Professional Documents
Culture Documents
Arte Gotico
Arte Gotico
Arte Gotico
a) Definición
Estilo artístico que deriva del románico, (aunque aporta unas soluciones totalmente diferentes y tiene mayor
extensión territorial que éste) que se desarrolla durante la Baja Edad Media en Europa Occidental, desde mediados
del siglo XII hasta el siglo XV:
• el término fue utilizado en el siglo XV con carácter negativo para distinguirlo del arte clásico
• el Romanticismo en el siglo XIX volverá sobre la Edad Media, revalorizándose el arte gótico (Neogótico)
b) Evolución histórica
Iniciado en Francia durante la segunda mitad del siglo XII, fue el estilo dominante en Europa entre los siglos XIII y XV
Fases
o Gótico inicial (finales del siglo XII)
o Gótico pleno (siglos XIII y XIV)
o Gótico final o flamígero (siglos XV y XVI)
c) Contexto histórico
Desarrollo urbano: el desarrollo agrícola permite el crecimiento demográfico y la reactivación del comercio
Aparece un nuevo grupo social, la burguesía: frente al románico rural, feudal y monástico se desarrolla ahora el
gótico artesanal y burgués, cuyo símbolo es la catedral
La reforma cisterciense: S. Bernardo reforma la orden benedictina prohibiendo todo tipo de decoración en las
iglesias y limitándose la arquitectura a sus elementos estructurales.
Evolución del pensamiento teológico y filosófico: en el siglo XII se traduce a Aristóteles y sus ideas sobre la
sensación, la observación y el cálculo determinan a partir de ahora el conocimiento, y en arte el naturalismo
sustituirá al simbolismo románico
El despertar del humanismo: S. Francisco de Asís y su atención a la naturaleza (fruto de la corriente aristotélica)
transmite una nueva dimensión del hombre que aparece como la criatura donde mejor se manifiesta la síntesis
entre la materia y el espíritu
d) Características generales
• Arte simbólico que no renuncia a la belleza formal: sigue siendo un arte profundamente religioso pero
aparecen también temas profanos
• La catedral es la construcción más significativa: pero el renacer urbano exige también el desarrollo de una
arquitectura civil (ayuntamientos, lonjas, hospitales, palacios)
• La escultura y la pintura se independizan del marco arquitectónico y las figuras se hicieron más naturales y
con gestos más humanos
TEMA 11: ARTE GÓTICO Historia del Arte 2º Bachillerato
2. LA ARQUITECTURA
o Mayor altura, dimensiones y luminosidad: simboliza la elevación hacia Dios y muestra la luz de la
“Jerusalén Celestial” (lugar donde se producirá la reunión de Dios y los hombres justos en su morada
final) que es el templo
• Arco apuntado (también llamado ojival): ejerce empujes laterales menores que el arco de medio punto y
permite elevar la altura del edificio. (Se utiliza también otros tipos de arcos con un sentido más
decorativo)
• Bóveda de crucería (también llamada de ojivas): está formada por dos arcos apuntados que se cruzan (el
centro se denomina clave); el resto de la superficie se cubre con plementería. Evoluciona y se enriquece
con nervios secundarios (terceletes) que van desde los ángulos a la mitad de los nervios
• Pilares: tienen columnillas adosadas (baquetones) y concentran el empuje de las bóvedas de crucería
• Arbotantes: arcos exteriores que apuntalan los pilares y trasladan parte de los empujes hacia
contrafuertes que se rematan con pináculos
La combinación de todos estos elementos arquitectónicos crea un sistema de soportes y cubiertas perfectamente
articulado que libera al muro de su función sustentante y permite abrir grandes ventanales con vidrieras.
La catedral: es el edificio más significativo aunque también siguen construyéndose monasterios (orden
benedictina cisterciense, órdenes franciscana y dominica)
2.4. Arquitectura civil: destaca en aquellos lugares donde se desarrolla el comercio y se crea una burguesía próspera
deseosa de mostrar su poder económico: Italia y Flandes
• Los ayuntamientos adquieren un papel relevante en la estructura urbana como sedes del gobierno
municipal y símbolos de su poder político. Palacio de la Signoria. Florencia (s. XIV); Palacio comunal.
