PRODUCTION TÉLÉVISUELLE

UNITÉ 1 - LA TV COMME MÉDIA

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THÈME 1 : HISTOIRE DE LA TÉLÉVISION

T1. Décrivez l'avènement de la télévision au niveau mondial et son parcours en Inde.

La télévision est l’une des inventions les plus importantes du XXe siècle. Elle est devenue l’un des
moyens les plus courants pour les gens de voir le monde qui les entoure, ainsi que l’un des meilleurs
moyens pour s’échapper du monde.

Dans les années 1880, un inventeur allemand a créé des images animées simplistes en utilisant une
lumière filtrée vue à travers un disque en rotation, jetant ainsi les bases de la télévision moderne. Au
cours des années 1920, un certain nombre de scientifiques ont commencé à expérimenter l’envoi
d’images fixes à l’aide d’ondes radio.

La première télévision électronique au monde a été créée par un inventeur de 21 ans nommé Philo Taylor
Farnsworth en 1927. Cependant, c’est en 1928 que General Electric a combiné pour la première fois
l’idée d’un appareil capable de montrer des images animées avec la technologie permettant de les diffuser
sans fil.

Au cours des années 30 et 40, la technologie s’est progressivement améliorée. Aux États-Unis, les
premières émissions régulières ont commencé en 1939, mais ce n'est qu'après la Seconde Guerre
mondiale que la télévision en tant qu'appareil électroménager standard a commencé à réellement décoller.
Après 1945, les ventes de téléviseurs explosent aux États-Unis. La première émission en couleur a été
réalisée en 1954. Dans le reste du monde, la télévision est arrivée des années plus tard, et ce n'est qu'à la
fin des années 1960 qu'elle est devenue monnaie courante dans les foyers occidentaux. Dans les années
1970, la télévision était devenue la force médiatique dominante qu’elle est aujourd’hui, avec des
programmes diffusés 24 heures sur 24, de la publicité de masse et des émissions souscrites.

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Dans les années 1980, la télévision par satellite a réduit le monde, rendant possible la transmission en
direct d'autres pays et fuseaux horaires. Le nouveau millénaire a marqué l'avènement de la télévision
numérique, qui représente l'avenir de la télévision.

La télévision est arrivée en Inde le 15 septembre 1959 avec une transmission expérimentale depuis Delhi.
Ce fut un début modeste avec un studio de fortune, un émetteur de faible puissance et seulement 21
téléviseurs communautaires. All India Radio a fourni les professionnels de l’ingénierie et des
programmes. Un service quotidien d'une heure avec un bulletin d'information a été lancé en 1965. En
1972, les services de télévision ont été étendus à une deuxième ville : Mumbai. En 1975, des chaînes de
télévision apparurent à Calcutta, Chennai, Srinagar, Amritsar et Lucknow. En 1975-76, l'expérience de
télévision pédagogique par satellite a permis de diffuser des programmes de télévision aux habitants de 2
400 villages situés dans les régions les plus inaccessibles des moins développées, grâce à un satellite prêté
à l'Inde pendant un an.

Les programmes étaient principalement produits par Doordarshan (DD) qui faisait alors partie de l'AIR.
L'émission avait lieu deux fois par jour, le matin et le soir. Outre les informations liées à l'agriculture, la
santé et la planification familiale étaient les autres sujets importants abordés dans ces programmes. Le
divertissement était également inclus sous forme de danse, de musique, de théâtre, d’art populaire et rural.
Les services de télévision ont été séparés de la radio en 1976. La télédiffusion nationale a été introduite
en 1982. La même année, la télévision couleur a été introduite sur le marché indien.

La programmation indienne sur petit écran a débuté au début des années 1980. À cette époque, il
n’existait qu’une seule chaîne nationale, la chaîne gouvernementale Doordarshan. Le Ramayana et le
Mahabharata, tous deux basés sur les épopées indiennes du même nom, furent les premières grandes
séries télévisées produites. Ils ont décroché un record mondial d'audience. À la fin des années 1980, de
plus en plus de personnes ont commencé à posséder un téléviseur.
Même s'il n'y avait qu'une seule chaîne, la programmation télévisée avait atteint sa saturation.

L’industrie de la télévision en Inde est aujourd’hui très vaste ; qui produit des milliers de programmes
dans de nombreuses langues officielles de l'Inde. Plus de la moitié des foyers indiens possèdent une
télévision. En 2016, le pays comptait plus de 857 chaînes, dont 184 chaînes payantes.

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THÈME 2 : CARACTÉRISTIQUES DE LA TÉLÉVISION

Q2. Discutez des caractéristiques et de l’importance de la télévision en tant que

média de masse. Justifiez votre réponse avec des exemples.
Depuis que le président Franklin D. Roosevelt a inauguré l'Exposition universelle de New York en 1939
et prononcé le premier discours présidentiel télévisé, la télévision est devenue le principal moyen de
communication pour informer, divertir et promouvoir. Alors que l'offre de télévision est devenue de plus
en plus fragmentée, d'abord avec la télévision par câble, puis avec la télévision sur Internet, le foyer
américain typique passe plusieurs heures par jour devant la télévision.

La télévision est une grande merveille de la science moderne. C’est l’une des inventions scientifiques les
plus importantes, qui a absorbé des millions d’esprits. Elle a une large portée et une plus grande influence
sur les gens et la culture. Il est tout à fait acceptable que chaque foyer regarde la télévision et celle-ci est
devenue le moyen le plus efficace pour atteindre un grand nombre de téléspectateurs. Il est très difficile
d'imaginer un mot sans télévision. C'est le moyen le plus important d'information, d'éducation et de
divertissement.

Le caractère audiovisuel de la télévision en fait un média magique qui nous permet de regarder le monde
et cette qualité rend les images télévisées plus mémorables. La télévision a une nature visuelle puissante
qui aide la télévision à créer des impressions vives dans nos esprits, ce qui conduit à son tour à une
implication émotionnelle qui rend la télévision plus mémorable.

1 .Un support audiovisuel

La télévision a à la fois le son et la vue. Une émission télévisée est conçue, produite et reçue en termes
audiovisuels. Comme les yeux absorbent et retiennent bien plus que l'oreille, les émissions de télévision
ont une plus grande influence sur les téléspectateurs que sur l'audience de la radio. Par exemple, s'il y a
un ouragan, l'impact sur les téléspectateurs sera bien plus important que l'impact sur les personnes qui
écoutent simplement. aux informations à la radio.

2 .Caractéristiques des autres médias

Il a emprunté le mouvement à la scène, la caméra au film et le microphone à la radio et intègre tout cela

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dans un tout qui fait de la télévision un nouveau média unique.

3 .Large portée et haute crédibilité

C'est un moyen suprême de communication de masse qui a transformé le monde en un village planétaire.
Cela a transformé notre société en une société de l’information. Il a élargi l'horizon mental de l'homme en
humanisant la connaissance et en lui faisant se sentir citoyen du monde. Sa crédibilité réside dans le fait
que voir, c'est croire.

En raison de sa portée et de sa crédibilité, il devient un puissant moyen de projection du monde de la

politique, du sport, des arts, des personnalités, des événements et des idées. Par exemple, aujourd'hui, la
télévision propose des chaînes infinies avec diverses informations et connaissances qui peuvent être
acquises comme la découverte Nat Geo, Etc.

4 .Support en direct

La caractéristique importante de la télévision est qu’elle est capable d’être un média en direct. C'est parce
que le live. Si nous regardons un match de cricket sur une chaîne de télévision, nous pouvons voir
presque instantanément le guichet touché par notre joueur préféré. La télévision vous permet d'assister à
des événements qui se produisent à des milliers de kilomètres.

5 .Un médium du gros plan

En raison du petit écran, il est idéal pour les gros plans de visages humains, l'expression, la réaction et
l'interaction entre les personnes, pour présenter une interview et une discussion, etc. Par exemple, lors des
débats et des discussions, on peut voir des hommes politiques ou des célébrités en gros plan et avoir une
vision fermée de leurs expressions, ce qui donne presque l'impression que vous y assistez en direct.

6 .Moyen domestique

Pour regarder la télévision, nous n’avons pas besoin de quitter votre salon. Pas besoin d'aller au cinéma
ou d'acheter des billets. Nous pouvons regarder la télévision dans le confort de notre maison avec notre
famille. C'est pourquoi la télévision est généralement considérée comme un média domestique. Il offre du

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divertissement et des informations directement à la maison et fait désormais partie intégrante de notre vie
quotidienne. Cela peut en fait façonner nos activités quotidiennes. Le caractère domestique de la
télévision en fait un média intime. Cela donne aux téléspectateurs un sentiment de proximité avec la
télévision.

7 .Un média démocratisant

C’est un média démocratisant car il est accessible à tous. Il démocratise l'information, l'éducation
informelle, la littérature, etc. en s'adressant à toutes les couches de la société. La plupart des programmes
télévisés sont destinés au commun des mortels. Par exemple, des chaînes comme Door Darshan ont une
large portée et sont accessibles à tous.

8 . Un médium d’immédiateté
La télévision est un reporter suprême et elle capture les événements au fur et à mesure qu'ils se
produisent. La télévision fonctionne selon des unités de temps fixes, ce qui oblige les interprètes, les
scénaristes et les producteurs à être disciplinés. Par exemple, lorsque des informations importantes sur
divers incidents doivent être communiquées, de nouvelles chaînes diffusent ces informations presque
immédiatement aux téléspectateurs, comme lors des tremblements de terre.

Limite de la télévision

1. Moyen cher

Il faut une grande quantité de machines et d’expertise pour faire fonctionner une chaîne de télévision.
Cela nécessite beaucoup d’argent, de machines et de personnel expérimenté. Les médias audiovisuels en
général et la télévision en particulier impliquent une technologie et une organisation complexes.

2. Milieu transitoire

Le contenu n’est pas sur papier et stylo, il n’y reste que pendant un certain temps.

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THÈME 3 : FORMATS DE TÉLÉVISION

Q3. Quels sont les différents formats de programmes télévisés. Inscrivez-vous avec
une brève description et des exemples.
La télévision a changé notre façon de vivre. La télévision est devenue la principale source d’information
et de divertissement pour de nombreuses personnes. C’est aussi une forme de communication importante
puisque de nombreuses personnes regardent des émissions d’information, des émissions politiques, des
publicités, etc. Ainsi, nous disposons de deux grands formats de programmes télévisés : les programmes
de fiction et les programmes de non-fiction.

Programme non fictif :

Les programmes ont un contenu basé sur la réalité. Il n’y a ni fiction ni épopée.

Types de programmes non fictifs :

(1) Actualités - Il s'agit du format de programme le plus courant dans une catégorie non fictive.
Bulletins d'information, actualités et gros titres. Programmes rendant compte d'événements locaux,
régionaux, nationaux et internationaux. Ces programmes peuvent inclure des bulletins météorologiques,
des retransmissions sportives, des actualités communautaires et d'autres fonctionnalités ou segments
connexes contenus dans les « Programmes d'information ».

.Par exemple., Aaj Tak, NDTV India, ABVP News, etc.

(2) Talk-shows - Un talk-show ou un chat-show est un genre de programmation télévisée ou

radiophonique dans lequel une personne (ou un groupe de personnes) discute de divers sujets avancés par
un animateur de talk-show.

Habituellement, les invités sont constitués d'un groupe de personnes instruites ou qui ont une grande
expérience par rapport à n'importe quelle question discutée dans l'émission pour cet épisode. D'autres
fois, un seul invité discute de son travail ou de son domaine d'expertise avec un hôte ou des co-hôtes.

Exemples, The Oprah Winfrey Show

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(3)Documentaire – Ils dépeignent la réalité. Un documentaire explore un sujet factuel en profondeur.
Non seulement cela montre, mais il illumine. Il ne s’agit pas simplement d’informer, mais aussi de
provoquer une réflexion et une compréhension plus profondes que ne le ferait une froide présentation des
faits. Un documentaire est une œuvre de création. Parfois, cette responsabilité créatrice incombe à un seul
individu ; le producteur/réalisateur. Dans ce cas, et au sens télévisuel le plus large, il est auteur ; le
créateur dominant du programme. Le producteur de documentaires entreprend généralement un nombre
considérable de recherches préliminaires et est en outre en contact étroit avec son sujet tout au long des
longues étapes de tournage et de montage. Le documentaire télévisé est une forme adaptable de
programmation non fictionnelle qui a rempli diverses fonctions tout au long de l'histoire du média :
symbole de prestige pour les annonceurs et les réseaux, point central de l'attention nationale sur des
questions complexes, témoignage de l'expérience humaine et du monde naturel. , et un instrument
d’expression artistique et sociale.

Exemple, Blackfish, The Art of Killing, etc.

(4) Émissions de télé-réalité – Programmes principalement sur le monde du divertissement et ses

habitants. Ces programmes incluent des profils de célébrités qui peuvent utiliser des séquences
promotionnelles, des émissions-débats ou des interviews, des remises de prix, des galas et des
hommages. Deux types d'émissions de téléréalité :

(i) Game Show - Programmes proposant des jeux d'adresse et de hasard ainsi que des exemples de quiz.,
Kaun Banega Crorepati., etc.

(ii) Spectacle de chasse aux talents – Programmes composés principalement (c'est-à-dire plus de 50 %)
de représentations en direct ou préenregistrées de musique et/ou de danse, notamment d'opéra, d'opérette,
de ballet et de comédies musicales. Exemple., Indian Idol, etc.

(5) Spectacles en direct – Les chaînes de télévision diffusent des sports et certains événements
importants en direct. Exemple, matchs de cricket, défilé du Jour de l'Indépendance, etc.

(6) Spectacles de variétés – Ces programmes sont des divertissements variés, c'est-à-dire de la musique,

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des interviews, de la danse, etc. présentés sur scène. Exemple, Danse avec les stars, etc.

