escatima medios y materiales, aunque
predomine en cierta medida el dibujo y la
pintura.
Su sello distintivo es la superposición de
imágenes, textos y caligrafía; gesto que
demuestra su preocupación por la cons-
trucción y el consumo de las imágenes, la
sobreinformación y la desinformación, el
lenguaje analógico y el digital, y en general
por cómo se concibe la imagen hoy a partir
de todos los cambios sociales, económicos,
tecnológicos, así como las formas de con-
sumo, espectáculo y placer con las que ha
crecido su generación.
Judas Arrieta es licenciado en Bellas Ar-
tes en la UPV/EHU. Su trabajo se vale de
diversos medios como la pintura, el di-
bujo, los murales, la animación, el video
arte, la escultura y las instalaciones, y
se encuentra en numerosas colecciones
públicas nacionales. También es cono-
cido por hacer programas de televisión
y dictar conferencias sobre la relación
del arte contemporáneo y la cultura
popular, el manga, el anime y la cultura
asiática. Algunas de sus exposiciones
son Betart 2016, Public Art F ­ estival, Cal-
viá, Mallorca, 2016; Abstract comics,
­Swinton & Grant, Madrid, 2015; White
Suite, Lan Club, Beijing, 2009.
 KEPA GARRAZA
BILBAO 1981
Kepa Garrazaren lana, gaur eguneko po-
litikaren errealitateak sorkuntza eta ko-
munikabideetan daukan eraginaren ezta-
baidatze eta hausnarketatik sortzen da.
Formatu handiak erabiltzen ditu XIX. men-
deko pintura historikoari eta boteretsuen
erretatuei begi-keinu bezala. Kolore zuria
eta beltza erabiltzen ditu aurpegi guztiak
homogeneizatzeko; hori da formatu han-
diko Christine Lagarde lanaren kasua,
politika eta abokatu frantziarra agertzen
dena. Beltzaren erabilerak pertsonaia psi-
kologikoki dekonstruitzera gonbidatzen
du ikuslea, soilik ezaugarri fisikoekin eta
beste sinbolo, bandera, edo koloreen gida
emozional barik.
Garrazaren beste asmoa, artea historian
zehar izandako zeregin propagandisti-
koaren hausnarketa da. Horregatik, bere
lana artearen autonomiaren erreibindika-
zio bezala uler daiteke. Eta horretarako,
komunikazio bideek erabiltzen dituzten
tresna estetiko eta narratibo berak era-
biltzen ditu diskurtso mailan, baina beti
desmitifikatzeko, eta anbiguo eta deseroso
iruditzeko proposamenarekin. Bere arre-
ta nagusia ez da politika per se, baizik eta
gaur egungo errealitatearen eraikuntza,
gure eguneroko historian bihurtuko dena.
UPV/EHUn lizentziatuta, bere ikasketak
Bradford Art Collegen, Ingalaterran eta
Bartzelonako unibertsitatean osatu zituen.
Sariak, bekak eta egonaldiak ere irabazi
ditu, horiei esker bere lana internazionalki
erakutsi ahal izan du. Ohiakoa da Garraza-
rentzat erakusketa pertsonalak eta kolekti-
boak izatea, galeria, museo edo erakuske-
ta geletan. Baita bienal edo ARCO moduko
azoketan ere. Bere erakusketa indibudua-
len artean Before/After (together with Mi-
guel Aguirre), Galería ATM, Gijón, 2019;
Power, Sobering Galerie, Paris, 2018; Oltre
ogni ragionevole dubbio, Academia de Es-
paña en Roma, 2017; Riot, Castor Gallery,
New York, 2016 daude.
CHRISTINE LAGARDE. 2014
Pastela paper gainean - Pastel sobre papel
206 x 147 cm
El trabajo de Kepa Garraza parte del cues-
tionamiento y la reflexión en torno a la
construcción de la realidad política con-
temporánea y su reflejo en los medios
de comunicación. Utiliza el gran formato
como un guiño a la pintura histórica del
siglo XIX y los retratos de los poderosos.