Siena (s. XIV); Ayuntamiento de Bruselas (s. XIV)
• Las lonjas son los edificios donde los comerciantes realizaban sus transacciones. Generalmente, eran
locales de estructura sencilla y espaciosos, con naves de igual altura y techos de madera o abovedados
sostenidos por columnas. Lonja de Valencia (s. XV); Lonja de Mallorca (s. XV)
El arte gótico nace en la región de París y se difunde por Europa: su extensión temporal y geográfica hacen que se
desarrollen variantes nacionales y regionales
Francia
• Gótico preclásico (siglo XII): se introducen los primeros elementos góticos y se experimentan soluciones
constructivas nuevas. Abadía de St. Denis. París (1140); Notre Dame. París (1163)
• Gótico clásico (1ª mitad siglo XIII): se construyen las grandes catedrales que suponen la plenitud del
nuevo estilo: el triforio sustituye a la tribuna, grandes ventanales. Catedral de Chartres (1220); Catedral
de Reims (1211-1311); Catedral de Amiens (1220-70)
• Gótico radiante (2ª mitad XIII-XIV): la preocupación por la altura disminuye y representó el triunfo de la
vidriera sobre el muro. Saint Chapelle. París (1250)
• Gótico flamígero (siglo XV): la decoración abundante llega incluso a ocultar la estructura arquitectónica
del edificio. Catedral de Tours; Iglesia de la Trinidad de Vendôme
Alemania
• La acusada verticalidad del románico favorecieron el desarrollo del nuevo estilo gótico
• Los modelos franceses inspiran las catedrales de Colonia (comenzada en 1248) y Estrasburgo (1135-
1439)
Inglaterra
• Gótico primitivo (Early English ss. XII-XIII): algunas catedrales adoptan una extraordinaria dilatación
horizontal, lo que contribuye a aminorar la sensación de altura (doble transepto, cabecera recta y
fachada con arquerías que no corresponden con el interior). Catedral de Lincoln
• Gótico decorativo (Decorated Style s. XIV): predomina la decoración sinuosa y curvilínea y se ensayan
las primeras bóvedas de abanico. Catedral de Wells; Catedral de Gloucester; Catedral de Ely
Italia
• Persistencia del clasicismo (arco de medio punto), ausencia de arbotantes, ventanas pequeñas y
horizontalidad (franjas de diferentes colores) gabletes, remates triangulares. Catedral de Siena (s. XIII);
Catedral de Orvieto (s. XIV); Iglesia de la Sta. Cruz. Florencia (s. XIV); Sta. María de las Flores. Florencia
(s. XIV); Catedral de Milán (ss. XIV-XV); Palacio del Dux. Venecia (ss. XIV-XV)
España
‒ Castilla y León recibe influencias francesas a partir del siglo XIII («gótico septentrional»)
• En general la arquitectura gótica española se caracteriza por un menor interés hacia la altura que el que
manifiestan los modelos franceses, sobre todo, en Cataluña, Valencia y Baleares
• Castilla y León: los edificios siguen los modelos de las grandes catedrales góticas francesas («gótico
septentrional»). Catedral de León (s. XIII); Catedral de Burgos (s. XIII); catedral de Toledo (s. XIII)
• Aragón y Cataluña: influencias del gótico del sur de Francia, predomina más la horizontalidad, poca
diferencia de altura entre las naves y reforzamiento de contrafuertes («gótico meridional»). Catedral de
Barcelona (s. XIV); Catedral de Gerona (s. XIV); Catedral de Palma de Mallorca (s. XIV)
• A partir del siglo XV: se mantiene el gusto por el estilo gótico en su aspecto más decorativo (plantas
rectangulares sin girola, bóvedas de compleja tracería, abundante decoración concentrada en puntos
concretos). Catedral de Sevilla (s. XV); S. Juan de los Reyes. Toledo(s. XV); Catedral nueva de Salamanca
(s. XVI).