Programme fictif :

Les programmes basés sur une histoire, une pièce de théâtre, un roman ou une œuvre de fiction entrent
dans cette catégorie.

(1) Soap Opera - Un feuilleton est une série dramatique en cours à la télévision, mettant en vedette la
vie de nombreux personnages et leurs relations émotionnelles. Programme de fiction le plus courant.
Exemple, Yeh Rishta Kya Kehlata Hai, Kasauti Zindagi Ki, etc.

Le premier feuilleton en Inde était Hum Log diffusé sur doordarshan en 1984. Les feuilletons antérieurs
étaient diffusés une ou deux fois par semaine, mais de nos jours, la plupart des feuilletons en Inde sont
diffusés quotidiennement.

(2) Epic Serials - Séries basées sur des épopées. Exemple, Ramyana, Mahabharata, Radha Krishna,
Mere Sai, Siya Ke Ram, etc.

(3) Sitcom - La comédie situationnelle est un format où l'humour est créé en créant des situations
amusantes. Exemple., Dekh Bhai Dekh, Tu Tu Main Main, etc.

(4) Série - Le personnage principal reste le même mais l'histoire change tous les 2-3 épisodes.
Habituellement, ce type de programmes est créé autour des métiers. Exemple FIR, CID, etc.

(5) Countdown Shows - Les chansons des films Superhit sont jouées une par une en fonction de leur
popularité. Exemple., 9XM top9, etc.

(6) Tele Films – Films spécialement conçus pour la télévision. La durée habituelle du film est de 90
minutes. Par exemple. Meilleures ventes vedettes

(7) Spectacles de dessins animés – Populaires parmi les enfants. Exemple., Shinchan, Pingu, etc.

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THÈME 4 : ÉTAPES DE PRODUCTION DU PROGRAMME

Il y a trois étapes de production d'un programme

1. Pré-production

2. Production

3. Post-production

ÉTAPE DE PRÉ-PRODUCTION

Comme son nom l’indique, il s’agit de la première étape avant la production proprement dite. La pré-
production est l’étape de planification et de préparation du tournage d’un film. Cette étape comprend tout
ce que vous faites avant d'entrer dans le studio ou d'atteindre le lieu de tournage. C'est là qu'une idée naît
et est conceptualisée, le sujet est décidé, le format du programme ou le plan d'action est déterminé, les
répétitions sont effectuées, la définition des objectifs, la rédaction des propositions de programme et des
réunions d'équipe, le story-board et le scénario, la recherche, le repérage des lieux, l'organisation du
matériel, des bandes vidéo/audio, des propriétés, des costumes, la conception des décors ou la recherche
de lieux et la réservation des quarts de montage, etc. sont tous acquis.

1. recherche - thème, idée, public cible

L'histoire est un roi. Quel que soit le genre de projet télévisé en cours de développement, une bonne
histoire en constitue la base. Qu’il s’agisse d’une série dramatique ou d’une émission d’information,
d’une sitcom ou d’une émission spéciale sportive, chaque genre raconte une histoire captivante et engage
le spectateur. L'idéation est le processus créatif de génération, de développement et de communication de
nouvelles idées, où une idée est comprise comme un élément de base de la pensée qui peut être visuel,
concret ou abstrait. L'idéation comprend toutes les étapes d'un cycle de pensée, de l'innovation au
développement et à l'actualisation. En tant que tel, il constitue une partie essentielle du processus de
conception, tant dans l’éducation que dans la pratique.

C'est ici que vous développez votre histoire, sa structure et les points de l'intrigue. Les idées sont souvent
tirées d’expériences personnelles ou tirées des gros titres. C'est peut-être une histoire qu'on vous a

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racontée lorsque vous étiez enfant, ou le produit de votre propre imagination débordante. À son niveau le
plus élémentaire, un concept doit pouvoir être communiqué en trois phrases : le début, le milieu et la fin.

lors de l'idéation, l'objectif est de générer une grande quantité d'idées que l'équipe peut ensuite filtrer et
découper pour sélectionner les meilleures, les plus pratiques ou les plus innovantes afin d'inspirer de
nouvelles et meilleures solutions et produits de conception.

2. écriture de scénario et storyboard - Un scénario télévisé traduit une idée en un texte détaillé qui
peut servir de plan pour la production. À la télévision commerciale, le scénario doit inclure des
pauses publicitaires. À mesure que vos projets deviennent plus ambitieux, vous pouvez
commencer à créer un storyboard pour le projet. Les storyboards peuvent vraiment faciliter le
processus de post-production au moment du montage. Cela sera vraiment utile si plusieurs
personnes travaillent sur le projet.
3. Planification du projet - format du programme, disposition des équipements. Une autre étape
importante est la budgétisation. La télévision, c'est avant tout une affaire d'affaires. Il s'agit d'une
industrie axée sur les revenus et les marges bénéficiaires, et l'idée pourrait se traduire par une
opportunité commerciale dont profitent les diffuseurs et les clients. Lorsqu'il travaille pour un
client, le producteur doit préparer un budget pour tous les coûts de pré-production, de production
et de post-production. que le coût soit, au moins partiellement, absorbé par les salaires du
personnel régulièrement employé ou par le budget de fonctionnement normal.
4. Briefing des artistes - des acteurs
5. sécuriser les emplacements,
6. acquérir des autorisations - Il incombe aux producteurs de protéger légalement chaque composant
avec une certaine forme d'autorisation. L'aspect juridique de la production est aussi important que
les besoins créatifs, techniques ou budgétaires de tout projet. Cela implique une compréhension
commune du droit du divertissement, et une connaissance des contrats, des accords et des règles
qui font partie intégrante de chaque étape de la production du projet.
7. Production et accord sur le calendrier et les livrables du projet*

ÉTAPE DE FABRICATION

La production commence une fois les images enregistrées. La production est l’enregistrement proprement

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dit de l’émission télévisée ou du tournage. Les acteurs et l'équipe sont réunis, et le réalisateur orchestrera
l'enregistrement et travaillera pour tourner le plus rapidement possible. La production peut avoir lieu en
studio ou sur place. Le tournage en extérieur représente presque toujours plus de travail, car l'équipement
de production doit être amené sur place avec les acteurs et l'équipe. Il y a des avantages à sortir la
production du studio. La production électronique sur le terrain permet une richesse de scène et de
créativité artistique née tantôt par nécessité, tantôt par opportunités suggérées par le lieu lui-même. La
plupart des émissions de télévision préfèrent utiliser des décors établis, car cela facilite le processus de
production.

Au cours du processus de production, vous appliquez diverses exigences d'éclairage, de cadrage et de

composition. Certains projets tourneront également des B-Roll pendant le processus de production. Le B-
Roll est un métrage supplémentaire qui peut être inclus dans le produit fini.

il faut souligner ici que le temps en studio est le plus précieux. Les producteurs doivent constamment
garder un œil sur l'horloge du studio et faire bon usage du petit objet de production.

POST-PRODUCTION

C’est l’étape où vous arrivez à la forme finale du programme. La post-production peut avoir lieu après la
production ou simultanément pendant la production, en fonction de l'approche prévue du flux de travail.
Cela fait référence à l'édition du matériel tourné pendant la production, et devrait également inclure la
distribution du programme et sa promotion auprès de votre public cible, le découpage des visuels
enregistrés à la longueur appropriée, la disposition des visuels dans un ordre approprié, l'utilisation des
effets souhaités pour les visuels ou le texte. / sous-titres, enregistrement des commentaires,
enregistrement de la musique/chanson et assemblage final de l'ensemble du programme.

1. assemblage de séquences
2. Montage de séquences vidéo
3. Montage de la bande-son, ajout d'effets sonores, de musique, enregistrement de voix off, etc.
4. Ajout de titres et de graphiques
5. Correction des couleurs et de l'exposition
6. Ajout d'effets spéciaux
7. édition approximative

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 8. édition finale

Dans certains cas, la post-production est relativement simple : elle consiste à choisir et à organiser les
séquences dans le bon ordre. Cependant, dans la plupart des cas, la post-production est un travail
fastidieux qui prend plus de temps que la phase de production proprement dite.

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UNITÉ 2 - PRÉ-PRODUCTION

THÈME 1 :

RECHERCHE

Quantité contre qualité :

L’une des questions les plus importantes que se posent les scénaristes est la suivante : « Quelle quantité
de recherche est suffisante ? « La qualité de la recherche est bien plus importante que la quantité. Après
tout, si vous écriviez un scénario pour un film sur la Première Guerre mondiale, vous pourriez passer
votre vie à étudier le sujet et ne jamais respecter le délai fixé pour le scénario. L’une des compétences les
plus importantes du scénariste est de séparer les informations pertinentes de celles qui ne le sont pas.
Cela peut être fait en ayant à tout moment une communication détaillée et continue avec le cinéaste.
L’objectif du film et le sujet qu’il traite doivent être gardés à l’esprit à tout moment. Toute information
recueillie ou piste suivie doit d'abord être soumise à un « test de pertinence ». Le scénariste doit se
demander : · Cette information ou source d'information est-elle directement liée au sujet de mon film ? ·
Est-il nécessaire que le public connaisse cette information ? · Ces informations ajouteront-elles à la
qualité globale du film ? · Même si elles sont pertinentes et apportent une valeur ajoutée, sont-elles plus
pertinentes que toutes les autres informations que j'ai recueillies jusqu'à présent ? · Pourrai-je intégrer ces
informations dans le script même si elles sont pertinentes par rapport au sujet ?

La stratégie'

Presque tous les scénaristes commencent par une stratégie de recherche. Après tout, il est extrêmement
gênant d'être en train d'écrire un script lorsqu'une nouvelle information apparaît. Il est important de
réfléchir et de répertorier chaque approche et chaque source que vous utiliserez pour recueillir les
informations nécessaires à la recherche. Chaque scénariste a ses propres sources et approches pour
recueillir des informations et beaucoup utilisent les mêmes méthodes éprouvées tout au long de leur
carrière. Voici quelques points de départ : ·

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Recherche imprimée : Il existe des millions d'endroits où consulter des documents imprimés : journaux,
livres, magazines, revues, résumés, rapports, archives, journaux intimes... la liste est infinie. Le scénariste
doit décider lequel conviendra à la collecte d'informations liées au sujet, puis se procurer physiquement
la publication requise. Les endroits habituels où trouver des documents imprimés sont les bibliothèques,
les librairies, les institutions et organisations possédant des archives et, bien sûr, Internet. D'autres
endroits pourraient être des librairies anciennes, des maisons d'édition et des établissements
universitaires.

Recherche sur le terrain : Le film étant un support visuel, il est essentiel qu'un scénariste obtienne une
image précise des informations visuelles contenues dans le film. Il pourra se rendre dans les différents
lieux dans lesquels le film sera tourné, ou dans des lieux où des événements se sont déroulés auparavant
ou se dérouleront dans le futur. Il pouvait même se rendre dans des musées, des galeries d'art ou tout
autre type d'espace public où il pourrait recueillir des informations. Le domaine n'existe qu'en relation
avec le sujet du film et les options sont donc infinies et doivent être visitées à la discrétion du scénariste.
Une fois que l’écrivain atteint un lieu, il est important de rechercher les éléments qui pourraient être
pertinents pour le scénario. Le scénariste doit surveiller tout ce qui est visuel et qui peut être incorporé
sous forme d'images dans le scénario. Il faut apprendre la culture du territoire, rencontrer les gens, noter
les détails. Une fois que vous avez acquis ces connaissances, vous devez les conserver de côté pour
référence future.

Recherche en entretien : Neuf fois sur dix, un scénariste sera amené à écrire un scénario sur quelque
chose dont il ne connaît rien. Les connaissances factuelles peuvent généralement être facilement obtenues
à partir de recherches imprimées et sur le terrain ; mais le scénariste doit aussi prendre du recul. La
meilleure façon de prendre du recul est de parler à des personnes directement et indirectement liées au
sujet. La recherche d'entretiens, qui consiste essentiellement à rencontrer des gens et à leur poser des
questions, est un must pour chaque film. Le scénariste doit d’abord décider à qui s’adresser et quoi lui
demander. Normalement, la ou les premières personnes à rechercher sont les experts en la matière. Ils
peuvent apporter au scénariste non seulement des connaissances mais aussi le bénéfice de leur
expérience. S'il y a des événements spécifiques dans le film, le scénariste peut alors parler aux personnes
qui ont été impliquées dans ces événements, directement et indirectement. Ces conversations doivent être
soigneusement enregistrées et les points pertinents doivent être gardés de côté. Il est toujours utile

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d'écouter leurs idées sur la façon dont vous pouvez « traiter » le film sur le plan conceptuel, que vous
incorporiez ou non leurs opinions dans le scénario.

THÈME 2 : SCRIPTAGE D'UN PROGRAMME : STORYBOARDING ET

RÉPARTITION DU SCRIPT

STORYBOARD

L'une des étapes les plus importantes de la planification de votre vidéo consiste à créer un storyboard. Un
storyboard est une représentation graphique du déroulement de votre vidéo, plan par plan. Il est composé
d'un certain nombre de carrés avec des illustrations ou des images représentant chaque plan, avec des
notes sur ce qui se passe dans la scène et ce qui est dit dans le script pendant ce plan. Considérez-le
comme une sorte de version bande dessinée de votre scénario.

Votre storyboard devra transmettre certaines des informations suivantes :

• Les personnages sont dans le cadre, et leur mouvement

• Dialogue entre les personnages
• Le temps s'est écoulé entre la dernière image du storyboard et celle en cours.
• Angle et mouvement de la caméra.

Lorsque vous créez un storyboard pour une vidéo, vous créez un plan de production. Il est tentant de
simplement prendre une caméra vidéo et de commencer à enregistrer, mais sans feuille de route, vous
perdrez du temps, de l'argent et de l'énergie.