Recurre al blanco y negro como forma
de homogeneizar todos los rostros; tal es
el caso de su Christine Lagarde, obra de
gran formato donde presenta a la política y
abogada francesa. La utilización del color
negro invita al espectador a deconstruir el
personaje psicológicamente, sin más atri-
butos que los físicos y carente en la repre-
sentación de otros símbolos, banderas, o la
guía emocional de los colores.
Otra de las intenciones de Garraza es la
reflexión sobre la utilización del arte como
medio propagandístico a lo largo de la his-
toria. Es por esto que en cierto sentido su
trabajo puede concebirse como una rei-
vindicación de la autonomía del arte, em-
pleando para ello a nivel discursivo las
mismas herramientas estéticas y narrati-
vas de los medios de comunicación, pero
con el propósito siempre de desmitificar,
resultar ambiguo y hasta incómodo. Su
principal interés no es la política per se,
sino la construcción de la realidad contem-
poránea, que terminará por convertirse en
la historia de nuestros días.
Se licenció en Bellas Artes en la ­UPV/EHU,
completando su formación en el Bradfort
Arte College, Inglaterra y en la Universidad
de Barcelona. Ha ganado varios premios,
becas y residencias que le han permitido
producir y mostrar su obra a escala inter-
nacional. Expone regularmente de manera
individual y colectiva en museos, galerías,
salas de exposiciones… e incluso en ferias
y bienales como ARCO. Algunas de sus
exposiciones individuales más recientes
son: Before/After (together with Miguel
Aguirre), Galería ATM, Gijón, 2019; Power,
Sobering Galerie, Paris, 2018; Oltre ogni
ragionevole dubbio, Academia de España
en Roma, 2017; Riot, Castor Gallery, New
York, 2016.
 Leticia Gaspar
Bilbao 1982
Leticia Gasparrek gaur egungo hiriko in-
gurune aldakorra iturri bezala hartzen du
bere margolanetarako. Artistak kolorea-
ren, argiaren eta konposizioaren bidez,
arkitekturaren irudikapen adierazkorra
lortzen du. Hutsaren ideia, abandonua edo
isiltasuna ikertzea gustatzen zaio. Eta as-
kotan, espazioari gizatasuna kentzea, hon-
datutako eraikinak, itxitako negozioak edo
iragarpen gabeko publizitateko panelak
erabiltzen ditu. Eraikitzen duen ingurunea,
literaturak eta zinemak erabiltzen duten
hiri post-apoliktikoaren irudiarekin lotzen
da, baina oso asimilazio pertsonaletik, eta
argazki desberdinen elementuak hartzen
ditu gero kuadro batean collage bezalakoa
eratzeko.
Bere ikerketaren bitartez, ikuslearengan
arridura piztea bilatzen du. Horretarako,
lehen aipatutako elementuak ez ezik, berak
sortutako edo dokumentatzen dituen le-
kuetatik ateratako testuak, mezu erreflexi-
boak, politikoak edo erreibindikatzaileak
ere jartzen ditu.
UPV/EHUko Arte Ederretan lizenziatuta,
eta unibertsitate beran pinturan Aurre-
ratutako Ikasketetan diplomatuta. Dizipli-
na anitzeko artista da, eta nagusiki pin-
tura erabiltzen du espresio bide bezala.
Sariak eman dizkiote (Cerveirako arteko
XX. Nazioarteko Bienala, 2018; 1º Saria
XLVIII Hiri Saria Alcala Hiriko Ikus-Artee-
tan, 2017); eta zenbait beka izan ere ditu,
egonaldikoak (BilbaoArte 2018), sorkunt-
zakoak eta ikerketakoak (Bizkaiko Foru Al-
dundiko Beka, 2015).
BABEL. 2018
Akrilikoa mihise gainean - Acrílico sobre lienzo
195 x 195 cm
El cambiante entorno urbano contemporá-
neo es la fuente de la que se sirve Leticia
Gaspar para su pintura. A través del color,
la luz y la composición la artista logra una
representación expresiva de la arquitectu-
ra. Le interesa investigar la idea del vacío,
el abandono o el silencio y mucha veces
recurre a edificaciones en ruinas, nego-
cios cerrados o vallas publicitarias sin
anuncios para sugerir la deshumanización
del espacio. El ambiente que construye co-
necta con la imagen postapocalíptica de la
ciudad manejada por el cine o la literatura,
pero desde una asimilación muy personal
en la que toma elementos de diferentes fo-
tografías y los configura en un solo cuadro
a modo de collage .
