MÈTODES HISTORICOARTÍSTICS:

Introducció:

La idea clàssica d'art a l'antiguitat era el techné (l'habilitat de fer algo o introduir algo d'una forma
basada en regles que es poden transmetre). Aquesta idea de l'art com a activitat o capacitat, no tant
com a objecte, i com una cosa que té regles i poden ser apreses. Aquestes idees han canviat molt fins
l'actualitat. La idea de la ars (en llatí) o techné (grec), no té res a veure amb la invenció, la fantasia, la
inspiració... Sinó que és una cosa racional, fruit d'unes regles que es poden repetir i ensenyar. El que ha
de succeïr per tal que el antic oncepte d'art canvii, que es consolida al segle XVIII, és que la poesía i la
música (que originalment no eren considerades dins de l'art), entrin a formar-ne part. S'havien exclòs
inicialment a grècia perquè es creia que no tenien regles, que no participaven del coneixement racional, i
per això, quan es descobreix que poden tenir-ne, passen a entrar al techné.

Plató, per exemple, considera que existeix la poesia tècnica, racional, i aquesta poesía es pot considerar
techné; l'altre tipus és la poesia maníaca, que té més a veure amb els rituals, amb la possessió, els
cultes... I era considerada fruit del frenesí poètic, sense regles, per això no era considerada techné.

L'altre cosa que passa a part d'aquest canvi, és que les ciències i l'artesania surten de la techné; és un
procés molt més lent, i ja inicia a el Renaixement, tot i que dura fins el segle XVIII, quan es posen en
manifest aquestes artesanies de l'àmbit artístic.

(NO entra a l'exàmen, el tipus de classificacions de l'art que surten tipo Quintilano, Saleno etc.)

A l'Edat Mitjana, arriba la separació de les ARTS LIBERALS (trivium, quadrivium) i les ARTS MECÀNIQUES
(armatura, lanificium, venato, medicina...). Posteriorment, a larribar la inlustració, arriben les BELLES
ARTS (música, poesia, pintura...) i les ARTS MECÀNIQUES (ciències i artesania). Apareix aquí, al segle
XVIII, la idea moderna de ART (belles i mecàniques).

VASARI:

Ell fou famós com a escriptor, també fou arquitecte i pintor. Neix a la Toscana al 1511, sota el domini de
Florència, on també hi mor. És el primer fundador de l'Academia de Florencia, la primera de tot el món
sencer. És important entendre que es tracta d'un pintor i arquitecte qui escriu. Vivia a la ciutat d'Arezzo,
que es troba a l'est de la <toscana. Pintó la cúpula de Santa Maria del Fiore. Miquel Àngel és l'artista
preferit de Vasari.

Quan vasari parla d'artistes es refereix a professions; parla de arquitectes, pintors... Però els menciona
com a professionals. Considera que hi ha etapes a l'art que cal estudiar i catalogar de forma històrica.
Abans de Vasari hi ha aportacions a la història de l'art, però, son reflexions AHISTÒRIQUES, no estan
vertebrades històricament, i aquesta és la gran novetat de Vasari: la voluntat de voler recuperar un
model perdut durant mil anys.

Quin to usa vasari? És una alvança, crea una bona imatge de Giotto, idealitzada. És un to solemne i
formal.
Quines dades ofereix sobre la vida de l'artista? Qualifica les seves obres? Si és així, com? Estableix
relacions amb altres artistes? Si és així, de quin tipus? Amb quins motius? I amb latres cronologies o
moments històrics? Si és així, de quin tipus? Amb quins motius? D'on creus que extreu la informació?
Expressa opinions personals?

nuvol.ub.edu(instalar aplicaciones de microsoft: WORD

Vasari saca la información de otros historiadores. La parte del pensamiento de Vasari que más influyó:

"La concepción de la Antiguedad como modelo remoto y perdido es lo que lleva a plantear y explicar su
recuperación desde el proceso histórico. Una labor de rescate que hará surgir la Historia del Arte, tanto
por su análisis del pasadi como por el interés de comparar y contrastar la producción artística y la
posición social y cultural de sus artífices."

En esta frase se recuerda por qué vasari es el primer autor que vertebra historicamente la evolución del
arte. Expresa la nostalgia por el modelo clásico. Se considera sobre vasari que su trabajo no es lo
suficientemente riguroso como para poder hablar de historia del arte.

La teoría de las tres edades: en vasari encontramos enunciada por primera vez la historia del arte como
una irreversible sucesión de cimas y decadencias.

Es importante la biografia para vasari, porque para él tiene mucha relación con la obra que éste hace.
Esto depende del culto a la personalidad, como una piedra angular de su método historiográfico. Lo que
defiende vasari es que todos los artistas, representan una especie de peldaño en la evolución del arte,
esa escalera, hasta la consolidación del renacimiento. Para él cada artista es la anilla de una cadena, por
eso habla del culto a la personalidad, cada uno está contando y aportando algo a esa evolución.

TEORIA DE LAS TRES EDADES:

Vasari, para recapitular la evolución del arte, nos habla de tres etapas esenciales y cada uno de estos los
define en base a una "manera". Manera se traduce como "estilo". Vasari habla de estos tres periodos
como si fueran la vida en un ser humano, y por eso también tiene sentido hacer biografias. El arte es
como un ser orgánico que nace, crece y muere para él. Concibe la naturaleza del arte como algo vivo.