Un storyboard vous oblige à visualiser les plans dont vous aurez besoin, l'ordre dans lequel ils
apparaîtront et la manière dont les visuels interagiront avec le script. Il est beaucoup plus facile de régler
les détails pendant la pré-production que sur le terrain, quand le temps presse pour une équipe de
production coûteuse (ou pire, une fois que tout a été tourné !).

Avec un storyboard, vous pouvez montrer à un client ou à une équipe de production exactement ce que
vous avez en tête. Fini les explications verbeuses ou les charades ! Le storyboard changera à mesure que
les membres de l'équipe feront part de leurs commentaires et que le projet évoluera. C'est un outil
essentiel pour s'assurer que toutes les personnes impliquées sont sur la même longueur d'onde.

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Un bon storyboard offre des indices immédiats sur certaines exigences de production, telles que
l'emplacement général, la position de la caméra, la distance focale approximative de l'objectif, la méthode
de capture audio, les plans de coupe, la quantité et le type de post-production, les actions des talents, la
conception des décors et les accessoires manuels. Un storyboard est une esquisse montrant comment
organiser une histoire et une liste de son contenu.

Un storyboard vous aide à :

• Définir les paramètres d'une histoire dans les limites des ressources et du temps disponibles
• Organiser et concentrer une histoire
• Déterminez quel support utiliser pour chaque partie de l’histoire

Comment faire un story-board

Un storyboard ne doit pas nécessairement être une œuvre d’art élaborée. Voici comment en créer un :

Étape 1 : Créer un modèle

Dessinez une série de rectangles sur une feuille de papier, comme si vous créiez une bande dessinée.
Assurez-vous de laisser de la place pour des notes ou des lignes de script sous chaque rectangle. Créez-le
sur ordinateur ou téléchargez un storyboard pré-préparé en ligne

Étape 2 : ajouter le script

Sous chaque rectangle, écrivez la ligne de script ou de dialogue qui correspond à cette scène.

Étape 3 : Esquissez l’histoire

de simples figurines en bâton feront l’affaire. Vous pouvez indiquer le mouvement avec une flèche.
Mieux vaut un mauvais dessin que pas de dessin ! Si vous ne souhaitez pas dessiner les clichés à la main,
vous pouvez utiliser des photographies ou des images découpées dans un magazine. Il existe même des
outils de storyboard en ligne dans lesquels vous pouvez sélectionner des personnages et des paramètres,
ajouter des bulles et des blocs de texte et même enregistrer de l'audio.

Étape 4 : ajouter des notes

Enfin, ajoutez des notes sur chaque scène. Cela peut inclure une description de ce qui se passe, des angles

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ou des mouvements de la caméra, ainsi que des effets spéciaux. N'oubliez pas l'audio comme la musique
ou les effets sonores

SCRIPTATION D'UN PROGRAMME

La préparation d’un scénario nécessite une histoire et l’histoire est le résultat d’une idée. Les idées sont
générées à partir de faits recueillis par vous ou vous viennent de simple fantaisie et imagination. Lorsque
votre idée est basée sur des événements réels et factuels, il s’agit généralement d’un scénario non-
fictionnel basé sur des faits de la vie, et lorsqu’une histoire est façonnée par votre imagination et votre
fantaisie, elle est appelée fiction. Dans certains cas, lorsque vous transposez des faits dans votre propre
format imaginaire, ils redeviennent de la fiction. Il peut y avoir une partie de situations factuelles
présentes dans votre scénario mais maintenant que vous y avez ajouté votre propre imagination, cela
devient une fiction. Et il y aura certainement une différence dans la présentation des faits et de la fiction
sous forme de scénario de film.

Un script est un document qui décrit chaque élément oral, visuel, comportemental et linguistique
nécessaire pour raconter une histoire.

Les grandes étapes du processus d'écriture du scénario

1. Idée de programme : discutez de l'idée et évaluez-la par rapport aux critères de sélection des
médias pour la production vidéo. S'il satisfait aux critères, finalisez et acceptez l'idée d'une
éventuelle production.
2. Aperçu du programme : développez l'idée de programme sélectionnée et testée dans un résumé
du programme, définissant les détails précis en termes de : titre, public cible, durée, objectifs du
programme (en termes comportementaux) et aperçu ou synopsis du contenu. Le résumé du
programme est la première déclaration écrite qui constitue la base d’un scénario télévisé/vidéo.
3. Recherche : planifiez et effectuez des recherches approfondies sur le sujet et votre public cible.
Recherchez du matériel visuel et d’autres informations importantes et intéressantes sur le sujet.
Consultez des livres, des encyclopédies, des revues, des experts et des personnes bien informées.
Connaissez bien votre public cible. Obtenez des informations authentiques sur leurs antécédents,
leurs intérêts, leurs goûts et leurs aversions, etc. Gardez également à l’esprit les conditions de
visualisation et le contexte de visualisation.

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 4. Sélection du matériel : sélectionnez le matériel, les ressources et les idées les plus pertinents, qui
correspondent aux objectifs de votre programme. Estimez et déterminez la quantité de contenu
qui doit être incluse dans le programme final. Éliminez ce qui n’est pas directement pertinent par
rapport à vos objectifs. Gardez vos objectifs et la durée de votre programme à l’esprit et estimez
un contenu suffisant à inclure dans votre programme final.

5. Stratégie de conception du programme/planification des messages : la planification des

messages est l’étape la plus décisive et la plus créative du développement d’un programme. Ici,
réfléchissez et décidez de la conception du programme et de la stratégie de présentation. Explorez
et créez des façons intéressantes de proposer votre programme à votre public. Gardez toujours à
l’esprit les intérêts de vos téléspectateurs, la nature de votre sujet/sujet, les objectifs de votre
programme et les possibilités visuelles que votre média peut offrir.

Réfléchissez sérieusement à des considérations telles que : le format de présentation ou une

combinaison de formats, le style du programme, le rythme et l'approche, la taille et l'importance
de l'information, les possibilités médiatiques, les analogies et exemples visuels, les dispositifs
pour attirer l'attention, l'humour, la répétition des idées clés, utilisation de graphiques,
d'animations et d'autres ressources de production/gimmicks.

6. Structure du programme et traitement visuel : étape où le programme commence à déployer sa

structure ou sa forme. Il s'agit du processus créatif consistant à donner au programme une forme
et une forme claires. Ici, réfléchissez à des questions telles que : quelles séquences formeront le
milieu (le corps) du programme ? Pensez à un bon début pour votre programme, car c'est la
séquence d'ouverture d'un programme qui retient l'attention du public et qui peut certainement
faire ou gâcher l'ensemble du spectacle. Pensez également à une fin bonne et réaliste.

Élaborez un traitement visuel détaillé pour les parties centrales ou les séquences de votre
programme. Pensez aux représentations visuelles, aux analogies visuelles pour les idées abstraites
et les concepts clés. Donnez un ordre logique et naturel à vos segments de programme, afin qu'ils
semblent évoluer d'une séquence à l'autre.

Tracez une chronologie montrant combien de temps doit être consacré à chaque séquence en
tenant compte de la couverture du contenu et de l'importance ou de l'accent mis sur les objectifs

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 du programme et les points clés de l'enseignement. Le traitement doit donner une description
complète de ce que les téléspectateurs verront, entendront, penseront et ressentiront.

7. Création de storyboard : Storyboard désigne une description détaillée, plan par plan, du
programme sur une feuille de papier divisée en deux colonnes verticales. Les cases rectangulaires
(3:4) dans la colonne de gauche sont utilisées pour dessiner des images/croquis avec la taille de
prise de vue décrite sur chacune et la colonne de droite est utilisée pour écrire des mots de
support, des effets sonores et de la musique, comme indiqué ici.

Scénario de tournage : Un scénario de tournage est la version d'un scénario utilisée lors de la
production d'un film. Les scripts de tournage se distinguent des scripts de spécification dans la
mesure où ils utilisent des numéros de scène (ainsi que certaines autres conventions de formatage
décrites ci-dessous) et suivent un ensemble de procédures bien définies spécifiant comment les
révisions du script doivent être mises en œuvre et diffusées. Lorsqu'un scénario est approuvé pour
la production, les scènes se voient attribuer des numéros qui sont inclus dans le script à côté des
en-têtes de scène. Les numéros constituent un moyen pratique pour les différents départements de
production de référencer des scènes individuelles. De plus, chaque prise de vue individuelle dans
une scène se voit également attribuer des numéros. Par exemple Scène 1 Plan 1, 2, 3,4,5 etc.

Un scénario de tournage approfondit rarement les aspects détaillés de la production, à moins qu'il ne
fasse partie intégrante de l'histoire. C’est de nature plus conceptuelle ; descriptif, mais laissant place à
l’interprétation. Le scénario d'après-tournage est la version finale du scénario de tournage. Il s'agit
souvent d'une version modifiée ou réécrite du scénario de tournage et est créée entre les processus de
tournage et de montage du documentaire. Le script post-tournage combine des éléments conceptuels avec
des informations audiovisuelles recueillies au stade de la production et peut également inclure de
nouvelles connaissances acquises en cours de route. Il intègre ensuite le tout dans une histoire
cinématographique, qui est utilisée par le cinéaste pour monter le documentaire. Le script d'après-
tournage comprend souvent des descriptions de plans et d'actions et est assez complet.

RÉPARTITION DU SCRIPT

Au cinéma et à la télévision, une décomposition de scénario est une analyse d'un scénario dans laquelle
tous les éléments de production sont réduits en listes. Ces listes constituent essentiellement le fondement

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de la création d'un comité de production, ce qui est fondamental pour créer un calendrier de production et
un budget de production de l'ensemble de la production de tout film ou programme de télévision en pré-
production. Ce processus est une tâche très fastidieuse et complexe, et relève généralement de la
responsabilité de l'assistant réalisateur ou du premier ou 1AD au sein de l'équipe de production d'une
société de production donnée. Cependant, de nombreux réalisateurs, producteurs de films et scénaristes
savent comment décomposer un scénario.

En particulier, décomposer littéralement le scénario constitue une analyse créative très approfondie et
détaillée de l'action dramatique dans le cinéma, mettant en évidence la lutte réciproque, le thème et les
éléments de conception d'un scénario. Il s'agit de coder l'ensemble du casting, les figurants, les
accessoires, les effets spéciaux, les cascades, les lutteurs, les voitures illustrées, la garde-robe, les
maquilleurs et les coiffeurs, les équipements spéciaux et/ou les caméras, l'ADR, le Foley, les musiques de
films et les bandes sonores, etc., qui sont le tout décomposé avec des surbrillances de marqueurs de
différentes couleurs dans un script de prise de vue.

Après quoi, ces faits saillants sont ensuite organisés et décomposés en bandes pour organiser le calendrier
de production au sein du plateau de production physique réel. Ce processus est plus facile à réaliser de
nos jours en utilisant un ordinateur qu'en manuel, avec des fonctionnalités de Final Draft appelées tagger,
ou en utilisant le mode de marquage dans Movie Magic Screenwriter, un autre programme informatique
efficace. Ces informations peuvent facilement être importées dans Movie Magic Scheduling pour créer
un tableau de production numérique, puis facilement importées dans Movie Magic Budgeting pour créer
l'intégralité du budget de production.
La plupart des logiciels informatiques de script et de production sont disponibles en versions Microsoft et
MacOS, et même s'il existe des logiciels concurrents sur le marché, ceux qui sont répertoriés sont
considérés comme un standard de l'industrie du divertissement. L'ensemble de ce processus de répartition
du script ne doit cependant pas être confondu avec la répartition des personnages utilisée lors des appels
de casting. Il s'agit d'un processus complètement différent avec des noms similaires, mais administré par
deux départements entièrement distincts.

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SUJET 3 :

CONTINUITÉ

Les trois types de continuité

Continuité de l'action

Lorsque l'acteur ramasse le crayon dans le WS, le CU doit être filmé de manière à ce que la vitesse de
ramassage du crayon soit la même et que la même main et le même crayon soient utilisés. Cela semble
être une action logique, mais même les meilleurs réalisateurs et caméramans commettent des erreurs de
continuité d’action. Pour cette raison, un assistant de continuité (CA), également appelé superviseur de
scénario, est un membre essentiel de toute équipe de production majeure. Le CA regarde attentivement
chaque plan et enregistre l'action sur un script, ou prend même des photos numériques ou instantanées du
début et de la fin de chaque plan pour vérifier la continuité. Étant donné que la plupart des grandes
productions sont enregistrées sur vidéo pendant leur tournage, une rediffusion rapide de la bande peut
répondre à la plupart des questions de continuité.

Continuité de direction

Si le WS montre l'acteur tourné vers la gauche et que la main droite de l'acteur traverse le cadre vers la
gauche, alors le CU doit montrer la main se déplaçant vers la gauche. Si un plan montre un acteur se
déplaçant vers la droite, alors le plan suivant doit montrer le même acteur se déplaçant toujours vers la
droite, à moins qu'il n'y ait un changement de direction montré par la caméra dans le plan ou qu'un plan
de coupe soit inséré entre les deux plans. Cependant, une coupe peut dérouter le public s'il se souvient
que l'acteur se déplaçait dans une direction, mais qu'il est ensuite vu se déplacer dans la direction opposée
dans le plan suivant dans lequel il apparaît. Une prise de vue directe directement devant ou derrière
l'acteur peut également être utilisée comme transition. Cette même règle s'applique à tout mouvement,
qu'il s'agisse d'automobiles ; avions; les personnes qui marchent, courent ou tombent ; ou des objets
lancés, laissés tomber ou se déplaçant d'eux-mêmes. Psychologiquement, le mouvement de gauche à
droite est un mouvement vers l'avant, tandis que le mouvement de droite vers la gauche est un
mouvement de retour.