Su investigación se dirige a crear cierta
extrañación en el espectador con los ele-
mentos antes mencionados pero también
con la incorporación de textos, mensajes
reflexivos, políticos o reivindicativos idea-
dos por ella o extraídos de los lugares que
documenta.
Licenciada en Bellas Artes en la ­UPV/EHU
y diplomada Estudios Avanzados en pintu-
ra en la misma universidad. Es una artista
multidisciplinar que utiliza medios como
la pintura, la fotografía, la ilustración y el
cómic. Ha recibido distinciones y premios
(XX Bienal Internacional de arte de Cervei-
ra, 2018; 1º Premio XLVIII Premio Ciudad
de Alcalá Artes Visuales, 2017); así como
becas de residencia (BilbaoArte 2018), de
creación e investigación (Beca de la Dipu-
tación Foral de Bizkaia, 2015; Beca Gug-
genheim, 2007; etc.).
 Lourdes de la Villa
Burgos 1970
Lourdes de la Villaren margolanak argaz-
kigintzan hasten dira. Berarentzat bisita­
tzen edo bizi den lekuetan egindako bi-
daiak, ibilbideak eta izandako esperientziak
dokumentatzeko bidea da. Gero pertsonai,
kale edo hiriko paisai bakoitzak, mihise-
ra eramango dituen eszenak inspiratzen
­dizkio. Bere praktika artistikoan oroimena
eta esperientziak gogoratzerakoan sortu-
tako irakurpen berriak oinarrizkoak dira
geroko lanaren tratamendu piktoriko-
rako. Horrela, artistak oroimenaren eta
ikus-kontzientziaren arteko harremanari
buruz hausnartzen du, ikuspuntu fenome-
nologikotik. Bere ikuspuntutik, “irudiak egi-
tea” esperientzia beratik distantzia hartzea
eta ingurune horretan bizitako sentsazioak
errekuperatzen uzten dio. Bere lanak, se-
rigrafiaren bitartez irudi piktoriko eta ar-
gazkigintzatik hartutako ezaugarriak lo­
tzen ditu.
UPV/EHUan lizentziatutako artista da, eta
unibertsitate beran doktoratu ere zen.
Bere formazioa osatu du egonaldi artistiko
(BilbaoArte Fundazioa eta Kunsthaus Bre-
genz, Austria, 2010), eta ikerketako des-
berdinekin (CIPEI, Mexiko, 2014). 2011tik,
tokiko eta nazioarteko eskalan zenbait
kurtso, mintegi eta tailer egin ez ezik, arti-
kulu eta liburu batzuk argitaratu ere egin
ditu. Erakusketa kolektibo eta banakakoe-
tan parte hartu du. Esate baterako, Bre-
genz-Bilbao, Bildraum Bodensee, Bregenz
(Austria), 2016; Diálogos (Vol.1). Sueño del
observador. Lourdes de la Villa / Implo-
sión Impugnada 22: Estado de sitio, Rafael
Tormo i Cuenca, Centre de Cultura Con-
temporània. Valencia, 2016;Tramoyas-at-
mósferas, Etapa 1, Torre de Ariz, Basauri
(Bilbo), 2015. 2018tik UPV/EHUko Arte
Ederretako Fakultatean irakaslea da.
SECUENCIA IMAGINADA. 2010
Tenpera liho gainean - Témpera sobre lino
250 x 80 cm
La pintura de Lourdes de la Villa parte de
la fotografía, medio que le sirve para do-
cumentar sus viajes, recorridos y expe-
riencias de los lugares que visita o habita.