Primer periodo: responde a la manera antigua. Responde a un arte rígido, torpe, tosco. Esto es una
falacia, porque Vasari no considera las aportaciones importantísimas del arte medieval en su propia
época, el Manierismo italiano. No reconoce las deudas del arte renacentista respecto al arte antiguo.

Segundo periodo: manera vieja o greca (no de grecia sinó del arte bizantino). En este período, aplica las
tres edades de esta manera: nos dice que hay una primera etapa siglo XIV, de la infancia del renacer del
arte, del renacimiento. Luego hay una segunda etapa del siglo XV, de la juventud del renacer o
renacimiento del arte.

Y finalmente hay una tercera que es la de la madura perfección del renacimiento. Considera que artistas
como Giotto se han alejado de ese arte tosco antiguo para introducir el naturalismo en la pintura, pero
cree que este renacer es aún muy temprano. Cuando el máximo se ha alcanzado en el siglo XVI con
Miguel Angel, lo único que pasará es que llegará la decadencia.

Tercer Periodo: la manera moderna.

Vasari, Heckel i Winckelman lecturas para martes que viene:

WINKELMANN:

Se autorrepresenta más como un aristócrata que como un historiador del arte. Vasari es considerado
como el padre de la historia de los artistas, pero no todos lo consideran el padre de la historia del arte, la
mayoría consideran que en sentido pleno es Winkelmann el primero.

Se representa a si mismo como noble e intelectual. Práctica: cuando leamos los textos pensamos; quin
és el to de l'escriptura? apologetic, condescendent, formal, solemne, irònic... Quina és l'actitud de l'autor
del text? Per què? Quines dades ofereix sobre l'art grec? I sobre els artistes o altres personatges grecs?
Qualifica les obres gregues? si es així, com? Estableix relacions amb altres períodes? Si es així, de quin
tipus i amb quins motius. D'o creus que extreu la informació? Expressa opinions personals?

Él es apologético, más formal que Vasari, i adula el arte griego. Expressas también opiniones personales,
i es considerado como padre de historia del arte. Aunque expresa opiniones personales y eso es
contradictorio con el hecho de que en la historia del arte se cree que lo imprescindible es la objetividad
de su estudio.

Nace en una família humilde; estudia teologia y griego a partir de becas. Alcanza una formación clásica
sólida i llega a trabajar como bibliotecario en importantes colecciones Alemanas. Finalmente trabaja
como catalogador en una de las más importantes de alemania, en Dresde, en 1748.

El momento más importante de su trayectoria llega en 1755, cuando se traslada a roma. Se convierte en
el protegido de un cardenal, i por eso, consigue en el 65 ser nombrado precepto de antiguedades, por lo
que tenia acceso a todo el arte antiguo. Aquí toma contacto con la antiguedad i algunos ejemplares.
Epoca de las grandes excavaciones. Es asesinado por Francesco Arcangeli.

Los dos textos más reconocidos de Winckelmann: Reflexiones sobre la imitación de las obras greigas en
pintura i escultura e Historia del arte de la antiguedad.

Se da una gran transformación que propicia en el mundo de la ilustración, el pasaje de una comunidad
humanista, a una cultura materialista. El trabajo de Winckleman refleja esta transformación, ya no será
la vida de los artistas de Vasari i su mundo humanista, sinó que ahora el centro de atención es el objeto
artístico, las obras en sí mismas.

En este sentido, el contexto de su trabajo está marcado por la ilustración i el proyecto de modernidad
europea. Una europa erudita, ilustrada, estamos en el siglo de las luces, de Kant, la enciclopedia...
También es una época clasista i elitista, hija del pensamiento racionalista i la idea de progreso ilimitado
como forma de estar en el mundo.
Hablamos de el hecho de que la ilustracion tenga esta fe en el progreso, les hace pensar que ese
progreso nos llevará a un mundo cada vez mejor, estamos destinados a algo mejor.

"La ilustración consiste en el hecho por el cual el hombre sale de la minoría de edad. Él mismo es
culpable de ella. La minoría de edad estriba en la incapacidad de servirse del propio entendimiento sin la
dirección de otro. Uno mismo es culpable de esta minoría de edad, cuando la causa de ella no yace en
un defecto del entendimiento sinó en la falta de decisió y ánimo para servirse con independencia de él,
sin la conducción del otro. Sapere aude. Una época no puede obligar ni juramentar para poner a la
siguiente en la condición de que le sea imposible ampliar sus conocimientos, purificarlos de errores y en
general, promover la ilustración. Sería un crimen contra la naturaleza humana, cuya determinación
originaria consiste justamente en ese progresar."

La Primera Guerra Mundial ha sido considerada el momento de fin del siglo XIX, del progreso y la ciencia,
por el estallido de la guerra. El hombre occidental se tiene que enfrentar a la realidad de que el proceso
científico y tecnológico tiene un lado oscuro, de sofisticación tecnológica, cosa que provoca la muerte. Es
una prueva evidente de que el progreso no siempre tiene por que ser bueno, lo que obliga a repensar
esa idea de progreso.