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Continuité de localisation

La continuité de l'emplacement comprend l'éclairage, l'arrière-plan et l'audio. Si le plan d'établissement

est éclairé de manière discrète avec des ombres épaisses, alors toutes les UC doivent être éclairées de la
même manière. Si une prise de vue montre l'océan en arrière-plan, alors, à moins qu'un changement de
direction soit affiché sur la caméra, toutes les prises de vue doivent indiquer que l'océan est en arrière-
plan. La continuité audio devient un outil esthétique, ainsi qu'une règle de continuité. Si la scène se
déroule dans une grande salle vide, tout l’audio doit sonner comme s’il avait été enregistré dans la même
ambiance. Cependant, l'ambiance d'un WS au même endroit semble différente de celle d'une GP serrée
de deux personnes qui parlent et se tiennent près l'une de l'autre.

Problèmes de continuité réguliers

• Discontinuité temporelle. Quand les indices visuels du temps qui passe sont incohérents dans les
plans successifs ; c'est-à-dire l'heure, les saisons, le vieillissement.

• Discontinuité physique. Variation d’apparence ou d’état physique entre les prises de vue ; vêtements,
actions, objets consommés ou utilisés ; par exemple, porter un imperméable d'un coup, mais pas le
suivant.

• Discontinuité de localisation. Une personne change de lieu de manière inexpliquée ; par exemple,
nous les voyons debout à un endroit… coupé sur un graphique… coupé vers eux, et ils sont maintenant
ailleurs.

• Discontinuité picturale. Là où il est censé y avoir une continuité, un extérieur ne doit pas apparaître
« jour » dans une prise de vue et « nuit » dans la suivante. Une série de prises de vue doit être
raisonnablement assortie en termes de luminosité, d'exposition et de qualité des couleurs.

• Discontinuité spatiale. Perte de tout sens d’orientation ou de localisation lors du tronçonnage ; en

particulier lorsque les arrière-plans sont similaires (par exemple dans une forêt). A a-t-il presque rattrapé
B ou est-il encore loin derrière ?

• Attention discontinuité. Lors du changement, il faut chercher autour de la nouvelle image pour trouver
où se trouve le sujet.

• Discontinuité relationnelle. Des coupes mal adaptées, provoquant un changement considérable de la

position du sujet dans le cadre lors du montage, perturbant momentanément le flux de l'image (coupes

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sautées, coupes inversées).

SE MAQUILLER

L'utilisation du maquillage se divise en trois catégories :

1. Basique-conçu pour compenser les changements d'apparence indésirables introduits par le

processus de télévision.
2. Conçu pour améliorer les attributs positifs et minimiser les défauts.
3. Caractère – qui introduit des changements majeurs dans l’apparence.

Tout comme les costumiers, les maquilleurs sont des conteurs. Que le scénario exige que les acteurs
soient beaux ou en haillons, plus jeunes ou plus âgés, ou ressemblent à des monstres ou à d'autres
êtres fantastiques, les maquilleurs et les coiffeurs aident le public à croire que ce qu'il voit à l'écran est
réel. Le maquillage télé est une combinaison d’art et de science. Il est à la fois correctif, couvrant les
défauts et mettant l'accent sur les caractéristiques attrayantes, et créatif, permettant aux acteurs
d'habiter presque n'importe quel type de personnage.

Le maquillage de cinéma utilisé pour masquer les pores, les rides et autres imperfections du visage doit
résister à un examen minutieux lorsqu'il est agrandi à l'écran. Le maquillage et les coiffures doivent
avoir un aspect naturel, mais être suffisamment durables pour durer de longues heures sous des
lumières chaudes pendant que les acteurs se battent, s'embrassent et transpirent. Une bonne
conception de maquillage nécessite de la recherche, de l’expérimentation et parfois l’invention de
produits ou d’appareils de maquillage.

Les maquilleurs et les coiffeurs font bien plus que rendre les acteurs attrayants. Ils travaillent en étroite
collaboration avec les costumiers pour visualiser le personnage complet. Comme les costumiers, les
maquilleurs tentent de refléter l’époque, le style de vie et le statut social des personnages. Le tournage
d’un film prend généralement plusieurs mois. Les scènes qui se trouvent les unes à côté des autres
dans le film final peuvent avoir été tournées à des jours, voire des mois d'intervalle. Pendant ce temps,
les acteurs peuvent attraper un rhume, montrer les effets d’une soirée tardive ou développer une
imperfection. Les maquilleurs et coiffeurs utilisent leurs compétences pour s'assurer que, peu importe le
temps écoulé, l'apparence des acteurs est cohérente d'un plan à l'autre.

Les maquilleurs ne sont généralement pas quelque chose auquel vous pensez lorsque vous regardez
un film ou une émission de télévision, ce qui montre à quel point ils font bien leur travail. Les
maquilleurs sont absolument essentiels à la télévision et au cinéma, car ils peuvent faire croire au public

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que ce qu'il voit à l'écran est réel. Si les téléspectateurs ne croient pas ou n’adhèrent pas à ce qu’ils
regardent, ils perdront généralement tout intérêt assez rapidement. Les maquilleurs qui travaillent à la
télévision et au cinéma aident à communiquer la personnalité des personnages aux téléspectateurs.

Les maquilleurs doivent être formés pour gérer tous les types de slips. On peut leur demander de créer
différentes apparences pour un personnage, comme un œil au beurre noir, des rides ou des blessures
sanglantes. Les maquilleurs analysent souvent les personnages, effectuent des recherches et discutent
avec le réalisateur et les acteurs afin de créer le look parfait pour un personnage spécifique.

ÉQUIPE DE MAQUILLAGE

Lorsqu'il s'agit d'un plateau de télévision ou de cinéma, il y a généralement une équipe de maquilleurs,
et non un seul individu. Cette équipe est souvent composée d'un chef maquilleur (aussi appelé
maquilleur), d'un superviseur maquillage, d'une maquilleuse et d'une assistante maquilleuse. Le nombre
de participants dépend généralement de l'ampleur de la production.

Maquilleur en chef : Le rôle du maquilleur en chef est de superviser les applications de maquillage et
de coiffure pendant le processus de production, de fournir des conceptions de travail, d'organiser le
maquillage et la coiffure de pré-production et de rechercher des conceptions pour les caractérisations
de chaque acteur. Le maquilleur en chef est fondamentalement responsable de l'ensemble du
département de maquillage et désignera un maquilleur individuel pour appliquer les dessins.

Superviseur maquillage : Le superviseur maquillage aura pour tâche d'embaucher et de gérer l'équipe
de coiffure et de maquillage selon les besoins, de vérifier et de commander le stock, d'organiser les
essais de maquillage ainsi que les essayages de perruques et de pilosité faciale et de superviser la
continuité des projets. En tant que superviseur, le travail de cette maquilleuse est de négocier et de
respecter les budgets et les délais.

Maquilleur : Le maquilleur est celui qui assumera les responsabilités déléguées par le superviseur.
Cela comprend la préparation des artistes à l'application du maquillage, l'exécution de processus de
maquillage et de pastiche sur les acteurs et le respect des directives du département pour assurer la
continuité.

Assistante maquillage : Une assistante maquillage sera présente pour effectuer les contrôles et
procéder aux réglages. On leur demandera généralement de faire n'importe quoi : préparer les artistes,
se maquiller et se démaquiller et entreprendre des recherches. L'assistant aidera à la gestion générale
du département, aidant ainsi à alléger un peu la charge du maquilleur.

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Scénographies

Qu'il s'agisse de Seinfeld, Game of Thrones ou Wonder Woman, le décor autour duquel les acteurs jouent
joue autant de rôle qu'eux. L'environnement créé par les scénographes contribue à donner le ton, l'époque
et l'ambiance générale de chaque scène. Sans la toile de fond appropriée, l'histoire est incomplète.

Pour devenir scénographe, il faut une formation et une expérience appropriées, souvent un baccalauréat
ou une maîtrise en beaux-arts est une exigence de base.

Les décorateurs (scénographes) aident à créer l’atmosphère d’un film ou d’une pièce de théâtre en
mettant en scène la scène. Ils s'occupent du décor, des accessoires, de la peinture, du revêtement de sol –
chaque visuel, après avoir retiré les acteurs, est sous la responsabilité des scénographes.

Le scénographe est chargé d’élaborer un ensemble complet de dessins de conception comprenant les
éléments suivants :

• plan au sol de base montrant tous les éléments fixes du décor ;

• plan au sol composite montrant tous les éléments de décor en mouvement, indiquant à la fois
leurs positions sur scène et de stockage ;
• section de l'espace scénique intégrant tous les éléments ;
• les élévations avant de chaque élément panoramique et les élévations ou sections supplémentaires
d'unités, selon les besoins.

Collaboration

Le scénographe commence par le scénario, en examinant les détails pour identifier les différents
emplacements, les accessoires nécessaires et toute action nécessitant des décors spécialement construits.
De plus, le scénographe décide quels éléments visuels transmettent le meilleur sens de la pièce et d'autres
aspects nécessaires pour donner au public l'illusion totale de vrais personnages dans des lieux réels.
Ensuite, le scénographe rencontre le réalisateur et d'autres professionnels clés du design pour collaborer
sur la vision du réalisateur pour le spectacle, sur l'équipement qui sera disponible et sur les compétences
apportées par les autres.

Le chef décorateur ne travaille pas en silo et prend des décisions isolées sur la direction du film. Au lieu
de cela, ils sont en contact permanent avec le réalisateur et travaillent dans un environnement collaboratif

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pour créer la vision ultime. Les techniciens d'éclairage, les costumiers, les menuisiers, les accessoiristes
et bien d'autres personnes sur le plateau collaborent avec les scénographes pour finaliser chaque projet.

Recherche

Pour être précis dans sa représentation de différentes périodes, un scénographe doit mener des recherches
historiques. Si une scène d'un film se déroule par exemple dans une maison des années 80, le décorateur
recherchera l'intérieur et l'extérieur d'une maison dans les années 80 et comprendra et appréciera
véritablement les caractéristiques uniques de cette époque. Si un décorateur ne franchit pas cette étape,
toute personne ayant grandi ou connaissant cette époque remarquera les inexactitudes et prendra le film
moins au sérieux.

Esquisse

Une fois que le scénographe aura rassemblé suffisamment de recherches et d’informations auprès des
autres membres de l’équipe, il mettra sa vision sur papier. Dès cette première rencontre, le scénographe
réalise des vignettes, esquisses préliminaires de la scénographie, qui seront affinées au fil de réunions
collaboratives ultérieures.

Je pense toujours aux Oscars lorsqu'ils décernent des prix pour la scénographie, ils montrent d'abord le
croquis original, puis montrent comment il est devenu réalité.

Le budget doit être gardé à l’esprit pendant ce processus. Ne concevez pas plus haut que ce que vous
pouvez vous permettre. Certains décors seront faciles à créer, où une seule pièce et quelques accessoires
sont nécessaires, tandis que d'autres pourraient nécessiter une construction complète.

Lorsque le réalisateur approuve les croquis, la construction commence. La conception de la production

est un élément crucial de tout film, émission de télévision ou représentation théâtrale, mettant en valeur la
créativité de l'équipe et la vision de la production. L'équipe impliquée dans la conception et la réalisation
du décor constitue souvent le département le plus important de l'équipe de tournage.

DÉGUISEMENT

Les costumes sont un outil de narration, communiquant au public des détails subtils de la personnalité et
de l'histoire de chaque personnage, de manière rapide et économique. Ils aident les acteurs à laisser leur

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propre personnalité derrière eux et à devenir de nouvelles personnes crédibles à l'écran.

Les costumiers peuvent confectionner de belles robes et des vêtements extravagants lorsque le scénario
exige une entrée glamour, mais ils doivent également concevoir des vêtements de tous les jours lorsque
ceux-ci sont nécessaires pour une scène.

PROCESSUS DE CONCEPTION DE COSTUMES

ANALYSE : Le processus de conception des costumes commence par une étude minutieuse du scénario.
Les scripts décrivent l'action (ce qui se passe dans la scène), la période (quand l'action se déroule), le lieu
(où se déroule l'action), ainsi que le nombre et l'identité des personnages de chaque scène. Après avoir lu
le scénario, le costumier rencontre le réalisateur pour discuter de la vision globale du film et examiner
l'histoire personnelle de chaque personnage, les choix de casting possibles, la palette de couleurs globale
et l'ambiance du film.

RECHERCHE DE COSTUMES : Le costumier commence ensuite la partie recherche du processus de

conception. Dans le cadre de ce processus, les designers visitent les bibliothèques, examinent les
peintures et étudient les journaux, catalogues et magazines du présent ou du passé, selon le moment où se
déroule le film. Si une scène se déroule dans un lycée moderne, le costumier peut visiter un lycée local et
prendre des photos du personnel, des enseignants et des élèves. Le créateur étudierait les dernières
tendances en matière de jeans, de sacs à main et d'accessoires et tiendrait compte du contexte socio-
économique de la population scolaire, y compris combien les élèves dépensent pour leurs vêtements. Les
films modernes sont plus difficiles à habiller que les films historiques car le public se rend
immédiatement compte si les costumes ne sont pas réalistes pour la situation, trop chers ou faux.

CROQUIS PRÉLIMINAIRE : Une fois suffisamment d'informations obtenues, les costumiers

commencent par créer des croquis préliminaires. en commençant par des croquis très rapides, le
costumier passera ensuite à des croquis plus détaillés et déterminera les costumes et les couleurs
spécifiques du personnage.

CROQUIS FINAUX : Une fois que le costumier et le réalisateur se sont mis d'accord sur les costumes et
que les idées ont été pleinement explorées, le créateur créera les croquis finaux. Ceux-ci sont appelés
rendus et sont généralement peints à l’aquarelle ou à l’acrylique. Ces croquis finaux montrent à quoi le

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créateur souhaite que le personnage ressemble ainsi que les couleurs du costume.