Luego, cada personaje, calle o paisaje ur-
bano le inspira una escena que llevará al
lienzo. En su práctica artística la memoria
y la nuevas lecturas que surgen cuando se
rememora una experiencia son fundamen-
tales para el posterior tratamiento pictó-
rico de la obra. De esta manera, la artista
reflexiona sobre el vínculo entre la memo-
ria y la consciencia visual desde un posi-
cionamiento fenomenológico. Según su vi-
sión, “hacer imágenes” es la acción que le
permite tanto tomar distancia de la propia
experiencia, como recuperar las sensa-
ciones vividas en ese entorno. Su trabajo
vincula por medio de la serigrafía caracte-
rísticas que toma de la imagen pictórica y
fotográfica.
Artista licenciada en Bellas Artes en la
UPV/EHU, y doctorada en la misma uni-
versidad. Ha completado su formación con
diferentes estancias artísticas (Fundación
Bilbao Arte y Kunsthaus Bregenz, Austria,
2010.) y de investigación (CIPE, México,
2014). No sólo ha participado en varios
cursos, seminarios y talleres a escala lo-
cal e internacional desde el 2011, sino que
también ha publicado varios artículos y li-
bros. Ha participado en exposiciones tanto
individuales como colectivas. Por ejemplo,
Bregenz-Bilbao, Bildraum Bodensee, Bre-
genz (Austria), 2016; Diálogos (Vol.1). Sue-
ño del observador. Lourdes de la Villa /
Implosión Impugnada 22: Estado de sitio,
Rafael Tormo i Cuenca, Centre de Cultura
Contemporània. Valencia, 2016;Tramo-
yas-atmósferas, Etapa 1, Torre de Ariz,
Basauri (Bilbao), 2015. Desde 2018 es do-
cente de la Facultad de Bellas Artes de la
UPV/EHU.
 MIKELDI PÉREZ
GETXO1983
Mikeldi Perezek irudi piktorikoaren eta
bere euskarri fisikoen arteko harremana
ikertzen du. Horregatik, bere margolanak
irudiaren aurkezpen bidimentzional eta
tradizionalarekin apurtu nahi du, estruk-
tura eskultoriko hurbilagoen bilaketan.
Mikeldik, erabiltzen dituen materialen izae-
raren kezka formaletik, eta bere ­ezaugarri
berezietatik, abiatzen da, eta nola barne-
ratu daitezkeen artelanaren azken aur­
kezpenean. Pinturari bolumena emate-
rakoan dauka erronka nagusia, sortutako
objektu fisikoaren eta irudia beraren ore-
ka bila­tzen, ezaugarri batek besterengan
nagusitasuna ez izateko. Horrela, ikuslea
susta­­tzen du objektu-koadroa era desber-
dinetan ikusteko, eta bere buruari ea soi-
lik hizkuntz piktorikoaren aurrean dagoen
galdetzeko.
UPV/EHUko Arte Ederretan lizenziatuta
(2008). Sormen eta egonaldi artistikorako
zenbait beka, eta arte plastikoko sariak
jaso ditu, hala nola BilbaoArte Funda-
zioaren Egonaldiko Beka (2010), Creación
Injuve de Artes Visuales saria (2010), edo
3.saria Ertibil Bizkaian (2012). Banakako
eta erakusketa kolektiboetan parte har­
tzeko aukera izan du atzerrian, baita, hi-
riko espazioan esku hartzeko (Geometría
abstracta y tanquetas, proyecto Interven-
ciones artísticas, Deustoko Zubian, 2013).
Bere azkenaldiko erakuskten adibidideak
50 negros, Sala d’exposicions Josep Re-
nau, Universitat Politècnica de València
(2016); BLACK GARDEN (20mg de fluoxeti-
na al día), L21 Gallery, Palma Mallorcakoa
(2018), biak erakusketa kolektiboak, edo
Hacia el medio, Galería Paz y Comedias,
Balentzia (2014) (banako erakusketa).