"Para la mayoria de pensantes y ciertamente sobre todo para los jovenes, la imagen de la cultura
occidental concebida como evidentemente superior, como encarnando casi la suma de la fuerza
intelectual y moral es o bien un absurdo teñido racialmente o bien para una pieza de museo. También se
ha perdidom diria yo - o al menos está excesivamente dañado - el axioma del progreso, el supuesto,
dinámico en su evidencia, de que la curva de la historia occidental era una curva ascendiente. Sin duda,
siempre hubo cuestionamientos a este supuesto."

Siempre huvieron por eso, voces discordantes que intentaron desmontar ese mito del progreso lineal y la
fe en el progreso científico y tecnológico. Pero el problema no era la herramienta en sí, sinó la manera en
que se utiliza en un sistema determinado. No es que el progreso sea excesivo desde el punto de vista
científico tecnológico, sinó que al aplicarse a valores capitalistas, termina todo en una gran
contaminación. Siempre se cuestionó esta superioridad moral e intelectual del occidente.

Estamos en la época de las excavaciones del mundo antiguo i la conseguente distribuición de ese
patrimonio por las capitales europeas. También hay un movimiento, el neoclasicismo, que impera en la
época, de hecho Winkelmann fue uno de los teóricos del neoclasicismo. Su idea consiste en mirarse al
espejo del modelo clásico para crear las obras. El momento en que los artefactos son más accesibles en
las excavaciones, es mas facil usarlos como modelo a imitar. Se da pues una recuperación del pasado
material a través de la arqueología, sobretodo en las campañas de Hércula y Pompeia, y se hacen circular
luego por toda europa.

El caso del partenon y el British Museum: el partenón se termina de construir hacia el 430 a.C. Fue
objeto de admiración tanto en Grecia como el extranjero, pero a lo largo de los siglos habia sufrido
muchas catástrofes. A principios del XIX, el Conde Elgin, un británico embajador frente al imperio
otomano, con la excusa de preservar el Partenón y que la humanidad lo pudiese ver en londres pero
todo se lo llevó a su casa primero, propone a los Otomanos comprar el Partenón. Los otomanos aceptan,
y por 4 años se traslada pieza por pieza hasta Londres hasta terminar en el British Museum. Pero el
conde se vio obligado por entrar en bancarrota a vender las piezas al British Museum de Londres. A
partir de ahí hay dos siglos de reivindicaciones por recuperar las piezas, cuando se acaba el dominio del
imperio otomano sobre grecia. Una de las cuestiones que ponen como ejemplo es que los otomanos no
eran como el govierno griego sinó unos invasores, y eso delegitimaba la compra.

Winkelmann dice que busca la esencia del arte, y las causas de la belleza, por lo tanto toma el punto de
filósofo en su trabajo. Asume la intención de encontrar esta esencia. No se basa en la biografia como
Vasari, sinó que dice:

"El principal objeto es la esencia del arte, en la cual la historia de los artistas individuales tiene poco
sentido". Aquí vemos como Winkelmann y Vasari no tratan a los artisas de la misma manera.

Él escoge lo que considera mejor, es decir, elige Grecia. Grecia para él es lo mejor: frase donde vemos
esta cuestión: (primera frase del texto).

Vemos la esencia del arte y la idea del arte griego es el mejor y por eso el estudio se titula historia del
arte de la antiguedad y el capitulo se llama del arte entre los griego, razones y causas de la superioridad
del arte griego sobre los demás.

Luego analiza obras desprendidas de autoria para encontrar las causas de su singularidad y belleza, como
si un espíritu hubiera guiado toda la producción griega. Este espíritu son factores climáticos, libertad
política, juegos olímplicos... Para él hay un motivo por el cual el arte griego es superior, dice que es por
factores climáticos, porque en grecia siempre hubo libertad política, por la atención que se pone en el
cuerpo, la gimnasia, los juegos olímpicos...

Por otro lado, se presenta como un connoisseur o especialista de arte, haciendo notas a pie de página,
referencias a otras publicaciones... Respecto al tono, a como escribe, vemos que cita mucho (eso en el
texto original).

Está también en el contexto del siglo XVIII, en la Dresde, la cuna de la antiguedad i el barroco. Él participa
de la idea de que lo clásico es extraordinario y el barroco es degeneración; culpan mucho a Bernini por
expresar demasiado, por hacer un falso realismo o una degeneración.

Cuando escribe, lo hace con mucha intensidad, no hay ironias y se convence totalmente de lo que dice,
mientras la de Vasari o Hegel tienen otra actitud totalmente diferente. Se considera que sus obras son las
pioneras, fuentes que harán de guias para el siglo XIX. Crea una clasificación Winkelman, pero en forma
de relato, i las diferentes fases se diferencian por cuestiones formales y de grado de belleza. Para él hay
orígenes arcaicos donde aún falta la forma, luego está la época de plenitud, sublime o bella, i finalmente
la época de la decadencia dentro del propio arte griego (todo esto en el arte griego solamente). Esto nos
recuerda a las fases de la vida de Vasari, la etapa de la vida, inicial, perfecta y bella.

