音乐的四大入门：史纲，风格，空间和时间（历史感，风格感，空间感和时间感）

1. 音乐史 Music history outline

古希腊古罗马时期 Greek and roman period 公元 5 世纪前（古希腊古罗马）

中世纪时期 Medieval period 5 世纪-16 世纪（法国）

文艺复兴时期 renaissance period 16-17 世纪（意大利）

巴洛克时期 the baroque era 1600-1750（德奥），巴赫

古典时期 the classical era 1750-1810（奥地利维也纳），海顿、莫扎特、贝多芬，克莱门第

（名手之道 Gradus ad Parnassum）

浪漫时期 the romantic era 1810-1900（欧洲）舒伯特，舒曼，门德尔松，勃拉姆斯，李斯特，

肖邦
民族音乐 national music

现代音乐 modern music 20 世纪 1900-至今（从维也纳、巴黎和伦敦转移到纽约）

发展特点：1. 散（地域）而有序（时间）2.乐以表情

2. 音乐的风格

风格流变是划分音乐历史的依据。理解音乐的奥秘，音乐风格体的构成是第一起点，如何创作 、

演奏、鉴赏，音乐风格体也是第一起点。
音乐风格体的构成要素：旋律、节奏、和声、织体、音色和曲式。

旋律 melody：单声歌曲的线条形态

节奏 Rhythm：节拍 meter，节奏是一个节拍内不同的变化

和声 harmony：音响的协和关系，悦耳还是刺耳，相合

织体 texture：单声织体（单旋律线条），主调织体（多种旋律线条依附于一条主要旋律上），

复调织体（平等关系风格体、多种旋律线条只有先后，没有主次）
音色 timbre：四大器乐（弦乐、木管、铜管、打击）

曲式 form：音乐的结构形式，如同写文章一样，多条旋律构成一个段落

3. 音乐的空间

音乐是听觉的空间艺术：线条和段落是构成音乐空间的要素。学会聆听音乐的线条和段落，是
非常重要的基础能力。

音乐的空间是由运动的音乐线条构成的。运动的音乐线条是音乐空间的第一要素。
线条是音乐的旋律，多条旋律线条构成一个整体。单线条运动态，多线条运动态

音乐的段落就是作曲家有组织的使用音乐线条形成的结果。
音乐空间感。

4. 音乐的时间

音乐的时间是由节奏和节拍定量的。

节拍型 meter pattern

时值型 duration pattern

音符时值长短 notes value

节奏型 rhythem pattern

节奏型是节拍和时值相互组合的结果。
四分音符节奏型：一拍一个音

八分音符节奏型：一拍两个音

大附点：两拍两个音

第一个音是附点四分音符占一拍半，第二音为八分音符占半拍
4.一拍两个音
第一个音是附点八分音符占四分之三拍，第二个音为十六分音符占四分之一拍
5. 一拍四个音

由 4 个十六分音符构成，每个音符占四分之一。

6.一拍三个音

前八后十六
7.一拍三个音

前十六后八
8.切分音：一拍三个音，由三个八分音符构成，每个音占三分之一。
9.大切分：两拍三个音

第一个半拍，第二个一拍，第三个半拍
10.小切分：一拍三个音

第一个音四分之一拍，第二个音半拍，第三个音四分之一拍。
重拍型 accent pattern

节拍的强弱分配
两拍是强弱，三拍是强弱弱，四拍是强弱次强弱

重拍被重音替代

重拍不再被要求，而是特殊的音被重音化。
速度型 tempo pattern
 M.M 代表 Maelzel’s Metronome 梅氏节拍器，60 每分钟均匀演奏 60 个四分音符，既一秒一拍。