SIN TÍTULO. 2005
Spraya egur gainean - Spray sobre madera
87 x 49 cm
Mikeldi Pérez investiga la relación que
existe entre la imagen pictórica y sus so-
portes físicos. De ahí que su pintura intente
romper con la presentación tradicional de
la imagen bidimensional y busque estruc-
turas más cercanas a lo escultórico o ins-
talativo. Mikeldi parte para esta preocupa-
ción formal de la naturaleza del material
a utilizar y sus cualidades espaciales, así
como de elementos mediadores que pue-
den incluirse en la presentación final de
las piezas. Su principal reto al otorgarle
volumen a la pintura es lograr un equilibrio
entre el objeto físico generado y su propia
imagen para evitar que solo una cualidad
predomine sobre la otra. De esta forma
incentiva al espectador a recorrer de ma-
nera diferente el cuadro-objeto, e incluso a
cuestionarse si está solamente en presen-
cia del lenguaje pictórico.
Licenciado en Bellas Artes en la ­UPV/EHU
(2008). Ha recibido varias becas de crea-
ción artística, de residencia, y premios de
artes plásticas como la Beca de Residen-
cia en la Fundación BilbaoArte (2010), el
premio Creación Injuve de Artes Visuales
(2010) o el 3er premio en Ertibil Bizkaia
(2012). Artista plástico que ha tenido la
oportunidad de exponer de manera in-
dividual y colectiva internacionalmente,
e incluso de intervenir en el espacio ur-
bano (Geometría abstracta y tanquetas,
proyecto Intervenciones artísticas en el
Puente de Deusto, 2013). Ejemplo de sus
últimas exposiciones son 50 negros, en la
Sala d’exposicions Josep Renau, Universi-
tat Politècnica de València (2016), BLACK
GARDEN (20mg de fluoxetina al día), en L21
Gallery, Palma de Mallorca (2018), ambas
exposiciones colectivas, o Hacia el medio,
Galería Paz y Comedias, Valencia (2014)
(exposición individual).
 Taxio Ardanaz
iruña1978
Taxio Ardanazen lan artistikoa ideia politi-
koen agerpenean erabateko fededun mo-
mentuetan errepresentatzeko moduetan
zentratzen da. Gatazka handi horiek gure
artean hutsi duten memorialen eta honda-
kin fisiko eta ideologikoekin lan egiten du.
Sierra de Pándols, Catalunyan dagoen, eta
Espainiako Gerra Zibilean eraikitako mo-
numentu errepublikano bakarraren, ezus-
teko topaketa inflexio-puntu garrantzitsua
izan zen artistaren diskurtsoa eta praktika
zehazteko. Aipatutako monumentuak, argi
hitz egiten du artistari gehien interesatzen
zaion gaiari buruz: errealitate kaltegarri
baten kontrako erresistentzian dauden
behar pertsonalei eta kolektiboei aurre
­ conocida construcción habla con claridad
egiteko arteak daukan gaitasuna.
UPV/EHUko Arte Ederren fakultatean li-
zentziatuta, bere ikasketak mintegi eta
tailer ezberdinekin eta egonaldi internazio-
nalekin (Kurdistan, Mexiko, Austria, Kuba,
Txina) eta estatalekin (Bilbo) osatu ditu.
Pinturan kontzentratuz, saritua izan da
hainbat aldiz (Lehenengo saria XV. Concur-
so Pamplona Jovenes Artistasen, 1999).
Erakusketa indibidual zein kolektiboak izan
ditu 2008tik, adibidez, Causa, La Fragua,
Tabacalera Promoción del Arte, Madril,
2017; Las condiciones necesarias, Galería
Carreras Múgica, Bilbo, 2017. Gaur egun
egonaldi bat egiten dago Erromako Acade-
mia de Españan.
SIN TÍTULO. 2013
Akrilikoa mihise gainean - Acrílico sobre lienzo
160 x 120 cm
El trabajo artístico de Taxio Ardanaz se
centra actualmente en el estudio de los di-
ferentes modos de representación de los
ideales políticos en momentos de fe abso-
luta, a partir de las construcciones memo-
riales y de los restos físicos e ideológicos
que estas situaciones de alta conflictividad
han dejado entre nosotros. Su fortuito en-
cuentro con el único monumento republi-
cano realizado durante la Guerra Civil Es-
pañola que ha llegado hasta nuestros días
(un monolito en la Sierra de Pándols, Cata-
lunya) ha supuesto un importante punto de
inflexión a la hora de definir el discurso y
la práctica de este artista, pues esta des-
de uno de los temas que más le preocupan
como artista: la capacidad del arte para
dar respuesta a las necesidades persona-
les y colectivas en resistencia a una reali-
dad siempre adversa.