3. LA ESCULTURA
Ocupa las portadas de los edificios religiosos: se inicia una progresiva independencia del marco arquitectónico
Naturalismo:
‒ se hacen más naturales y con gestos más humanos y expresivos, lo que supone una reacción
frente al oscuro simbolismo del Románico
‒ no sólo intenta reflejar la realidad sino que busca una belleza ideal puesta al servicio del
mensaje religioso
Amplía la ocupación de otros espacios exteriores: fachadas, torres, pináculos, cimborrios, etc., se decoran cada
vez con más profusión, combinándose figuras, elementos geométricos y vegetales
Surgen nuevos espacios en el interior de los edificios: retablos, sillerías, sepulcros y púlpitos
• Las portadas siguen siendo el principal ámbito escultórico: mantiene la misma estructura que en el
Románico pero la decoración es más abundante
• Estructura:
‒ las figuras de las arquivoltas siguen la dirección del arco
‒ las figuras del tímpano, las jambas y el parteluz se independizan de los soportes
Francia: la evolución de la escultura estuvo muy ligada al desarrollo de la arquitectura, de la que se fue
desvinculando progresivamente
• Siglo XII (Catedral de Chartres): las figuras todavía se ciñen al marco arquitectónico (estatua-columna) y
en la puerta central se representa a Cristo en Majestad rodeado del tetramorfos, de clara influencia
románica
• Siglo XIII: transición hacia el naturalismo (estatuas sobre pedestales y con doseletes de la Catedral de
Amiens); naturalismo, humanización de las actitudes y clasicismo (contrapposto, perfección de los
pliegues y actitud serena de la Catedral de Reims)
• Siglos XIV y XV: Klaus Sluter (1350-1405) introduce una sensibilidad más realista con figuras voluminosas
y gran fuerza expresiva. El pozo de Moisés (1395-1403); sepulcro de Felipe “el Atrevido”(1396-1405)
Italia
• Influencia de los modelos clásicos: no se desarrolló la escultura monumental vinculada a la arquitectura
• Naturalismo: prepara el camino de la escultura renacentista
‒ Nicola Pisano († 1284): Púlpito del baptisterio de Pisa (1260;
‒ Giovanni Pisano (h. 1250-1314): Púlpito de la catedral de Pisa (1310)
‒ Andrea Pisano (1270-1349): Puertas del baptisterio de Florencia (1330-36)
España
• Se inicia por influencia directa de artistas franceses: no hay continuidad a partir de algunas obras como
el Pórtico de la Gloria
• Burgos, León y Toledo se convierten en los centros de la escultura gótica castellana con influencia de los
talleres franceses
• A partir del siglo XV se introduce la corriente del Gótico internacional caracterizada por el virtuosismo
técnico, la abundante decoración y el interés por el detalle
‒ Gil de Siloé: trabaja en la Cartuja de Miraflores. Burgos. Donde realiza el retablo (1496-99); el
sepulcro de Juan II e Isabel de Portugal (1486-93) y el sepulcro del Infante Alfonso
4. LA PINTURA
• Disminuye la pintura mural al fresco: escasez de macizos y predominio de los vanos característicos de la
nueva arquitectura (salvo en Italia)
• Desarrollo de otros procedimientos pictóricos: vidrieras, miniaturas y pintura sobre tabla al temple
• Predominio del color respecto al dibujo: el contorno sigue siendo fundamental pero pierde importancia
frente a la mancha
• Búsqueda de volumen en objetos y figuras: se dotan de corporeidad mediante la gradación tonal de los
colores, a diferencia de los colores planos del Románico
• Interés por la representación de la profundidad espacial y el paisaje de fondo: se dan los primeros pasos en
la técnica de la perspectiva
4.2. Evolución
Se desarrollan cuatro estilos que surgieron en momentos y lugares diferentes, solapándose en algunos casos:
a) Estilo italogótico. En el siglo XIV (Trecento) se establece los cimientos de la pintura del Renacimiento: naturalismo y
gestos expresivos, progresivo dominio del volumen, importancia de los fondos paisajísticos, pintura al fresco sobre el
muro y pintura al temple sobre tabla (frontales de altar). Se desarrollan dos escuelas:
La parte inferior de la nave está ocupada por el ciclo de frescos sobre la Vida de San
Francisco, aunque para algunos historiadores su autoría es discutida
Los personajes se mueven dentro de paisajes urbanos y rurales con un sentido realista
Capilla funeraria privada de un rico burgués enriquecido donde desarrolla en tres registros
la vida de los padres de la Virgen, de Cristo y el Juicio Final, rompiendo con los
convencionalismo de la pintura bizantina:
• Escuela sienesa: representada por SIMONE MARTINI (1284-1344), tiene un mayor interés por el color,
empleando a menudo los tradicionales fondos dorados (influencia bizantina) dando lugar a un estilo refinado
y elegante. Utiliza la pintura al fresco en los muros del Palacio Público de Siena (Majestad, 1315-16; retrato
ecuestre de Guidoriccio da Fogliano, 1328) y la pintura al temple sobre tabla en su obra más famosa, la
Anunciación (1333). En ellas podemos destacar las siguientes características:
• Equilibrio entre línea y color: dibujo delicado, colorido brillante y gusto por el detalle
En España, la influencia de la pintura italo-gótica se dejó notar en Cataluña, cuyas relaciones con Italia fueron
constantes durante la Edad Media, sobre todo, en las obras de dos pintores:
• FERRER BASSA (1285-1348) mezcla los dos estilos característicos de Italia, el florentino, muy realista
(conoce la pintura de Giotto) y el de Siena, con unas formas delicadas y elegantes: retablo de S.