5. 多元新秩序

二十世纪西方音乐三大领域：古典、流行和民间

阅读 John Cage 的一篇 Article：the future of music credo

Usage of noise

Electronic music

Music history

人类听觉演进史上最具集成意义的 100 年； 人类音乐风格史上最具多元意义的 100 年； 人类

文化探索史上最具折射意义的 100 年； 人类美学建构史上最具争议意义的 100 年； 人类未来创新

史上最具实验意义的 100 年； 人类艺术发展史上最具转折意义的 100 年； 人类文明进程史上最具

当下意义的 100 年。 不同维度上所凝聚的意义， 构成了 20 世纪 西方音乐不同以往的新秩序。

6. 20 世纪西方音乐四大听觉样式之一：印象主义

印象主义发源于法国，是一场改变西方音乐历史进程的革命。作为一种音乐风格，它的产生和

发展与印象主义绘画、象征主义诗歌保持了密切的联系，排除明晰的线条和轮廓，追求色彩的清淡、

朦胧、唯美。其代表人物有德彪西和拉威尔。
C. Debussy 德彪西
法国 幻想交响曲 symphony fantisia，卡门 carmen

印象主义音乐的特征是反贝多芬传统：
第一， 排斥清晰的旋律线条 旋律不再具有传统的主导地位，而趋向于简短化 片段化。
第二， 和声 突破了过去的理论和规则 运用传统理论所限制的所有不谐和音
第三， 大小调音阶系统是德国人总结确立的，印象主义作曲家则重视各种中古调式音阶、 五

声音阶、 全音阶，一心要摆脱 大小调音阶的禁锢。

第四， 音乐的色彩和氛围 成为音乐最重要的表现对象。
第五， 节奏复杂多变，区别于传统意义上的规则节奏。
第六， 音乐的结构趋向于松散，段落划分的界限非常不清楚。
第七， 音乐的织体丰富多彩，音响效果新颖独特，
第八， 音乐的表现对象 模糊、 抽象、 很难捉摸，人生、哲学、思想这些主观的东西，在印