Licenciado en Bellas Artes en la U­ PV/EHU,
ha completado su formación con diversos
seminarios y talleres, así como residen-
cias a nivel internacional (Kurdistán iraquí,
México, Austria, Cuba, China) y estatal (Bil-
bao). Centrándose sobre todo en la pintura
ha sido galardonado con varios reconoci-
mientos (Primer Premio en el XV Concurso
Pamplona Jóvenes Artistas, 1999). Ha par-
ticipado tanto en exposiciones colectivas
como individuales desde el 2008; entre es-
tas últimas están Causa, La Fragua, Taba-
calera Promoción del Arte, Madrid, 2017;
Las condiciones necesarias, Galería Ca-
rreras Múgica, Bilbao, 2017. Actualmente
tiene una beca de residencia en la Acade-
mia de España de Roma.
 Txaro Arrazola
Gasteiz 1963
Txaro Arrazolak pribatuaren eta publi-
koaren artean dauden limiteei buruz iker­
tzen duen artista da, bere identitatearen
eta kanpoko espazioaren artean lan egiten
du. Artearen rol sozialean sinesten du, ho-
rregatik bere irudietan pobrezia, gudak,
naturako hondamendiak… ikusi ditzakegu.
Hausnarketa bat proposatzen du, hedabi-
deak ez diren plataforma ezberdin baten
bidez. Hori da, jendea sentzibilizatzeko,
bere parte hartzea kultura garaikidean
hain bizirik dauden gaiez gain.
Fabela negra No.5en kasuan, Arrazolak
irakurketa estetiko bat interesatzen zaio
bizilekuen, txabolen, errefuxiatu kanpa-
lekuen edo ezarritako espazio urbanoe-
tatik kanpo bizi direnen problematikaren
barruan. Lan honek, bereziki, pintzelada
arin eta mihisearen dimentsio handiekin
ikusgarri eta duin bihurtzen du normalean
marginatuta eta estigmatizatuta egoten
den espazio bat.
Arte Ederretan lizentziatuta UPV/EHUn
(1988). Fulbright beka (1996). MFA Nue-
va Yorkeko estatuko Purchase uniber­
tsitatearekin. Arte ederretan doktoratua
UPV/EHUn bere tesia “Creacion Colecti-
va“rekin. Bere lana gizarte konpromisua
eta kritika feministagatik berezitzen da.
Bere praktika artistiko indibidualak ba-
liabide transdistiplinarrekin, proiektu ko-
laboratiboekin, bateratzen ditu, A Platafor-
ma bereiz­ten da horien artean. UPV/EHUko
Aret Ederren Fakultateko irakaslea izan
da 1999tik. Bere erakusketa berrienen ar-
tean La Sombra Propia, Galería Vanguar-
dia, Bilbao, 2019; Orekaren Kontua, Sala
Juan de Lizarazu, Urretxu, 2018; Borrados
y desapariciones, Oxford Aretoa, Zumaia,
Gipuzkoa, Euskal Herria, 2018 daude.
FAVELA NEGRA Nº5. 2007
Akrilikoa mihise gainean - Acrílico sobre tela
160 x 320 cm (diptikoa - díptico)
Txaro Arrazola es una artista que investiga
los límites entre lo privado y lo público, en-
tre su yo propio y el espacio ajeno. Cree en
el papel social del arte en la medida en que
este es capaz de exorcizar imágenes sobre
la pobreza, guerras, desastres naturales,
y proponer una reflexión sobre estas cues-
tiones desde una plataforma alternativa a
la de los medios de comunicación. Es esta
su manera de contribuir a la sensibiliza-
ción sobre temas de total actualidad en la
sociedad contemporánea.