Laoconte para Winkelman es una obra sublime, la estudia mucho. Él hace un pamfleto apologético, habla
de volver a la nobleza y al gusto antiguo, a la simplicdad, el equilibrio, el buen gusto... Hay que volver a lo
blanco (racismo), a la medida, la perfección... Intenta vincular también el pasado con el presente. La idea
de la primacia italiana como cuna de los movimientos culturales y artísticos es cuestionada por
Winkelman que va directamente al arte griego.

Campos semánticos: genio, modelo, nación, biografía, blancura, identidad, obra, cánon, artista, historia,
orígen...

CRÍTICA DEL TRABAJO DE WINKELMANN:

Interpreta el arte griego haciendo un nuevo relato, como un ex novo, es decir, que hace una revisión
sublimada, no es una recopilación literal sinó que está idealizada, por tal de recuperar un modelo mítico
y clásico y de respuestas a las necesidades de Winkelmann, la decadencia del barroco es degenerado
para él y por eso necesita encontrar un modelo que le permita salir de esa decadencia.

También está sublimada por una proyección demasiado personal, hace algo que hoy dia no se puede
hacer, proyectar nuestra ideología, emociones... Sobre el objeto de estudio, cosa que correa la
manipulación de la realidad para que sea lo que nosotros queremos que sea.

Por otro lado, selecciona lo que considera mejor de la belleza, y esa idea de grecia como la cuna de la
civilización europea, surge en la ilustración de la mano de Winkelmann, i parte de la escultura porque
para él es la producción sublime por sus características raciales, climáticas...

Todos estos factores favorecen esa idea de los griegos como el pueblo ideal que crea un arte con una
belleza ideal.

"EL unico camino que nos queda a nosotros para llegar a ser grandes e inimitables, es el de la imitación
de los antiguos".

Es la época de dureza entre antiguos y modernos, las peleas entre quienes defienden que el modelo
antiguo es insuperable, y los que defienden que los modernos deben tomar el arte antiguo como
inspiración pero pueden ir más allá. Esto viene de la idea de progreso ascendente.

"estas frecuentes oportunidades de observar la naturaleza indujeron a los artistas giregos a ir todavia
mas allá, coemnzaron a conecbir tanto de partes individuales como del conjunto de las proporciones del
cuerpo, ciertas nociones universales de belleza que debian elevarse sobre la naturaleza misma."

Aquí vemos esta idea de que hay nociones universales de belleza, una bellza objetiva que puede ser
válida y universal para todos, matemáticamente cuantificable.

"aún cuando la imitación de la naturaleza pudiera darlo todo al artista, seguramente no obtendria de ella
la exactitud en el contorno que solo de los griegos se puede aprender. El más noble contorno une en las
figuras de los griegos, los fragmentos de la más bella naturaleza y de las más bellas ideales; o más bien
es aquel, el concepto supremo".

Nos recuerda esto, a el conflicto de los impresionistas contra los academicistas que consieraban no
terminada, no definida, su pintura.
La cuestión del blanco no era cierta, pues el partenón estaba policromado, entre otros monumentos y
esculturas.

Cuando él publica el libro tampoco ha visto nada de lo que cuenta en el libro, tampoco viajó a grecia
nunca.

CLASE:

Se dice que el sigle XIX, es el siglo de la ciencia, porque hay una clase dominante protagonista de las
revoluciones modernas: la burguesía. Esta, ideológicamente, manifiesta mucha fe en la razón humana i
el progreso científico-tecnológico. Cuando pensamos en POSITIVISMO, entendemos que es una ideología
de la clase burguesa, su fe en la ciencia y su capacidad de crear un mundo cada vez mejor.

POSITIVISMO: "Para comprender una obra de arte, un artista, un grupo de artistas, es preciso
representarse, con la mayor exactitud posible, el estado de las costumbres y el estado del espíritu del
país y del momento en el que el artista produce sus obras. " Taine.

A mediados del XIX, el positivismo llega a la historia del arte y se cree que se puede enfocar esta, como si
fuera una ciencia natural, como la biología por ejemplo. Hippolyte Taine se considera el padre del
positivismo en el arte. Fue una metodologia que tuvo mucho éxito durante mucho tiempo, aunque a dia
de hoy se critique mucho, pero aún muchos lo defienden.

Taine habla de "milieu" o medio, el medio en que se produce una obra de arte. Hay que entender el
medio en que las obras de arte se han producido según él. Taine intenta aplicar las metodologias de la
ciencia a la historia del arte, intentando explicar por qué surge un determinado estilo o producción
artística, a partir de unos factores que aparentemente científicos, pueden llegar a ser menos científicos,
como el clima moral de una época o incluso la "raza" del propio artista.

Taine acaba resultando determinista con su teoría, causa-efecto, es muy simplista en ese sentido y por
eso ha sido criticado. Es la parte negativa del positivismo, la actitud determinista.

BLOQUE 2 ASIGNATURA:

El historiador del arte es un sujeto histórico, pues dependiendo de la época, estos poseen un
pensamiento distinto, hay una gran variabilidad en cuanto a la concepción del arte que se estudia, más
allá del arte en sí que estudiamos. Tenemos un problema, y es que en ocasiones nos acercamos a las
obras en un a versión descontextualizada de estas.