PRODUCTION : Une fois le spectacle conçu, il est nécessaire de planifier la provenance des articles. Il
existe quatre options. Les vêtements peuvent être :

• Pulled, qui fait référence à la recherche dans le stock d'un magasin de costumes
• Loué

• Acheté
• Construit, ou également connu sous le nom de fabriqué sur commande.

ACCESSOIRES

Les accessoires sont une partie importante du cinéma. Props est l'abréviation de propriété et fait référence
à des objets appartenant à ou appartenant à un personnage d'un film. Souvent sur les plateaux de
tournage, l'un des membres de l'équipe de tournage occupera un poste appelé accessoiriste.

Les accessoiristes sur un plateau de tournage sont chargés de créer des accessoires ou de les amener sur
le plateau, et de les garder organisés sur le plateau. Les accessoires sont des objets ou des éléments qu'un
acteur touche ou manipule physiquement. Ce département, supervisé par le maître des lieux, est chargé
de décomposer le scénario afin d'élaborer une liste d'accessoires nécessaires dans chaque scène.

Alors que certains accessoires sont des éléments de base du quotidien comme des verres, des livres ou
des ustensiles de cuisine, d'autres peuvent nécessiter des recherches approfondies pour garantir
l'exactitude de la période ou du lieu de la scène. Dans certains cas, les accessoires doivent être fabriqués
sur mesure.

Il y a une différence entre les accessoires et l'habillage des décors. Si jamais un objet est touché par un
acteur, il est de la responsabilité du service accessoiriste de localiser, gérer, entretenir et restituer l'objet.
Si toutefois l'objet n'est pas touché mais fait partie de l'habillage du décor, c'est la responsabilité du
décorateur. Par exemple, si le scénario mentionne qu'un personnage ramasse une pomme dans la cuisine
et commence à la trancher, le service accessoires est responsable de la pomme et du couteau. Mais le
décorateur est responsable des deux objets s’ils sont simplement posés sur le comptoir pour ajouter du
réalisme au décor.

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Propriété Maître

La principale responsabilité du propriétaire est de parcourir le scénario pour générer une liste de tous les
accessoires requis dans le film. En collaboration avec son équipe, il supervisera ensuite l'acquisition, la
conception, la construction et/ou la location des étais. Tout au long du film, chaque accessoire sera
catalogué et disponible pour la scène appropriée.

Créateur d'accessoires

L'artiste ou le technicien qui crée des accessoires personnalisés. Cela peut inclure la création de tout type
de boîtiers ou le câblage de composants électroniques pour créer un accessoire fonctionnel.

CATÉGORIES D'ACCESSOIRES

Les accessoires peuvent être divisés en plusieurs catégories, ce qui peut rendre le domaine des
accessoires moins écrasant. En raison de la diversité des traditions et des pratiques dans les centaines de
théâtres qui présentent des spectacles, un accessoiriste peut ne pas être responsable de certaines de ces
catégories.

Main – Les accessoires à main sont des accessoires manipulés par un ou plusieurs acteurs sur scène. Un
livre, une arme à feu et un verre à vin sont tous des accessoires à main. Les accessoires à main peuvent
être des accessoires consommables ou périssables, ce qui signifie qu'ils doivent être remplacés chaque
nuit, comme la nourriture mangée ou une lettre déchirée. Nous pouvons également considérer les
accessoires de costume (ou personnels, ou « propstume ») comme les sacs à main ou les ceintures comme
sous-catégorie. Ceux-ci nécessitent une attention particulière de la part du département des costumes afin
de déterminer qui est responsable de leur fourniture et de leur paiement. manuel/effet spécial, pratique.

Les accessoires de décor incluent tous les meubles sur scène et tout autre « objet » qui fait partie du
décor. Il comprend également des objets ressemblant à des meubles, tels que des rochers sur lesquels on
s'assoit. Les frontières entre « décors » et « accessoires » sont les plus floues dans cette catégorie, car
certains décors ont des « meubles intégrés », et les ensembles plus abstraits ou métaphoriques ont moins
de points de référence pour déterminer ce qui est « accessoire » ou non.

Garniture – Les accessoires de garniture sont accrochés aux murs, comme des rideaux, des stores ou des
tableaux.

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Personnel – Un accessoire personnel est un accessoire qu'un acteur porte pour développer son
personnage. Parfois, cela est demandé dans le scénario, mais c'est souvent l'acteur qui le demande. Une
pipe, une canne ou un ventilateur en sont des exemples.

Verts - Qu'ils soient réels ou artificiels, le département des accessoires est souvent responsable des
plantes, des feuilles, des buissons et des fleurs. Évidemment, si le décor nécessite un arbre grandeur
nature pour remplir la scène, le service accessoiristes peut s'en remettre au service scénographie pour sa
construction.

Effets spéciaux manuels – Les explosions de fumée, les rats télécommandés, les feux artificiels dans les
cheminées ou tout autre effet spécial manuel relèvent généralement de la responsabilité du département
des accessoires, bien qu'en fonction de la portée ou des moyens d'obtenir ledit effet, il puisse
certainement y avoir des chevauchements. avec un certain nombre d'autres départements. Les accessoires
Breakaway peuvent également entrer dans cette catégorie

Pendant la pré-production

Les types d’accessoires nécessaires pour chaque film varient énormément. Pour les drames simples
d'aujourd'hui, les accessoires sont pour la plupart des objets du quotidien faciles à acquérir, mais pour les
films fantastiques, d'époque ou de science-fiction, chaque objet détenu par les acteurs doit être soit
méticuleusement recherché et rassemblé, soit conçu et fabriqué à la main pour créer un environnement
réaliste pour l'histoire.

• Une fois que le maître des lieux reçoit le script, il le décompose et crée une liste des accessoires
mentionnés dans chaque scène.
• Étiquetez chaque accessoire avec la scène dans laquelle il est nécessaire et conservez une liste
détaillée de l'endroit où chaque accessoire a été obtenu – cela facilitera grandement les retours à
la fin du tournage.

Pendant la production

Pendant la production, le maître des lieux doit fournir chaque accessoire lorsqu'il est nécessaire pour une
scène.

• Accessoires photographiques – Pour les scènes dans lesquelles un accessoire change, par exemple une

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assiette de nourriture est partiellement mangée, ou les personnages assemblent un moteur de moto
pendant la scène, le maître des lieux doit photographier et documenter l'accessoire pour assurer la
continuité d'une scène à l'autre. le suivant.

PLAN D'ÉTAGE

Le plan d'étage est une impression bleue graphique à l'échelle du studio. Il indique la position et la taille
du studio, la vue aérienne de positionnement du décor, l'emplacement des différents points techniques
fixes. Par exemple, les connexions des câbles, les points de connexion, le nombre de participants, la
position de la caméra, etc. Les principaux éléments à présenter dans un plan d’étage sont :

1. Scène : Le type de décor, la forme et la taille de tout ce qui est nécessaire pour un décor incluant le
type de mobilier etc.

2. Équipement : L'éclairage et l'audio (si un micro sur perche doit être utilisé), l'emplacement de la
rétroprojection, du projecteur de diapositives, du moniteur, etc. Le plan d'étage fait office de document de
planification pour l'ingénieur d'éclairage.

3. Caméra : placement de la caméra, y compris son mouvement.

4. Participants : Où seront-ils assis ou debout, quels seront leurs mouvements, le cas échéant.
Démonstration de tout équipement ou carte particulier et de sa position.

Dans une chaîne de télévision, une partie du studio peut être occupée par des postes semi-permanents qui
restent en place pendant de longues périodes. Le plan d'étage montre l'emplacement de la scène et les
propriétés définies par rapport à un motif de grille et à la zone d'action disponible. Tout comme le script,
le plan d'étage vous aide à visualiser différents plans et à les traduire en principales positions de caméra
et en schémas de circulation des caméras. Cela influence également, et parfois dicte, la manière dont
vous bloquez le talent. Avec un peu de pratique, vous pouvez effectuer presque tout le blocage des talents
et le positionnement de la caméra simplement en regardant votre plan d'étage.

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THÈME 4 : BUDGÉTISATION

Un budget de production cinématographique détermine le montant qui sera dépensé pour l’ensemble du
projet cinématographique.
Il s'agit d'identifier et d'estimer les éléments de coûts pour chaque phase de réalisation d'un film
(développement, pré-production, production, post-production et distribution). Votre budget sera votre
plan. C'est le point culminant de tout le travail de script et de programmation que vous avez effectué
jusqu'à présent. Le budget dictera (devrait) la manière dont vous procéderez pour la plupart des décisions
lors de la réalisation du projet.

Tous les films ont un budget pour suivre leurs dépenses. il est de la responsabilité du producteur de
déterminer le coût de production dans différents segments. Il doit avoir connaissance du coût des
équipements, des loyers, du paiement des divers personnels de production et du coût du transport, etc.

La budgétisation de la production vidéo devient facile lorsque les exigences exactes sont connues. Cela
aide à diviser le budget pour la pré-production, la production et la post-production. Une feuille de budget
typique pour la production vidéo comportera un budget pour différentes dépenses pour différents
segments tels que le personnel de production, les équipements, le transport, la recherche, la nourriture et
d'autres besoins de l'équipe.

FEUILLE SUPÉRIEURE

Le topsheet est la « couverture » du budget. Il affiche le total de chaque compte dans une liste. Un total
général en bas et des informations sur la production en haut.

La feuille de dessus désigne chaque département ou sujet général qui n'est pas départemental. Par

exemple : DÉPARTEMENTS

• Caméra

• Poignée
• Se maquiller
• Transport

3
2
NON DÉPARTEMENTAL

• Bureau de production
• Étapes
• Éclaireurs
• Deuxième unité

La colonne spécifique du résumé budgétaire mentionnera le montant qui doit être débloqué à titre
d’avance. Lors de la préparation du budget, il est préférable d’être réaliste. Sous-estimer le coût juste
pour remporter le contrat vous mettra en difficulté financière, tandis qu'en cas de budgétisation, vous
perdrez le contrat. Une règle générale consiste à afficher environ 10 % de plus que notre budget réel.
Bien que la majeure partie de la budgétisation puisse être gérée à l'aide d'un modèle, il est utile de savoir
que les modèles de budget ignorent intentionnellement les chiffres des éléments de campagne. Ils sont
numérotés consécutivement et les numéros manquants entre les éléments existants sur le modèle sont
utilisés pour inclure les dépenses imprévues tout en permettant de maintenir ces dépenses à proximité
d'éléments similaires. L'un des objectifs d'un budget est d'éviter les dépenses excessives. Le comptable de
production travaillera avec vous tout au long de la production, prévoyant les coûts et les suivant. Pendant
que vous suivez les coûts, tenez l'équipe responsable : assurez-vous que le service vous fait rapport afin
qu'il sache ce qu'il dépense et assurez-vous que les chefs de service comprennent leurs budgets. Le
réalisateur, le producteur et l'assistant réalisateur doivent également contribuer à faire respecter le budget.

Gardez une trace de ce qu'ils promettent et à qui, et assistez également à toutes les réunions avec les
repérages des lieux à cet effet. Bien que certaines personnes aient besoin de connaître l'intégralité du
budget, comme le producteur, les financiers et le directeur de production, gardez à l'esprit que ceci est un
document confidentiel. Les chefs de département doivent connaître les budgets de leur département
individuel, mais pas de l’ensemble de la production. Non seulement vous devrez peut-être signer un
accord de confidentialité, mais vous constaterez peut-être également que le rapport de coûts cesse de
refléter le budget à mesure que la production avance. Garder le budget confidentiel permet d'éviter les
promesses qui ne peuvent pas être tenues en raison de dépenses invisibles.

3
3
UNITÉ 3 - PRODUCTION

THÈME 1 : ÉTAPES IMPLIQUÉES DANS LA PRODUCTION D'UN

TÉLÉVISEUR
PROGRAMME
La production est l’enregistrement proprement dit de l’émission télévisée ou du tournage. Les acteurs et
l'équipe sont réunis,
et le réalisateur orchestrera l'enregistrement et travaillera pour tourner le plus rapidement possible. La
production peut avoir lieu en studio ou sur place. La prise de vue en extérieur est
presque toujours plus de travail, car l'équipement de production doit être amené sur place avec les acteurs
et l'équipe. La plupart des émissions de télévision préfèrent utiliser des décors établis, car cela facilite le
processus de production.

ÉTAPES DE PRODUCTION :

ÉTAPE 1 : STAGE DE TIR

• Le succès de cette phase d’une production vidéo dépend entièrement de la façon dont nous
l’avons planifiée. Il sera de la responsabilité du réalisateur de s'assurer que chaque équipement et
toutes les ressources humaines sont bien en place avant le début du tournage proprement dit.
• Bien que le rôle de chaque personnel de production soit bien défini, chacun d'entre eux peut être
amené à intervenir selon les besoins sur place. Les membres de l’équipe doivent savoir qu’ils
peuvent être amenés à jouer un peu au-delà du rôle qui leur est assigné.
• En tant que producteur/réalisateur, il sera également de notre responsabilité de vérifier tous les
détails de dernière minute comme le transport, les cartes mémoire vidéo, les talents, les propriétés
et même les collations. En tant que capitaine de la production, le producteur est le chef créatif.
Mais il est également de la responsabilité du producteur de vérifier que tous les membres de
l'équipe de production sont bien préparés pour la phase de tournage de la production.

ÉTAPE 2 : GESTION DU MATERIEL VIDÉO

Que nous voyagions en transports en commun (train, avion ou même bus des transports

3
4
publics) ou en taxi loué, il est sûr d'assurer le matériel que nous transportons.
Le producteur/réalisateur est en fin de compte responsable de chaque image et de chaque

morceau d'audio qui entre dans le programme. Les téléspectateurs ne souhaitent pas
sympathiser avec nos problèmes liés à la production. Tout ce qu'ils veulent voir, c'est une
bonne vidéo. Et pour produire une vidéo bien appréciable, il est important que tous les
équipements soient bien entretenus.