En el caso de Fabela negra No.5, Arrazola
se interesa por una lectura estética de la
problemática de la vivienda, las chabolas,
los campos de refugiados, o en general, del
hecho de habitar fuera de los espacios ur-
banos establecidos. Esta obra en particu-
lar visualiza y dignifica desde la pincelada
expresiva y las dimensiones del lienzo, un
espacio normalmente marginado y estig-
matizado por la sociedad.
Licenciada en Bellas Artes por la UPV/
EHU (1988). Beca Fulbright (1996). MFA
por la Universidad del Estado de Nueva
York, Purchase College (1998). Doctora
en Bellas Artes por la UPV/EHU con la te-
sis “Creación Colectiva” (2012). Su trabajo
se caracteriza por el compromiso social y
la crítica feminista de la representación.
Compagina su práctica artística individual
desde medios transdisciplinares con otros
proyectos colaborativos, entre los que des-
tacan los realizados con el colectivo Plata-
forma A. Ha sido profesora en la Facultad
de Bellas Artes de la UPV/EHU desde 1999.
Entre sus exposiciones más recientes des-
tacan La Sombra Propia, Galería Vanguar-
dia, Bilbao, 2019; Orekaren Kontua, Sala
Juan de Lizarazu, Urretxu, 2018; Borrados
y desapariciones, Oxford Aretoa, Zumaia,
Gipuzkoa, País Vasco, 2018.
Bilboko Udala ARTISTAK
LANEI BURUZKO TESTUAK
Ayuntamiento de Bilbao ARTISTAS TEXTOS SOBRE LAS OBRAS
BILBAO’S CITY COUNCIL ARTISTS TEXTS ABOUT THE ARTWORKS
Abigail Lazkoz, Aitor Lajarín, Dailey Fernández González
Bilboko alkatea Alain Urrutia, Alberto Albor, Alba Mielgo Martín
Fermín Moreno, Gala Knör,
Alcalde de Bilbao Ianire Sagasti, Ignacio
Bilbao’s Mayor Goitia, Iker Serrano, Ismael ZAHARBERRITZAILEA
Juan Mari Aburto Iglesias, Jorge Rubio, Juana RESTAURADORA
García-Pozuelo, Judas RESTORER
Arrieta, Kepa Garraza, Lucía Tudela Rodríguez.
Kultura zinegotzia Leticia Gaspar, Lourdes de
la Villa, Taxio Ardanaz, Txaro
Concejal de Cultura Arrazola, Mikeldi Pérez.
Councillor of Culture ARGITALPENA
Gonzalo Olabarria Villota PUBLICACIÓN
MUNTAIA PUBLICATION
MONTAJE DISEINU GRAFIKOA
Director SET UP DISEÑO GRAFICO
Director Javier Arbizu GRAPHIC DESING
Juan Zapater López Geronimo Mazueta BilbaoArte
Zuzendaria Jon Bilbao Haizea Ogueta Cortazar

ARGAZKIAK
ERAKUSKETA ERAKUSTARETOAREN FOTOGRAFIAS
DISEINUA
EXPOSICIÓN DISEÑO DE SALA
PHOTOS
BilbaoArte
EXHIBITION DESING OF THE EXHIBITION Moriah De Zen
ROOM
KOMISARIOA Izar Aranbarri Laka SARE SOZIALAK
COMISARIO Dailey Fernández González REDES SOZIALES
CURATOR Alba Mielgo Martín SOCIAL NETWORKS
Aitor Arakistain Alicia Prieto
EXPOSIZIOKO TESTUAK Haizea Ogueta
KOMISARIOAREN TEXTOS DE LA EXPOSICIÓN
LAGUNTZAILEAK EXHIBITION TEXT EDIZIOA
ASISTENTES DEL COMISARIO Iñaki Esteban EDICIÓN
CURATOR’S ASSISTANTS Izar Aranbarri Laka EDITION
Izar Aranbarri Laka Dailey Fernández González Fundación
Dailey Fernández González Alba Mielgo Martín Bilbaoarte
Alba Mielgo Martín Fundazioa
FUNDACIÓN BILBAOARTE FUNDAZIOA - Urazurrutia 32 - 48003 BILBAO - Tel. 94 415 50 97
info@bilbaoarte.org - www.bilbaoarte.org