Vemos "La odalisca" de Jean Auguste Dominique. Es un desnudo poco idealizado, no académico; es
provocador porque es una mujer de carne y hueso, y no entra en la academia, que aceptaba el desnudo
siempre y cuando fuese mitológico, incluyendo algún atributo que permitiese leerse como tal. Desde
que nace la academia en el siglo XVI hasta el XIX, existian unos géneros de pintura que se valoraban
mucho mas, como la pintura de historia. Tal como se conocía, incluía la temática religiosa y mitológica. El
tema que contaba el cuadro era lo que le daba más o menos valor, y en el siglo XIX, aún era vigente esa
idea, cuando se pinta la odalisca de Dominique.
En el siglo XIX; muchos artistas europeos usan un oriente (imaginario) donde vemos una fuerte
erotización de los personajes y escenas representadas. El occidente es tá dominado por la moral
burguesa, así que se inventan un oriente inventado e idealizado, donde poder representar la desnudez si
convertir el desnudo en una divinidad mitológica.

Para la academia, este orientalismo no supone un gran problema por lo que respecta a la desnudez.

Classe:

Les demoiselles d'Avinyó: Intento de rebajar la narración del cuadro para centrarse en los elementos de
la pintura como la composición, la forma etc. Los propios marchantes y galeristas plantean los títulos de
las obras de Picasso, excepto por la obra de Guernika. Quiere reducir al máximo la literatura en sus
obras, y el título para él, es literatura, no pintura/escultura, por eso prescinde de nombrar sus propias
obras. Esta obra se ha transformado en una obra sobre la visión de Picasso sobre la mujer.

Entramos en el campo de la cuestión de separar o no separar el artista del arte. Cuando entramos en el
arte moderno, los propios artistas defienden el vínculo directo entre su interior y la obra que producen,
así que resulta más difícil separar la obra de la biografía y la ideología del propio artista. En términos de
historiadores del arte, debemos plantearnos cómo actuar frente a estos temas.

John Berger: "Ways of seeing", programa en el que se centra en la reproductibilidad de las obras de arte,
(la obra de arte en la época de su reproducibilidad técnica, Benjamin), reflexiona sobre cómo
consumimos el arte y como varia nuestra apreciación de estas.

CLASE:

Connoisseur: el que tiene el ojo adaptado a las imágenes artísticas, eso nos permite identificar quién es
el autor de una obra de arte. Entramos en el ámbito de las atribuciones; el conneoisseur es quien tiene
la capacidad de atribuir una obra a un artista determinado. Cómo lo hace: se dice que lo hace a partir de
la obra de arte en sí; a través del conocimiento de muchas obras de arte, a través de la intuición y a
través de la memoria. Se dice que es alguien que trabaja a través de la curiosidad y del entrenamiento de
su retina.

Historiador del arte y conoisseur, no es lo mismo, pues el historiador del arte se pregunta por el contexto
en el que ha sido creada, para qué, para quién, i no tan solo en quién, como el conoisseur. Por tanto, éste
busca el quién, y el historiador el cuando, el cómo y el por qué.

La conoisseurship es la ciencia del conocer, basada en esta actitud del erudito que trabaja a partir del
estudio de las imágenes. Sin embargo, el término ciencia hoy dia no se le aplica tanto a esta disciplina,
puesto que ha sido muy cuestionada, sobretodo en su fundamento científico. Hoy dia, una buena parte
del mundo académico considera que no es suficientemente rigurosa como para ser considerada ciencia.
El conoisseur, se enfrenta a la imagen de una obra de arte que ha sido creada en el pasado, y que es
anónima o no se conoce el autor, e intenta identificar qué artista puede haber creado efectivamente esa
obra. Busca en su mente, todas las imágenes que ha visto y hha podido retener, para ver si puede
encontrar algún nombre de artista que asociar a la imagen que está viendo.
Trabaja a partir del estilo, puesto que ha visto muchísimas obras de arte, y es capaz de recordar estas
imágenes y buscar afinidades estilísticas en la obra de arte que está investigando para descubrir quién es
el autor de dicha obra. El conocer tiene que juzgar la harmonia, la proporción, los colores y la precisión
de la mano y estar familiarizado con todos los artistas, y tener un criterio tan sólido como invariable. Esto
lo dice Richardson, considerado el primer conoisseaur, para lo que él llama la ciencia del
connoisseurship.

En los siglos XVIII i XIX, vemos un gran auge de la connoiseurship, la cual nace en Gran Bretaña pero
luego se expande a toda Europa, sobretodo en Francia y Alemania, y en Italia, donde se encuentra uno
de los exponentes más relevantes. En estos siglos, se da la época de auge y consolidación de la
academia, y dentro de esta se reconocen una serie de reglas que pueden ser transmitidas o enseñadas,
que se consideran atemporales y universales, y se observan características peculiares y propias en los
propios estudiantes de la academia.