THÈME 2 : RÔLES DU PERSONNEL DE PRODUCTION ET

RESPONSABILITÉS

Il existe deux types de personnel de production :

a) personnel de production supérieur : toutes les personnes impliquées dans des activités non techniques
ou les personnes les plus créatives comme le producteur, le réalisateur, le scénariste, le scénographe,
l'assistant de production, le costumier, le gestionnaire immobilier, le compositeur de musique, le
maquilleur, les chorégraphes et le directeur de production sont inclus dans le personnel de production de
la ligne ci-dessus.

b) en dessous du personnel de production en ligne : tous ceux liés à l'équipe technique, comme le
caméraman, le directeur de l'éclairage, l'ingénieur du son, le graphiste, l'ingénieur électricien, le monteur
vidéo, etc. se trouvent en dessous du personnel de production en ligne.

DÉPARTEMENT DE PRODUCTION

Producteur exécutif : Un producteur exécutif est généralement un investisseur dans le projet ou quelqu'un
qui a facilité le financement du projet. Il peut y avoir plusieurs producteurs exécutifs sur un projet, selon
les modalités de financement.

Directeur de production : Le directeur de production supervise les aspects physiques de la production, y

compris le personnel, la technologie, le budget et le calendrier. Il est de la responsabilité du Premier
ministre de s'assurer que le tournage respecte le calendrier et le budget. Le PM travaille souvent sous la
supervision d'un producteur délégué et supervise directement le coordonnateur de production.

3
5
Coordinateur de production : le coordinateur de production est le lien d'information de la production,
responsable de l'organisation de toute la logistique depuis l'embauche de l'équipe, la location du matériel
et la réservation des talents. Le PC fait partie intégrante de la production cinématographique.

Réalisateur : Le réalisateur est chargé de superviser les aspects créatifs d'un film, notamment de contrôler
le contenu et le déroulement de l'intrigue du film, de diriger les performances des acteurs, de sélectionner
les lieux dans lesquels le film sera tourné et de gérer les détails techniques tels que le le positionnement
des caméras, l'utilisation de l'éclairage, ainsi que le timing et le contenu de la bande originale du film.

Assistant réalisateur : assiste le réalisateur dans la salle de contrôle en préparant les plans de caméra, en
chronométrant les scripts et en coordonnant les signaux, ou sur le plateau en coordonnant les figurants
dans la scène. Devenir AD n’est pas un tremplin pour devenir réalisateur. Les AD sont spécifiquement
formés pour travailler avec des figurants et non avec des acteurs. Plusieurs AD assistent généralement un
réalisateur dans des émissions de télévision tournées sur place.

Assistant de production / coureur de production : L'assistant de production ou le coureur assiste le

premier assistant réalisateur dans les opérations sur le plateau. Les PA aident également le bureau de
production avec des tâches générales.

Scénariste : les scénaristes ou scénaristes sont chargés de rechercher l'histoire, de développer le récit,
d'écrire le scénario et de le livrer, dans le format requis, aux producteurs. Il s'agit presque toujours de
pigistes qui, soit présentent des idées originales aux producteurs dans l'espoir qu'elles seront proposées en
option ou vendues, soit sont chargés par un producteur de créer un scénario à partir d'un concept, d'une
histoire vraie, d'un scénario existant ou d'une œuvre littéraire, comme un roman ou nouvelle.

Directeur de casting : travaille en étroite collaboration avec le réalisateur et le producteur pour

comprendre les exigences, suggère des artistes pour chaque rôle, ainsi qu'organise et mène des entretiens
et des auditions.

DÉPARTEMENT LOCALISATION

Gestionnaire d'emplacement : le gestionnaire d'emplacement est chargé de trouver et de sécuriser les

emplacements à utiliser pour la production et de coordonner la logistique, les permis et les coûts
impliqués. Ils sont également le visage de la production auprès de la communauté.

3
6
Assistant de localisation : assiste le gestionnaire de tournage et est sur le plateau avant, pendant et après
le processus de tournage. Les responsabilités générales incluent l'arrivée en premier sur place pour
permettre aux habilleurs de plateau d'accéder au plateau ; maintenir la propreté des lieux de tournage
pendant le tournage et répondre aux plaintes des voisins.

DÉPARTEMENT CAMÉRA

Directeur de la photographie/directeur de la photographie : Le directeur de la photographie est le chef du

département caméra et éclairage du film. Le chef opérateur prend les décisions sur l'éclairage et le
cadrage des scènes en collaboration avec le réalisateur du film.

Caméraman : Le caméraman exploite la caméra sous la direction du directeur de la photographie, ou du

réalisateur, pour capturer les scènes sur film. Selon le format d'appareil photo utilisé pour le tournage
(par exemple argentique ou numérique), un directeur de la photographie peut ne pas faire fonctionner
l'appareil photo, mais ces deux rôles sont parfois combinés.

DÉPARTEMENT SON

Mixeur du son de production (Enregistreur du son) : Le mixeur du son de production est le chef du
département du son sur le plateau, responsable de l'enregistrement de tous les sons pendant le tournage.
Cela implique le choix des microphones, le fonctionnement d'un appareil d'enregistrement sonore et
parfois le mixage des signaux audio en temps réel.

Perchman (Boom Swinger) : Le perchman est responsable du placement et du mouvement du

microphone pendant le tournage. Le perchman utilise une perche pour positionner le microphone au-
dessus ou en dessous des acteurs, juste hors du cadre de la caméra.

DÉPARTEMENT ÉLECTRIQUE

Directeur de l'éclairage (FIOE) - principalement responsable de l'éclairage du plateau de l'émission

télévisée. Responsable de la conception et de l'exécution du plan d'éclairage d'une production.
Contrairement à un directeur de la photographie ou à un directeur de la photographie qui est intimement
impliqué dans le placement de la caméra, le directeur de l'éclairage de la télévision s'occupe
principalement de l'éclairage d'un décor particulier utilisé à plusieurs reprises dans une émission, ou de
l'éclairage du décor pour un numéro de production ou un acte musical particulier. un spectacle. Les

3
7
directeurs d’éclairage TV travaillent principalement en studio et travaillent rarement à l’extérieur sur
place.

Gaffer : principalement responsable de la manipulation des instruments d'éclairage, des gradateurs, des
câbles, des générateurs et autres équipements électriques.

DÉPARTEMENT ARTISTIQUE

Scénographe : Le scénographe est le dessinateur, souvent un architecte, qui réalise les structures ou les
espaces intérieurs demandés par le décorateur.

Maquilleur : les maquilleurs travaillent avec le maquillage, les cheveux, les prothèses et les effets
spéciaux pour créer l'apparence des personnages qui apparaissent à l'écran. Leur rôle est de manipuler
l'apparence d'un acteur à l'écran.

Coiffeur : Le coiffeur est responsable de l'entretien et du coiffage des cheveux de toute personne
apparaissant à l'écran. Ils travaillent en collaboration avec la maquilleuse.

Costumier : Le costumier est responsable de tous les vêtements et costumes portés par les acteurs. Ils
conçoivent et planifient la fabrication des vêtements en fonction du tissu, des couleurs et des tailles.

POST-PRODUCTION

Film Editor (Offline Editor pour les productions vidéo) : Assemble les différents plans en un film
cohérent, en étroite collaboration avec le réalisateur.

Assistant rédacteur : assiste le rédacteur en chef en collectant et en organisant tous les éléments
nécessaires à l'édition.

Éditeur en ligne (pour les productions vidéo) : lorsque le montage hors ligne est terminé, ajoute des effets
visuels, des titres et applique une correction des couleurs. S'assure également que le programme répond
aux spécifications techniques de livraison.

Directeur musical (ASCAP) - est principalement responsable de la composition et/ou de l'arrangement de

la musique d'une émission télévisée. Bien que la chanson thème du spectacle soit généralement écrite par
un autre compositeur, le directeur musical d'un spectacle est principalement responsable de la
composition et de l'arrangement des partitions musicales et des bumpers du spectacle. Dans un talk-show

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8
comme Letterman ou Leno. le directeur musical est responsable de la sélection, de l'arrangement et de la
direction de l'accompagnement musical du spectacle

Technicien audio : principalement responsable de la prise de son, du mixage et de l'adoucissement de

l'audio d'un programme. Contrairement aux films, la plupart des émissions de télévision utilisent l’audio
« en direct » enregistré sur le plateau. En tant que tel, la prise de son est très importante pour la qualité
globale d’un spectacle. Dans les talk-shows, les invités ont généralement des micros-cravates sans fil
attachés à leurs chemises, tandis que l'animateur de l'émission utilise un micro portatif sans fil pour parler
et recueillir les réponses du public du studio.

Superviseur musical : Travaille avec le compositeur, les mixeurs et les monteurs pour créer et intégrer la
musique du film. Négocie les licences pour les droits nécessaires pour toutes les musiques sources
utilisées dans un film.

3
9
SUJET 3 : PRISE DE VUE AVEC UNE SEULE CAMÉRA

Un producteur ou réalisateur d’une production en direct doit prendre deux décisions fondamentales avant le
début de la production.

• Tout d'abord, il ou elle doit décider si une ou plusieurs caméras doivent être utilisées pour enregistrer
ou transmettre des images. L’utilisation d’une seule caméra est appelée production à caméra unique,
et l’utilisation de plusieurs caméras est appelée production multi-caméra.
• Deuxièmement, il faut décider si les images, la vidéo ou l’audio doivent être enregistrés à l’intérieur
ou à l’extérieur du studio. L'enregistrement à l'intérieur du studio est appelé production en studio,
tandis que l'enregistrement à l'extérieur du studio est appelé production sur site en cinéma et
production à distance (impliquant des liaisons câble/micro-ondes vers le studio) ou production sur le
terrain en vidéo.

Dans la production à caméra unique, chaque plan distinct est configuré et enregistré individuellement. Le
principal avantage artistique de la production à caméra unique est que peu de compromis doivent être faits
en termes d'éclairage ou de placement des microphones pour répondre aux exigences de visualisation de
plusieurs caméras différentes.
D'un point de vue logistique, une seule caméra à la fois doit être installée ou transportée sur le terrain.

Caméra unique La production de fiction dramatique commence généralement par l'enregistrement d'un plan
principal, qui couvre autant que possible l'action d'une scène à partir d'une seule position de caméra. Ensuite,
les mêmes actions sont répétées et enregistrées à nouveau avec la caméra placée plus près de l'action. Le
matériel résultant (vidéo éditée) est combiné lors du montage de post-production.

Les techniques de production à caméra unique sont utilisées pour enregistrer des séries télévisées, des
sitcoms, des longs métrages, des documentaires et des publicités télévisées, ainsi que pour l'enregistrement
d'actualités. La sitcom « à caméra unique » a gagné en popularité au cours de la dernière décennie. Des
émissions comme Modern Family, Silicon Valley et The Last Man on Earth en sont de parfaits exemples
contemporains. À l’exception de la couverture en direct d’événements sportifs, la production avec une seule
caméra est la norme pour les situations de production sur site et à distance. Dans certaines situations de
production, il est tout simplement impossible d'enregistrer des événements à l'intérieur d'un studio, même les
installations et techniques de production en studio sont généralement plus efficaces et plus économiques.

4
0
L'éclairage et l'enregistrement sonore sont plus faciles à contrôler dans un studio que dans un endroit
éloigné. La plupart des studios de production sont conçus pour offrir des conditions d'enregistrement idéales
en isolant l'espace d'enregistrement des sons extérieurs, en réduisant l'écho des sons intérieurs et en
permettant un positionnement facile des lumières au-dessus du sol.
La production sur site peut donner à une production cinématographique ou télévisuelle un plus grand
sentiment de réalisme ou une illusion de réalité.

Bien qu'il s'agisse d'un processus long et fatiguant, il offre en même temps la possibilité d'obtenir une qualité
technique et artistique maximale. En revanche, dans les dramatiques vidéo, les acteurs peuvent devoir
mémoriser leurs répliques et leurs actions pour une production complète. Éclairage, audio et maquillage, etc.
..........................................................................................................................Je dois travailler sur des plans
longs et des gros plans, ainsi que sur une variété d'angles de caméra différents.

Le meilleur éclairage est limité à un seul angle de caméra, mais lorsque les gens doivent être éclairés et
filmés sous trois ou quatre angles en même temps, comme c'est généralement le cas dans une production
vidéo à plusieurs caméras, le réalisateur doit alors faire quelques compromis.

Dans la production cinématographique, de nombreuses prises peuvent être nécessaires avant que le
réalisateur estime qu'il a la meilleure prise possible. Certaines scènes de films sont tournées des dizaines de
fois avant qu'un réalisateur ne soit satisfait. Dans les films, les scènes sont tournées sous différents angles et
à différentes distances et les monteurs de films peuvent choisir parmi plusieurs prises.

AVANTAGES :

1. Il n'est pas nécessaire que les scènes soient tournées dans l'ordre. La séquence se fera au moment du
montage.
2. Production moins chère car aucune personne supplémentaire n’est nécessaire pour la manipulation.
3. C'est simple : lorsque vous utilisez la technique multi-caméras, il peut être difficile de placer les
caméras là où l'éclairage n'affectera pas la prise de vue.
4. Pratique : tous les plans impliquant des talents/acteurs spécifiques (en commençant par les mieux
payés) doivent être tournés aussi près que possible dans le temps, en dehors de la séquence de script.
5. Toutes les prises de vue à un endroit particulier doivent être prises en même temps.
6. Réaliste : l'éclairage et le son peuvent être modifiés dans chaque plan, ce qui rend tout plus réaliste

4
1
 7. Tous les plans nécessitant un personnel de production spécifique doivent être tournés en même
temps.
8. M

DÉSAVANTAGES:

1. L'acteur ou le talent doivent toujours donner la même performance avec le même mouvement.
2. Prend du temps
3. Fatigant
4. Le mouvement de la caméra est très important.