Miguel (1341-46) y Capilla de S. Miguel (1340) en el monasterio de Pedralbes
• PERE SERRA (activo 1357-1405) tiene una acusada influencia sienesa y en su obras destacan las
madonas” de figuras estilizadas con un gran interés por el estudio de las manos: retablo de la
Virgen. Monasterio Sta. Mª. de Sigena (1362-75)
Surge en Bélgica y los Países Bajos (siglo XV) en relación con el desarrollo de una rica burguesía comercial y la
expansión del Gótico internacional: gusto por el detalle y colores brillantes. Los pintores de este estilo se conocen con
el nombre de “primitivos flamencos” porque fueron creadores de un «Renacimiento nórdico» paralelo al italiano pero
sin la idea de que se recuperaba algo que se había perdido y sin una reflexión teórica sobre su profesión. Las
características principales de este estilo son:
• Pintura sobre tabla pensada para decorar interiores domésticos dispuesta en una o varias hojas:
dípticos, trípticos y polípticos
• Pintura al óleo: permitió colores más brillantes y gama más variada de tonos (veladuras), riqueza de
detalles y mayor luminosidad para generar sensación de profundidad
• Los temas son fundamentalmente religiosos: con frecuencia se funde lo sagrado y lo profano (los
personajes sagrados aparecen en ambientes de la vida cotidiana y los objetos y detalles cotidianos
encierran un simbolismo religioso)
• Los donantes se representan junto a los personajes religiosos: individualismo y afán de notoriedad
que dará lugar al retrato como género pictórico
• Los pintores flamencos consiguieron captar la realidad mediante la observación atenta y la traslación
al cuadro de todos los detalles
Los pintores más destacados de este estilo son los hermanos Hubert y Jan Van Eyck, iniciadores de la escuela
flamenca, conocidos en particular por el uso extenso que hacen de la pintura al óleo. Entre sus obras destacan:
Políptico de S. Bavón (1432), consta de 12 tablas en su posición abierta y ocho en el reverso (cerrado).
En el reverso aparecen los donantes y figuras de tonos grises (grisallas), que imitan el efecto de la
escultura en relieve. La tabla central representa la adoración del cordero místico, cordero que simboliza
a Dios y que es adorado encima de un altar, que simboliza la Eucaristía:
o Importancia del paisaje natural y urbano y su profundidad, desde un punto de vista elevado
para dar cabida a multitud de personajes
TEMA 11: ARTE GÓTICO Historia del Arte 2º Bachillerato
Matrimonio Arnolfini (1434), composición simétrica y serena que crea un espacio pictórico
tridimensional: las líneas convergen hacia el fondo (perspectiva) pero se realiza de una forma intuitiva,
sin utilizar un sistema geométrico de reglas fijas y fiables como el de los italianos del siglo XV.
o La luz se difunde por los objetos y los personajes representados: resalta unos planos y oscurece
otros, reforzando la sensación de profundidad
o El cuadro está dentro del género calificado como realismo simbólico: los objetos y detalles
cotidianos encierran un simbolismo religioso
Desarrolla un tipo de retrato que es una pintura religiosa: en su obra La Virgen del canciller Rolin
(1435) el donante se sitúa arrodillado en el mismo plano y con el mismo tamaño que la Virgen
Otro pintor importante del estilo gótico flamenco es ROGER VAN DER WEYDEN (1400-1464). En sus obras, una de las
más famosas es el Descendimiento (1436), destacan:
La influencia de la pintura flamenca se introdujo en España a mediados del siglo XV en pintores como LLUÍS DALMAU
(1462) Virgen de los Consellers (1445), JAUME HUGUET (1402-1492) Flagelación de Cristo (1450), BARTOLOMÉ
BERMEJO (1440-1498) Virgen de Montserrat (1485), Sto. Domingo de Silos (1474) y FERNANDO GALLEGO (1440-
1507), Piedad (1470), Cristo bendiciendo (S. XV).