Uno de los personajes que trabajaremos, será Morelli. Giovanni Morelli, establece una metodología
concreta, las atribuciones que hizo en el siglo XIX, solian ser aceptadas de forma acrítica por los museos,
así que muchos de estos cambiaron las atribuciones de las obras que ellos tenían. Fue una verdadera
revolución, la de Morelli. quién tuvo contacto directo con el mercado del arte y muchos coleccionistas de
arte; pero cuando entra en el mercado, se sospecha que tenga intereses económicos en atribuir las obras
a un artista u otro, y se cree que pueda no ser una cuestión de intuición y conocimiento sinó de dinero.
Esta sospecha rodea su figura y acaba con su auge.

CLASSE:

El connoisseurship va de la mano del auge del coleccionismo, i empieza a adquirir de forma masiva obras
de arte. Para asegurarse de que estas obras sean de artistas prestigiosos, recurren a estos connoisseur,
que solo con mirar las obras de arte pueden determinar si efectivamente esa obra es del artista. Es
necesario destacar que este personaje se centra en la atribución de las obras de arte, no tanto en el
estudio de la propia obra.

El momento de esplendor de esta connosseurship, dará pie a la decadencia posteriormente en el siglo

XX, para no ser considerada una ciencia sino una actitud muy parcial, y eso es debido a Berenson, un
connoisseur que comienza a ser sospechoso de dejarse presionar por los intereses del marchane de arte
J. Duveen. Se considereba entonces que su metodo no era suficientemente riguroso y por eso entró en
decadencia.

Berenson es influenciado por Morelli, que trabaja a finales del XIX. Berenson lo conoce y a partir de allí
comienza el intercambio de ideas.

Libro "Nueve pinturas en busca de atribución": el texto explica como se hace una atribución a partir de 9
obras. Las fotografías son en blanco y negro y de baja resolución, y los pies de foto contienen muy poca
información. A partir de esos pies de foto, podemos extraer muy pocos datos, por lo que cabe plantearse
los límites de dicho texto. Para estudiar cualquier obra, es preciso tener un conocimiento directo, por
tanto, cuando empezamos el estudio a través de otros materiales, hay que estudiarlo con cuidado y
plantearse ciertas preguntas previas:

Qué características tienen las fotografías, los pies de foto...?

Giovanni Morelli empieza a escribir sobre arte a partir de 1871, y se convierte en un críticco de arte
bastante sólido en Italia. Él empieza en Milan, a ser contactado por grandes coleccionistas, que le piden
consejo y que atribuya las obras que ellos tienen a un artista u otro. En ese mismo año, hay una disputa
sobre dos cuadros de un artista, Holbein, del cual uno solo es el verdadero. Giovanni se interesa por el
caso, y el opina que cada artista tiene su propia manera de dibujar o pintar cada elemento de los más
pequeños, como las uñas, las manos... Puesto que al ser meros detalles, considera que delatan al artista,
y ayudan a determinar si se trata de un maestro o un aficionado.

CLASE:

JOAQUIN TORRES-GARCIA: (1874-1949) fue uno de los artistas más importantes de las vanguardas
catalanas.

ESTADO DE LA CUESTIÓN: Primeramente hay que observar qué se ha dicho sobre el tema que se quiere
investigar, y ese es un paso previo antes de hacer el TFG que se tiene que hacer siempre. Hay que leer
todo lo que se ha escrito sobre el tema que voy a investigar, y hay que valorarlo críticamente.

Esto significa que debemos observar si el autor que escribe sobre el tema que queremos investigar, ha
aportado algo nuevo: ha aportado datos nuevos? Hay que aportar algo nuevo desde lo que ya se ha
hecho. Eso es lo más importante en el TFG, buscar la novedad, un enfoque distinto, en base a lo que ya
se ha hecho, tal como funciona la ciencia, se usa lo que se conoce, se investiga lo que ya se conoce y se
ha escrito, y partir desde eso para aportar algo nuevo.

EXAMEN MAÑANA:

FORMALISMO: tanto el formalismo commo la psicologia del estilo estan vinculados con el desarrollo del
arte moderno, por la atención que se presta a la forma i al interior del artista. ESTILO: meyer shapiro, el
analisis formal consiste en el elemento material y el elemento estilístico de la obra.

RIEGLE: defiende que hay unas leyes universales que explican el desarrollo del arte en la historia, pero
cada período hace su propia interpretación de esas leyes. No explica muy bien por eso, como se produce
esa interpretación en cada período, solo havla de KUNSWOLLEN: deseo artístico o impulso, proceso
creativo activo en el que nuevas forma s surgen de la voluntad del artista de resolver unos problemas
concretos. Esas formas se acaban cansando y se requiere de un artista con mirada especial, que sea
capaz de crear una forma nueva. Siempre será una reinterpretación de esa forma universal. Para el el
arte siempre va a mejor, es cercano al positivismo aunqeu lo critique un poco; cree en la idea de que el
arte evoluciona y se enfrenta pues a siglos de idealismo en el arte y de legado Vasariado con la idea de
sus cimas y decadencias del arte.

Lo interesante de Kunstwollen es que permite entender el vinculo fuerte entre la forma y el estilo; critica
la iconografia porque dice que se ha puesto demasiado foco en el significado de la obra de arte y muy
poca atención en estudiar la forma. Considera que hay muchos estudios que ya se han dedicado al
contenido de las obras, así que el se dedica más a la forma.