象主义当中不再重要，印象主义高度重视的是客观的瞬间印象。
德彪西作品的聆听原则是：先钢琴后乐队，先器乐后人声。世纪之交的西方钢琴音乐无论从技

法上还是在文献上都已形成一套完备的体系 人们的手指和听觉都已经习惯了贝多芬、 肖邦、

舒曼、 李斯特等等 他们这些人建立的音型和风格。 德彪西在此领域 中的首要贡献，表现在

对钢琴音色和声音效果的发展方面 他废弃了大量的传统手段，比如说音阶 琶音、 八度等等，

而代之以各种具有高度个人特点的 和弦、 和声进行、 非常规的琶音等等 其次呢，德彪西的

钢琴音乐重视音乐的色彩变化 利用全新的旋律和伴奏 素材，广泛的使用各种不谐和音，创造

新的 和弦，总体上体现了印象主义音乐的美学理念。 第三 区别于历史上钢琴作品题材的鸿篇

巨制 德彪西的钢琴音乐全部都是精炼的短曲，题材广泛 很多都是有标题的，赋予了音乐很强

的描绘性。

莫里斯.拉威尔 Maurice Ravel

学习期间他先后对肖邦、舒曼、夏布里埃、萨蒂、俄国"强力集团"等等人的音乐深感兴趣。

Bolero。拉威尔在德彪西独创的音乐语言 基础上，使印象主义音乐更加丰富，更加出神入化。

作为 20 世纪最优秀的钢琴音乐 作曲家，拉威尔在坚持印象主义风格的同时，显示出自身的鲜

明个性 从他早期的钢琴曲，《古风小步舞曲》 《为死去的公主而作的帕凡舞曲》，到最后的

《库普兰墓前》等等作品 不难看出，他的音乐无论在旋律的清晰 节奏的规整，还是明确的古

典主义结构等等方面，都与德彪西保持了相当的距离 而他的和声较之德彪西更为复杂精致，却

又带着清晰的功能性。印象主义音乐的精神 在拉威尔的钢琴作品中，得到更为深入的发展。拉

威尔在将法国印象主义音乐的华美细腻发展 到极致的同时，还在自己的创作中融合了不少法国

之外的音乐因素 其中最引入注目的就是西班牙音乐因素，充分地表现在《西班牙狂想曲》、
 《小提琴曲》 《茨冈》以及著名的《波列罗》等等一系列作品中。

7. 20 世纪西方音乐四大听觉样式之一：表现主义

根据新维也纳乐派师徒三人（勋伯格、贝尔格、韦伯恩）各自的创作历程和听觉变化阶段，表

现主义音乐与诗歌、绘画相互间的联系，讲述表现主义音乐家所面对的现实世界和精神世界。
区别于印象主义对瞬间感觉的重视，表现主义更重视的是人对内心体验的深刻表达。表现主义

是以主观表达现实，但是没有抛弃客观世界的具体形象，所创造的艺术形象都是有现实基础的，只

是往往是被夸张、变形了的。
勋伯格是表现主义的开山鼻祖。
表现主义最重要的音乐技法是无调性。在无调性出现之前，西方人将自然音阶内的 7 个 自然

音和 5 个变化音视为一个系统 各级音之间各有功能，彼此关联。调式音阶的第一个音叫主音，即

中心音，以其作为起点和终点，音乐的所有变化都要围绕主音展开，不能超出调性的范围。而无调

性 恰恰打破了这一法则，取消了 7 个自然音和 5 个变化音的区别 等同视之。 12 个音在级别上

无主次之分，无功能高低都很重要。以这样的技法写成的音乐，必然缺少浪漫主义的抒情气质，缺

少古典主义的逻辑力量，缺少印象主义精美的音响和丰富的色彩，而很自然地与怪诞的、 刺激的、

不和谐的、 不悦耳的等等效果相互联系。
勋伯格：和声学教程、作曲理论、风格与思想
表现主义音乐的最根本表现形式就是十二音，是以勋伯格 Schoenberg 为代表发展起来的十二音

音乐。
客观来看，无调性以及十二音音乐技法， 因为它自身的不协和，不悦耳等等特点， 受到听众

的反感甚至是反对，是完全可以理解的。
贝尔格、威伯恩
表现主义音乐在贝尔格作品中以无调性为主、部分含有调性音乐出现，使作品可听性增强。贝

尔格是力图将无调性和十二音技法与浪漫主义情怀相结合。韦伯恩的音乐则倾向于高度简洁和理性

化，从特点来说，他区别于自己的老师和自己的师兄。
第一， 旋律与和声的片段化、 不谐和音化 到处都是难听的声音，音乐缺乏线条感，往往是

支离破碎的；
第二， 由于重视音色的变化，织体异常洁简，那种浓厚 浓烈的织体，在他的音乐中是没有的
第三， 威伯恩认为主题一旦开始啊 音乐就应该表现了它应该表现的东西，后面就必须出新
他对十二音音列的控制，已经超出了单纯的音高范畴 十二个音开始具备各自的时值、 音色和