TECHNIQUES DE TIR

Placement de la caméra : un aspect important du tournage avec une configuration à caméra unique est le
placement de la caméra. Examinez le décor avec lequel vous devez travailler et trouvez un angle qui
correspond à l'ambiance ou au ton de la scène. Par exemple, si vous filmez une conversation dramatique,
trouvez un angle de caméra capable de capturer le langage corporel des acteurs, ainsi que tous les accessoires
importants de la scène. Placez la caméra là où vous avez une ligne de vue dégagée sur l'action que vous
filmez.

Prises multiples : dans certains cas, vous devrez peut-être filmer une scène plusieurs fois sous différents
angles. Cela vous permet de modifier différents angles de caméra dans une scène, même si vous n'utilisez
qu'une seule caméra. Il est important que les acteurs jouent la scène de la manière la plus identique possible
aux autres prises, afin que le montage final donne l'impression qu'il a été filmé en même temps à l'aide de
plusieurs caméras. Il est également important que toute la garde-robe, le maquillage et l’éclairage soient
identiques tout au long de chaque prise.

Fixe ou mobile : les tournages avec une seule caméra peuvent impliquer des caméras fixes ou des caméras
mobiles. Par exemple, vous pouvez suivre des acteurs avec une caméra en mouvement, sur roues ou à main,
si les acteurs marchent ou sont en mouvement. Si les acteurs restent dans la même zone pendant la scène,
vous souhaiterez probablement utiliser une caméra fixe qui ne bouge pas. Cependant, vous pouvez
également utiliser une caméra portative ou mobile ; tout dépend de votre style de prise de vue et de votre
vision de la scène.

Autres conseils : lorsque vous filmez des scènes avec une configuration à caméra unique, vous filmerez

4
2
probablement des scènes dans le désordre dans l'ordre dans lequel elles apparaissent dans le script. Tournez
toutes les scènes avec des acteurs spécifiques, en particulier les acteurs les mieux payés, aussi près que
possible les uns des autres pour gagner du temps. Filmez également toutes les scènes dans un endroit
spécifique ou un décor spécifique aussi près que possible les uns des autres, afin de ne pas avoir à installer et
démonter le décor plusieurs fois.

SUJET 4 : PRISE DE VUE MULTI-CAMÉRA

Le multi-caméra est une méthode permettant de filmer des films en utilisant de nombreuses caméras
différentes. Les caméras sont placées à différents endroits afin d'obtenir une variété de prises de vue,
réduisant ainsi le temps de prise de vue. L’avantage d’utiliser plusieurs caméras est qu’il existe plusieurs
vues, ce qui permet de choisir parmi beaucoup plus de séquences. Un autre avantage est que tous les plans
sont filmés en même temps sous différents angles afin que rien ne soit déplacé. Contrairement à la
configuration d’une seule caméra, il n’est pas nécessaire de recréer la scène pour filmer encore et encore.

La première différence majeure entre un tournage multi-caméras et un tournage en extérieur avec une seule
caméra est le nombre de personnes impliquées. En théorie, une seule unité de caméra peut être composée
d'une seule personne remplissant les rôles de réalisateur, caméraman, preneur de son et reporter. Sur un
tournage multi-caméras, l'équipe est composée des caméramans, de l'équipe du son, de l'équipe d'éclairage,
du mixeur de vision, du contrôle de la vision, des ingénieurs, des opérateurs de bandes, du concepteur, des
constructeurs de décors, des costumes, du maquillage, du régisseur et des assistants, de la production.
l’équipe et les talents à l’antenne – les présentateurs.

Lors d'un tournage avec une seule caméra, vous pouvez risquer de vous présenter et d'espérer que cela se
produira – ou de le faire se produire. Un tournage multi-caméras nécessite toujours un haut degré de
planification, de coordination, de travail d'équipe et de communication.

Généralement, les deux caméras extérieures prennent des plans rapprochés ou des croisements des deux
personnages les plus actifs sur le plateau à un moment donné, tandis que la caméra centrale ou la caméra
prenant une prise de vue plus large (prise de vue principale) capture l'action globale et établit la géographie
de la scène.

En plus de gagner du temps de montage, les scènes peuvent être tournées plus rapidement car il n'est pas
nécessaire de rallumer l'éclairage ni de configurer un angle de caméra alternatif pour que la scène soit filmée

4
3
à nouveau sous un angle différent. Cela réduit également la complexité du suivi des problèmes de continuité
qui surviennent lorsque la scène est refilmée sous différents angles. Il est également vital pour la télévision
en direct, les informations du soir, les talk-shows, les sitcoms, les événements sportifs et les concerts de rock
sont tous filmés avec plusieurs caméras connectées à un mixeur vidéo et mixées sur une seule bande et
envoyées à la télévision via le câble ou les ondes. .Lors d'événements tels que le sport ou tout autre
événement de niveau méga, vous pouvez choisir parmi des dizaines de prises de vue de caméra. L’équipe de
production considère tous les angles possibles afin de pouvoir capturer chaque mouvement. En mode multi-
caméra, il y a moins de chances de rater une action.

Les sitcoms multi-caméras représentent l'approche la plus traditionnelle de la comédie télévisée, remontant à
des émissions comme The Dick Van Dyke Show, The Mary Tyler Moore Show, Three's Company, Family
Ties, Seinfeld et Friends. Les émissions multi-caméras contemporaines comme The Big Bang Theory ont
repris le flambeau de ces classiques.

AVANTAGES :

1. Rapide : les scènes peuvent être tournées beaucoup plus rapidement car il n'est pas nécessaire de
rééclairer ni de configurer des angles de caméra alternatifs pour que la scène soit à nouveau filmée
sous un angle différent.
2. Efficace : cette technique permet de gagner du temps d'édition car elle réduit la complexité du suivi
des problèmes de continuité.
3. Cohérent : maintenir la cohérence des feuilletons/programmes de diffusion en direct.
4. Plusieurs prises de vue sont obtenues en une seule prise.
5. La production prend moins de temps.

DÉSAVANTAGES:

1. Coûteux : (équipe, caméra, personnel de production, équipements) une plus grande équipe de
production est nécessaire.
2. Problème d'éclairage : l'éclairage est moins optimisé et doit fournir un compromis pour tous les
angles de caméra.
3. Manque de flexibilité : cela peut devenir compliqué lorsqu'on essaie de cacher des équipements à

4
4
 l'autre caméra, moins de flexibilité pour mettre les microphones, perches et autres équipements.
4. Si nous parlons d'ENG (collecte d'informations électroniques), la configuration de plusieurs caméras
est assez difficile.

TECHNIQUES DE TIR

Placement des caméras : La toute première chose que vous devez aborder avec votre configuration multicam
est le placement de vos caméras elles-mêmes. Si vous tournez une scène avec deux acteurs et que vous avez
3 caméras dessus, vous voudrez probablement un gros plan sur chaque acteur, puis un plan principal
large/moyen. Comme vous pouvez l'imaginer. Assurez-vous de ne jamais doubler votre couverture, quels
que soient les choix créatifs faits.

Éclairage : lorsque vous photographiez avec une seule caméra, votre configuration n'a naturellement
d'importance que pour l'angle particulier et la prise que vous exécutez, et lorsque vous effectuez une
couverture, vous pouvez apporter de petits ajustements à vos lumières (comme marcher dans une clé ou
remplir) comme nécessaire. Mais avec l’éclairage multi-caméras, tout change. Le moyen le plus simple
de maintenir une cohérence visuelle est d'installer vos lumières de la même manière qu'une pièce de
théâtre ou une sitcom. Par exemple, un éclairage par le haut (en installant des lumières sur un plafond ou
une grille) serait extrêmement préférable. éclairage à l'aide de stands traditionnels.

Faire correspondre les caméras : parmi les problèmes les plus courants et les plus problématiques qui
surviennent dans les configurations multicam (en particulier sur les films indépendants à petit budget), il
y a les caméras mal adaptées. Dans de nombreux cas, les petites productions ne souhaitent pas louer
deux ou trois caméras identiques, elles mélangent donc diverses caméras auxquelles elles ont accès afin
de compléter leur configuration multicaméra. Dans un monde idéal, vous voulez que chaque caméra soit
la marque et modèle exacts, ou à tout le moins la même marque. Par exemple, un Canon 5D MK II et un
Canon 7D correspondront bien mieux qu'un 7D et un Lumix GH4 puisque Canon et Lumix utilisent un
micrologiciel et une science des couleurs complètement différents. Même si vous photographiez avec
des appareils photo identiques, vous devez toujours être extrêmement soyez diligent en ce qui concerne
vos paramètres (profils de caméra, angle d'obturation, balance des blancs, etc.), car toute légère
différence dans les paramètres de votre caméra peut augmenter les efforts et le temps en post-production.

4
5
 UNITÉ 3 - POST-PRODUCTION

THÈME 1 : CONCEPT ET PROCESSUS DE MONTAGE VIDÉO

CONCEPT
Qu’est-ce que le montage vidéo ?

Le montage vidéo est le processus de manipulation et de réorganisation de plans vidéo pour créer une
nouvelle œuvre. Le montage est généralement considéré comme une partie du processus de post-
production – les autres tâches de post-production incluent le titre, la correction des couleurs, le mixage
sonore, etc.

De nombreuses personnes utilisent le terme montage pour décrire tout leur travail de post-production,
notamment dans des situations non professionnelles. CEPENDANT, nous utilisons le mot édition pour
désigner l'un des éléments suivants :

• Réorganiser, ajouter et/ou supprimer des sections de clips vidéo et/ou de clips audio.
• Application de la correction des couleurs, des filtres et d'autres améliorations.
• Création de transitions entre les clips.

OBJECTIFS DE L'ÉDITION

Il existe de nombreuses raisons de monter une vidéo et votre approche de montage dépendra du résultat
souhaité.
Avant de commencer, vous devez définir clairement vos objectifs d'édition, qui peuvent inclure l'un des
éléments suivants :

1. Supprimer les séquences indésirables

Il s’agit de la tâche d’édition la plus simple et la plus courante. De nombreuses vidéos peuvent être
considérablement améliorées en supprimant simplement les éléments défectueux ou indésirables.

2. Choisissez les meilleures images

Il est courant de filmer beaucoup plus de séquences que ce dont vous avez réellement besoin et de
choisir uniquement le meilleur matériel pour le montage final. Souvent, vous filmerez plusieurs versions
(prises) d’une prise de vue et choisirez la meilleure lors du montage.

4
6
3. Créer un flux

La plupart des vidéos ont pour objectif de raconter une histoire ou de fournir des informations. Le
montage est une étape cruciale pour garantir que la vidéo se déroule de manière à atteindre cet objectif.

4. Ajoutez des effets, des graphiques, de la musique, etc.

C’est souvent la partie « wow » du montage. Vous pouvez améliorer la plupart des vidéos (et vous
amuser beaucoup) en ajoutant des éléments supplémentaires.

5. Modifier le style, le rythme ou l'ambiance de la vidéo

Un bon monteur sera capable de créer des invites d’ambiance subtiles dans une vidéo. Des techniques
telles que la musique d’ambiance et les effets visuels peuvent influencer la réaction du public.

6. Donnez à la vidéo un "angle" particulier

La vidéo peut être adaptée pour soutenir un point de vue particulier, transmettre un message ou servir un
agenda.

TYPES D'ÉDITION

Bande à bande (linéaire)

Le montage linéaire était la méthode originale de montage de bandes vidéo électroniques, avant que le
montage sur ordinateur ne devienne disponible dans les années 1990. Même si ce n’est plus l’option
privilégiée pour les travaux les plus sérieux, elle a toujours sa place et reste la meilleure option dans
certains cas.

En montage linéaire, la vidéo est copiée sélectivement d'une bande à une autre. Cela nécessite au moins
deux machines vidéo connectées ensemble : l’une fait office de source et l’autre d’ enregistreur . La
procédure de base est assez simple :

1. Placez la vidéo à éditer dans la machine source et une cassette vierge dans l'enregistreur. 2. Appuyez
sur play sur la machine source et enregistrez sur l'enregistreur.

L'idée est d'enregistrer uniquement les parties de la bande source que vous souhaitez conserver. De cette
manière, les séquences souhaitées sont copiées dans le bon ordre de la bande originale vers une nouvelle
bande. La nouvelle bande devient la version éditée.

Cette méthode de montage est dite « linéaire » car elle doit être effectuée de manière linéaire ; c'est-à-
dire en commençant par le premier plan et en passant par le dernier plan. Si le monteur change d’avis ou
remarque une erreur, il est presque impossible de revenir en arrière et de rééditer une partie antérieure de

4
7
 la vidéo.

Numérique/informatique (non linéaire)

Dans cette méthode, les séquences vidéo sont enregistrées (capturées) sur le disque dur d'un ordinateur,
puis éditées à l'aide d'un logiciel spécialisé. Une fois le montage terminé, le produit fini est réenregistré sur
bande ou sur disque optique.

Le montage non linéaire présente de nombreux avantages significatifs par rapport au montage linéaire. Il
s'agit notamment d'une méthode très flexible qui vous permet d'apporter des modifications à n'importe quelle
partie de la vidéo à tout moment. C'est pourquoi on l'appelle « non linéaire » — parce que vous n'avez pas
besoin d'éditer de manière linéaire. L'un des aspects les plus difficiles de la vidéo numérique non linéaire est
la gamme d'options matérielles et logicielles disponibles. Il existe également plusieurs normes vidéo
courantes qui sont incompatibles les unes avec les autres, et la mise en place d'un système de montage
robuste peut s'avérer un défi.