El tercer elemento en el trabajo de Riegl tiene que ver con la ARTESANIA: El equipara las artes figurativas
con las artes decorattivas o la artesania. Esa es otra gran revolución que el produce en este sentido, y el
elemento más progresista de Riegl, que le acerca más con el siglo XX. Hay un elemento por eso, que es
que considera que la historia universal del arte está casi completa, solo quedaba por estudiar lo que él
ha estudiado; en ese esentido se se nota que es hijo de su época, una época optimista, científica, donde
los científicos difundian la creencia de que quedaba poco por descubrir, y en ese sentido Riegl es así.

1.- EXAMEN: Leer desde pag 76 texto de RIegle, hasta pag 81. EXPLICAR LOS TÉRMINOS: CONSTRUIR
CAMPO SEMÁTICO A PARTIR DEL FRAGMENTO DEL TEXTO DE RIEGL. Mañana traer escrito el campo
semántico, las palabras clave que encontremos en el texto. Esta será la primera parte del examen.

2.- Cómo se podria aplicar el enfoque del CONOISSEURSHIP?

3.- Imagen o pregunta sobre la PSICOLOGIA DEL ESTILO.

WORRINGER: estudia con los formalistas y recupera algunos elementos del formalismo, pero se centra
más en el interior del artista y el espectador, no tanto en el interior de la forma sino del ser humano, en
elementos psicológicos. La psicologia del estilo, que es lo que crea Worringer, viene de la teoria de la
empatía simbólica o de la proyección sentimental: hay dos autores principales teóricos de esta teoria,
que son Vischer y Lipps, que influyen en lagunos historiadores del arte, entre ellos Worringer.

Worringer es un historiador del arte aleman; recupera estudios de otros autores, de sus propios
maestros, y ha recuperado un elemento de la teoria de Lipps (dice lipps que la obra de arte maximiza la
capacidad de empatia y la idea de que la belleza deriva de nuestro sentido de ser capaces de
identificarnos con un objeto). Esta es la idea que recupera.

Riegl habia admitido que no necesariamente la obra de arte debia basarse en la mímesis de la realidad
sensible. El propio Worringer arranca de esta misma idea, y recupera su trabajo planteándose ahora
cómo explicar esas realizaciones artísticas que no se basan en la mímesis estética, o no se adecuan al
naturalismo. Redacta su tesis doctoral en el ámbito de la psicologia pues, y la titula ABSTRACCIÓN Y
EMPATÍA. Plantea la diferencia entre el naturalismo y la abstracción; dice que el arte mimético, nace de
cierta fe en el mundo tal y como es, mientras que la abstracción nace de cierta inseguridad frente a ese
mundo que nos rodea, que conlleva una huida hacia lo trascendental, lo espiritual.

Para él existen dos tipos del arte:

EL ARTE VITAL: naturalista, que imita la realidad.

EL ARTE GEOMÉTRICO: abstracto, ya no representa el mundo sensible.

Dice worringer que dependiendo de como el ser humano percibe el mundo que le rodea, si empatiza o
no con ese mundo que le rodea, creará un tipo de arte u otro. El crea unos arquetipos del hombre. No
son seres humanos, son modelos arquetípicos.
EL HOMBRE PRIMITIVO: tiene algo en común con el oriental, ambos tienen una relación de miedo hacia
el mundo que les rodea. No conoce nada del mundo, por eso tiene miedo.

EL HOMBRE ORIENTAL: este también tiene miedo a la naturaleza, al mundo, pero porque lo conoce muy
bien y percibe sus contradicciones. Puesto que estos dos hombres le tienen miedo al mundo, no quieren
representarlo de manera mimética en sus obras, más bien quieren olvidarlo, por eso usan un arte
geométrico y abstracto.

EL HOMBRE CLÁSICO: es un hombre qu eno le tiene miedo al mundo que le rodea; no le tiene miedo a la
naturaleza, cree que entiende perfectamente el funcionamiento de la naturaleza, estudiarla
racionalmente y catalogarla con el objetivo último de dominarla. Es ele ejemplo del hombre
renacentista. Se ve impulsado a hacer obras de arte en las que representa de forma mimética esa
naturaleza.

Die Bruke recupera la xilografia; der Blaue Raiter, el grupo de Kandinsky, donde el habla de la necesidad
interior para referirse a la necesidad de crear una forma. Cree que la abstracción es el camino que debe
seguir el arte. Kandinsky lee a Worringer, su libro de la empatia y el arte. Ellos viven en una realidad que
les parece insoportable, una alemania industrializada y militarizada, y sienten que viven en una realidad
que les disgusta profundamente y quieren huir, no quieren representarla miméticamente en sus obras.
Quieren crear una especie de mundo paralelo, el arte abstracto, donde no hay referencias al nmundo
real que viven.