力度 序列音乐在他手中已经初具雏形 音色在威伯恩的音乐中获得了突出的重要地位 他对音色的深

入挖掘为后人开辟了音乐创作的新路。
8. 20 世纪西方音乐四大听觉样式之三：新古典主义

反对浪漫主义回归古典，探索古典新方面，吸收多种风格。
俄国，斯特拉文斯基 igor Stravinsky

新古典主义的诞生于一战后，试图复习古典主义，但又有新颖，如不谐和音。新古典主义音乐

家，要求艺术整体的均衡完美，追求 适度理性的情感，复兴重新使用了大量浪漫主义以前的曲式，

比如说组曲 赋格曲等等。 采用明确的调性 完全不用瓦格纳以后的那种半音音阶，他们觉得不好听

而采用 清晰的旋律线条，代替浪漫主义的和弦织体，节奏要求均匀 规则。 色彩呢，既没有浪漫

主义那么浓烈，也没有印象主义那样的过于讲究 这些特征都高扬了一种人内在的理性力量 突出一

种简朴实在的风格。
聆听贝多芬为代表的古典音乐和新古典主义音乐的区别。
斯特拉文斯基一生创造分三个时期，第一时期是以俄罗斯风格的焰火，春之祭，彼得鲁什卡。

第二时期，他兼收并蓄，既“回归巴赫”又排斥巴赫作品的情感因素，既收取许多浪漫主义、印象

主义素材，又保持新古典主义气质。后期开始接受勋伯格十二音音乐，将表现主义音乐技法化为自

己的音乐语言。
德国，欣德米特 hindemin，作曲技法，传统和声简明教程，音乐家的基本训练

Hindemin 创造三个阶段。

第一阶段在这个时期他将目之所及的各种现代流派的技法 大加利用，因为受到勋伯格的影响，

他写 作出带有表现主义风格特点的《第二弦乐四重奏》 1922 年，因为受到巴托克风格的影响，他

写出《第三弦乐 四重奏》。 作品中采用现代狐步舞曲和警报器噪音效果的 《室内乐队曲》被认为

是具有未来主义音乐的特征，其中不少灵感来自于斯特拉文斯基 和法国作曲家米约。而在 1922 年

的钢琴作品《 1922 组曲》当中 他又得益于爵士乐。这个阶段在美学思想和创作技法方面尚不成熟 ，

充满了探索试验的意味。1922 年组曲中的进行曲中的夜之小品。

第二阶段欣德米特响应新古典 主义美学精神，接受回到巴赫的思想，开始将目光投向德国巴洛

克等古代音乐的伟大传统 从中吸取音乐素材，创作风格进入新古典主义时期 由于对德国古代音乐

传统的研究，巴赫 新教圣咏以及文艺复兴时期复调作曲家的对位技法 成为欣德米特音乐思维的重

要基础 但与同时代其他作曲家有所不同的是，他的音乐 语言另辟蹊径，使用较多的变化音，形成

相当复杂的音乐语汇。
第三阶段是一个各种风格的综合时期，在此 阶段将以往探索和研究的所有成果大加利用，形成

个性化的音乐语言。德国音乐家特别讲究音乐中的哲学性，
 《布兰诗歌》

法国新古典主义代表三人：奥涅格 Honegger、 米约 Milhaud、 普朗克 Poulenc

9. 20 世纪西方音乐四大听觉样式之四：民族主义

20 世纪民族主义音乐在继承 19 世纪民族主义 音乐传统同时，也表现出一些新特点。20 世纪

的民族主义音乐家依旧重视民间文化 挖掘民间资源、 学习民间音乐、 弘扬民族精神 但他们的创

作不再像 19 世纪时与欧洲 资产阶级民族民主运动保持密切联系了 作品在爱国主义思想情感方面

有所减弱 20 世纪的民族主义音乐家对民间音乐本身的兴趣更加浓烈，在此 基础上，将民间音乐的

精髓提炼升华 成为这些作曲家创造新风格的营养来源。
匈牙利：巴托克，创作了钢琴教材《小宇宙》
巴托克在搜集和积累民间音乐过程中，创造性地将五声音阶和古老的调式音阶与自己的音乐相

结合 形成别具一格的半音体系音乐语言，既不同于瓦格纳，不是 变化音级构成的，也不像勋伯格

发明了一套十二音，却仍然保持了非常清晰的音级和调性。
美国：科普兰 Copland。

科普兰早期跟随新古典主义，中期转而民族主义，晚期是无调性十二音音乐。
乔治.格什文 George Gershwin

格什文在发展美国民族主义音乐过程极力将爵士乐等音乐元素与严肃音乐结合。蓝色狂想曲是

第一部将爵士与古典二者完美结合的典范作品。
英国：沃安威廉 Vaughan William

沃安·威廉斯将情感质朴、 气质内在的民歌视为创作的最高榜样。民歌风格的旋律和对位，构

成了他最核心的音乐特征。
配器法：《青少年管弦乐指南》
布里顿 Britten

俄罗斯：普罗科菲耶夫 Prokofiev

肖斯塔科维奇