Édition en direct

Dans certaines situations, plusieurs caméras et autres sources vidéo sont acheminées via une console de
mixage centrale et éditées en temps réel. La couverture télévisée en direct est un exemple de montage en
direct.

Le montage en direct est un sujet assez spécialisé et ne concernera pas la plupart des gens.

PROCESSUS D'ÉDITION

Le processus d'édition lui-même comporte en réalité 5 étapes :

1. LOGGING : La journalisation se produit lorsque les monteurs voient les images pour la première fois.
Ils l'enregistrent et organisent les clips dans des bacs (ou dossiers), puis étiquetent ces bacs en
conséquence. comme ils sont souvent hors séquence, il est plus facile de trouver des plans spécifiques
pendant le processus de montage.

2. PREMIER ASSEMBLAGE : Le premier assemblage est l'endroit où vous prenez toutes ces séquences
méticuleusement enregistrées et les organisez dans une chronologie cohérente avec le storyboard du
film. Pour les longs métrages, cela peut être une tâche ardue, donc pour le rendre plus gérable, les
monteurs interrompent souvent le processus en organisant chaque scène de manière autonome avant de
séquencer toutes les scènes ensemble.

3. COUPE RUGUEUSE : Avec la coupe brute, vous réduirez ce premier assemblage d'une longueur folle à
une première ébauche bien rangée. Cela signifie passer en revue toutes les différentes versions de

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 chaque prise et choisir la meilleure à conserver.

Ensuite, vous allez porter votre attention sur la structure et le rythme du film, en ajoutant des pauses, des
transitions, des titres, une narration factice et tout ce qui aidera à capturer et à transmettre les émotions
et les messages intégrés dans le récit. C'est généralement l'étape où le client peut examiner le
programme et avoir une assez bonne idée de la direction que prend la vidéo.
À ce stade, les changements doivent être soigneusement déterminés et discutés, car ils peuvent s’avérer
très coûteux.

après cette première étape d’approbation.

4. Fine Cut—Le montage fin est la prochaine version du programme qui a pris en compte tous les
changements, modifications et instructions de toutes les parties, y compris le monteur, le réalisateur et
les producteurs, ainsi que le client final. Le montage fin se concentre sur les détails de chaque scène du
premier montage. C'est la deuxième version, presque terminée, de la vidéo. À ce stade, les éditeurs et
les producteurs doivent recevoir l'approbation « Picture Lock », ce qui signifie qu'aucune modification
substantielle ne peut être apportée à la vidéo. « Picture Lock » signifie essentiellement qu'il est prêt à
être expédié à d'autres départements pour la touche finale (corrections des couleurs, effets spéciaux,
etc.) et qu'aucune modification supplémentaire de la chronologie ou du TRT (durée totale d'exécution)
ne peut être apportée.

5. Final Cut—Une fois le montage final approuvé par toutes les parties et finalisé, le projet est confié au
service du son pour les effets sonores et le mixage audio final. Le sous-titrage et le formatage de la
vidéo finale s'effectuent en conjonction avec le mixage sonore. Le projet est alors final et prêt à être
distribué.

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THÈME 2 : ÉDITION DE CONTINUITÉ

Assurer une continuité fluide et transparente entre les transitions est un élément très important pour que
les modifications passent inaperçues auprès du spectateur. C'est ce qu'on appelle l'édition de continuité
ou l'édition invisible.

Le montage en continuité est le style prédominant de montage cinématographique et de montage vidéo

dans le processus de post-production de la réalisation de films narratifs et de programmes télévisés. Le
but du montage en continuité est d'atténuer la discontinuité inhérente au processus de montage et
d'établir une cohérence logique entre les plans.

Le montage de continuité est le processus, dans la création cinématographique et vidéo, consistant à

combiner des plans plus ou moins liés, ou différents composants coupés d'un seul plan, en une séquence
de manière à attirer l'attention du spectateur sur une cohérence préexistante de l'histoire à travers les
deux. le temps et le lieu physique.Souvent utilisé dans les longs métrages, le montage en continuité, ou «
coupe vers la continuité », peut être contrasté avec des approches telles que le montage, avec lesquelles
le monteur vise à générer, dans l'esprit du spectateur, de nouvelles associations entre les différents des
plans qui peuvent alors être des sujets totalement différents, ou du moins des sujets moins étroitement
liés que ce qui serait requis pour l'approche de continuité.

En adhérant à un certain nombre de principes clés, le montage en continuité réussit à créer l'apparence
d'une action continue, à manipuler vos attentes et vos émotions en matière de visionnage, et à vous
positionner idéalement, en tant que spectateur, pour que vous vous impliquiez et vous engageiez dans
l'histoire.

Les techniques et principes clés utilisés dans l'édition de continuité sont :

1. Direction de l'écran : la correspondance de la direction de l'écran signifie faire correspondre la façon

dont un personnage (ou un objet) sort d'un plan et entre dans le plan suivant, réapparaissant là où le
public s'attend à le voir. En conséquence « le personnage qui sort tout droit du plan, doit entrer dans
le plan suivant qui suit son mouvement depuis la gauche, afin de ne pas donner l'impression qu'il est
revenu.

2. Règle des 180 degrés/Axe d'action : La règle des 180 degrés est une directive cinématographique qui
stipule que deux personnages d'une scène doivent maintenir la même relation gauche/droite l'un par
rapport à l'autre. Lorsque la caméra passe au-dessus de l’axe invisible reliant les deux sujets, on
appelle cela un franchissement de la ligne et la prise de vue devient ce qu’on appelle un angle
inversé. On pense généralement qu’inverser l’angle est désorientant et peut distraire le public de
l’intention de la scène.

3. Eyeline Match : Eye-line (ligne de vue) est une ligne imaginaire qui relie les yeux d'un sujet à tout
objet qui retient son attention dans le monde du cinéma. Si deux personnes se parlent, le visage ou

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 les yeux de l'autre personne sont souvent l'objet d'intérêt, de sorte que la ligne des yeux va des yeux
du personnage A au visage/aux yeux du personnage B. Il peut s'agir d'une personne regardant une
horloge, ou d'un chien, ou d'une œuvre d'art, etc.

Lorsque vous passez de la photo de la personne qui regarde hors de l'écran à la photo de son objet
d'intérêt, la ligne des yeux doit correspondre. Le public doit être capable de tracer la ligne imaginaire
depuis les yeux du sujet, en passant par le point de coupure et jusqu'à l'objet contenu dans le nouveau
plan. Si cette ligne ne se déroule pas correctement, alors le public aura l’impression que quelque
chose ne va pas.

4. Prise de vue/prise de vue inversée : Il s'agit d'un dispositif classique qui peut être utilisé de plusieurs
manières, mais qui est le plus souvent utilisé dans les séquences de dialogue de base. Le dialogue
commence par un double plan des participants à la scène. Le schéma de découpe commence alors
lorsqu'un personnage est montré en train de regarder (souvent hors écran) un autre personnage, et
dans le plan suivant, le deuxième personnage est ensuite montré regardant apparemment le premier.

5. Point de vue Cutting : il s'agit d'une variante de l'eyeline match. La structure est la même : un
personnage regarde hors de l'écran – nous passons ensuite à l'objet que le personnage regarde.
Cependant, ce qui distingue le point de vue, c'est que l'objet est montré du point de vue optique du
personnage, c'est-à-dire directement à travers les yeux du personnage. Cette technique particulière
est encore plus puissante en termes d’efficacité avec laquelle elle place le public dans la position du
personnage principal.

6. Match on Action : Le 'match d'action' : consiste à couper un mouvement ou un geste dans un plan et
à le reprendre dans le suivant sous un angle différent ou avec une distance différente par rapport au
sujet. Le spectateur, concentré sur l'action, serait enclin à accorder moins d'attention aux montages et
serait donc moins conscient du processus de montage.

7. ANGLES CORRESPONDANTS : lors du tournage de scènes de dialogue, l'équipe de production

filmera le plus souvent ce qu'on appelle des angles correspondants : couverture de chaque
personnage dans chaque type de plan où l'angle de la personne, sa taille dans le cadre, le schéma
d'éclairage et la l'accent mis sur les visages sont tous cohérents les uns avec les autres. Le gros plan
d'une personne ressemblera beaucoup à celui de l'autre personne, mais ils seront situés sur des côtés
opposés du cadre. Les compositions des plans correspondants se reflètent.

8. Son : Une bande originale de film comprend 4 catégories sonores : « … 1) les sons vocaux (dialogue
et narration), 2) les sons environnementaux (son ambiant, effets sonores et son Foley), 3) la musique
et 4) le silence. » La bande sonore, quelle qu'elle soit sous forme de dialogue, de narration vocale, de
musique, de son ou de silence, peut être utilisée efficacement pour relier deux ou plusieurs plans qui,
sans elle, pourraient ne pas sembler continus ou, du moins, pourraient ne pas avoir la même
continuité comme celle qu'ils auraient avec la bande sonore. Ainsi, la continuité entre les différents

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 plans serait favorisée par la présence d'un son qui débute dans un plan et se poursuit dans le ou les
suivants ;

THÈME 4 : PRÉTESTS ET ÉVALUATION

Les pré-tests sont des tentatives de recherche visant à prédire les performances de publicités/programmes
télévisés spécifiques en termes de goût, de motivation, etc. des membres du public. Différents types de
copie, longueur de copie, types de visuels, divers attraits et différents types d'approches fonctionneront
différemment pour différents produits et différents publics cibles. Les producteurs doivent donc finaliser
les meilleures options possibles, susceptibles de produire de meilleurs résultats que les autres. Les tests
préalables sont une sorte d’assurance contre les mauvaises erreurs. Il détermine la pertinence du
programme/de la publicité et de leurs composants individuels tels que le titre, les visuels, le corps du
texte et la mise en page, etc. Un tel test se limite principalement à la communication des messages
publicitaires. Les principales méthodes de pré-test comprennent :

Pilote de télévision

Un pilote de télévision (également connu sous le nom de pilote ou d'épisode pilote et parfois
commercialisé sous le nom de téléfilm) est un épisode autonome d'une série télévisée utilisé pour vendre
l'émission à un réseau de télévision. Au moment de sa création, le Le pilote est censé être un terrain
d'essai permettant d'évaluer le succès d'une série et constitue donc un épisode test d'une série télévisée
prévue. Il s'agit d'une première étape dans le développement d'une série télévisée. Dans le cas d'une série
télévisée à succès, le pilote est généralement le tout premier épisode diffusé de la série en question sous
son propre nom.

Test de dépistage

Une projection test est une projection en avant-première d'un film ou d'une émission de télévision avant
sa sortie générale afin d'évaluer la réaction du public. Le public des avant-premières est sélectionné
parmi un échantillon représentatif de la population et est généralement invité à remplir un questionnaire
ou à fournir des commentaires sous une forme ou une autre. Harold Lloyd est crédité d'avoir inventé le
concept, l'ayant utilisé dès 1928. Des projections tests ont été recommandées. même pour les cinéastes
débutants "même si un festival de cinéma approche à grands pas". Les retours d'une projection test
peuvent être utilisés pour modifier le film avant sa sortie. Cela peut être aussi simple que de changer le
titre du film (comme dans le cas du film qui est devenu Permis de tuer), ou cela peut être plus
substantiel. Il existe des cas où des projections tests ont incité les cinéastes à changer complètement la
fin d'un film.

Notation en ligne lors d'une projection de test

La notation en ligne est une technologie d'appareil permettant d'évaluer des programmes de radio et de

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télévision, des publicités, des vidéos, des films de cinéma et d'affaires ou de la musique. Les répondants
utilisent un appareil portable pour évaluer leur perception audiovisuelle en temps réel. Lorsqu'ils
reçoivent une publicité ou une émission de radio, ils évaluent à quel point ils aiment ce qu'ils regardent
et/ou écoutent actuellement ; les voyants vert, jaune et rouge indiquent comment la source est évaluée.
Les résultats sont transférés chaque seconde sur un PC et affichés sous forme de courbes sur un
graphique. Une évaluation des graphiques fournit une variété d'informations sur la structure dramatique
des stimuli audiovisuels étudiés et sur la façon dont les gens perçoivent ce qui se passe.

Tests de story-board

ces tests sont utilisés pour la télévision. Avant le tournage des programmes, des séries de story-boards de
plans importants dessinés à la manière de la bande dessinée sont créées. Ces storyboards sont transférés
sur des films fixes et la partie audio est enregistrée. Le public sélectionné voit la version synchronisée
des films fixes et de la bande audio au format diapositive et son. Les programmes télévisés peuvent ainsi
être évalués avant même leur préparation. Les tests de storyboard représentent une méthode d'évaluation
coûteuse, mais ils sont très éloignés de l'expérience réelle du visionnage de publicités télévisées. Ce n’est
donc pas la méthode d’évaluation la plus efficace.

Tests de laboratoire-

Lorsque nous regardons un programme particulier, nous réagissons et réagissons de plusieurs manières,
comme le haussement des sourcils, la dilatation de la pupille, d'autres mouvements oculaires, des
expressions faciales et des mouvements corporels. Des conditions de laboratoire spéciales sont créées
pour mesurer ces réponses corporelles. Ces conditions offrent aux chercheurs un environnement
hautement contrôlé pour effectuer le test. De tels tests peuvent mesurer l'attention, la compréhension et la
rétention du message. Une grande variété d’instruments et d’appareils sont utilisés à cet effet

Entretiens psychologiques approfondis

Lors d'entretiens psychologiques approfondis, l'équipe de recherche est capable d'aller au fond des
motivations, des opinions et des sentiments inconscients et cachés des clients potentiels. Les entretiens
offrent également l'avantage que les chercheurs peuvent tenir compte de la nature individuelle de nos
interviewés et y répondre de manière appropriée.

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