Heinrich Wolfflin:

Siempre habla de la forma; él desarrolla los postulados de una forma más exitosa en cuanto a la
repercusión que tendran sus publicaciones. Él considera que hay leyes internas en la evolución de la
forma, pero cuando hay cambios es porque se ha producido un cambio en la sensibilidad de esa época y
sociedad de la historia. Por esa razón, el considera que el nivel formal es el más importante, que seria el
ámbito del estilo, y el nivel del significado, porque el cambio de formas siempre se corresponde con unn
cambio de la sensibilidad y mentalidad de la época. Lo interesante es que estos dos elementos para él
no se separan, la forma tambien explica para el ese cambio de sensibilidad. El mismo Panovsky admite
que hay algunos elementos formales que deben centrar también la atencion del historiador del arte y
tiene que educar su visión, le da mucha importancia al ver, al mirar.

Wolfflin habla del concepto VOLKSGEIST: significa fantasma o espíritu del pueblo, i es que dentro de esas
leyes universales del arte, el admite que hay determinadas culturas o pueblos, que tienen unas
tendencias propias. Plantea una actitud propia de la época que es la DEFENSA DE LA AUTONOMIA DEL
ARTE, el arte no necesita ser explicado con palabras, con el lenguaje sino que se explica casi por sí solo.
No necesita esa narrativa o literatura aparte. Eso nos devuelve a los enfoques de primera década del
siglo XX, la experimentación formal y el interior del artista; no es casual que estos enfoques que miran a
la forma y la psicologia sean tan potentes en la época.

Aquest senyor dice que hay dos maneras de relacionar las obras:
1.- HORIZONTAL: dice que hay un espíritu del pueblo que hace que los artistas alemanes a pesar de las
diferencias que hay entre ellos, tienen en comun la tendencia a desarrollar la pintura más en horizontal,
y dice que este espíritu del pueblo explica las diferencias entre el renacimiento italiano y nordico por
ejemplo. También dice que hay culturas más nacionales y otras más internacionales, donde en algunas el
espíritu es del pueblo es más fuerte y otros que son más internacionales. Estamos en la europa donde
los nacionalismos se están consolidando, es la época de la Primera Guerra Mundial, por eso insiste en el
espíritu del pueblo y sus características propias, pero para él siempre habran unas leyes formales que lo
abarcan todo.

1.- VERTICAL: habla de que los movimientos artísticos siempre tienen a sus anteriores y ese es su orígen.
Rechaza la idea de la decadencia, el nacimiento, edad madura... De Vasari, ahora para el todas las épocas
son igual de interesantes. Sin embargo mantiene la idea del periodo inicial, medio y tardío del arte. No
es un proceso lineal, homogéneo y cerrado por eso.

Su parte más interesante y que ha tenido más éxito en los posteriores autores de la historia del arte:
ofrece herramientas muy útiles para los historiadores del arte. Esto hace que su trabajo sea tan exitoso.
Hemos dicho que el se centra en el Renacimiento y el Barroco. En 1888, el publica su primer libro
importante "Renacimiento y Barroco"; aqui surgen unos conceptos que luego desarrollará de forma
mucho más completa en otro libro, "Fundamentos en la historia del arte", en 1915, años más tarde.
Aparece el concepto de lo pictórico, que el aplica tanto a la pintura como a la arquitectura. Lo que hace
es un estudio comparativo de las diferencias formales entre la arquitectura, escultura y pintura de ambos
estilos. Aquí encontramos la primera pareja de conceptos opuestos:

Lo pictórico: se refiere a la preferencia por lo ilimitado en el arte, la unificación de la composoción, los

juegos de luz y sombra, la fluidez de las formas... Lo pictórico en su libro se opone a lo plástico.

Lo plástico: tiene que ver con algo que está cerrado sobre sí mismo, claro, con una visión precisa,
delimitada, y claramente estructurada.

En este momento el trabaja en la idea de que siempre hay una evolución desde lo plástico hasta lo
pictórico. El arte no vuelve atrás, la evolución siempre es de lo plástico a lo pictórico. El dice que estas
dos palabras indican los opuestos más extremos, pero nunca se dan puros en la obra de arte. Para él esta
es la evolución de lo interno en las obras.

PLANO VS PROFUNDIDAD: De lo superficial a lo profundo

El nos habla de que, por lo que concierne a lo superficial, los objetos representados se disponen en
capas, mientras que lo profundo, que para él es lo que ocurre en el Barroco, predomina un deseo de
acentuación de la unidad espacial en profundidad.

CERRADO VS ABIERTO: De lo cerrado a lo abierto

El dice que la forma cerrada sobre si misma en un primer momento, con el barroco transita y se acentúa
la falta de límites de la forma todo lo posible.
MULTIPLICIDAD VS UNIDAD: De la multiplicida a la unidad

El nos explica que en el Clasicismo la unidad se alcanza meidante la armonía y la interna relación de
partes autónomas. Es decir, hay partes autónomas con unos contornos definidos, pero en el Barroco, la
unidad es el resultado de la concentración de partes en un motivo, o de la subordinación de los
elementos bajo la hegemonía absoluta de uno, es decir, que uno de los elementos es preponderante, no
hay tanta armonia y hay una subordinacion de unos elementos respectoa otros.

CLAREDAD VS FALTA DE CLAREDAD:

Para él la imagen del Renacimiento es clara, pero en el barroco, se juega con sombras y luces y todo está
más difuminado.