Lección 1:

Naturaleza y elementos de las artes gráficas/diseño

Objetivo
Al final de la lección, desafíate a ti mismo a crear un cartel aplicando los elementos de un
buen diseño utilizando varias herramientas gráficas.

Introducción

Los artistas gráficos utilizan cualquier combinación de medios y técnicas para crear su trabajo
mientras colaboran con escritores, editores, gerentes, especialistas en marketing y directores
de arte en todos los tipos de diseño gráfico. A menudo tendrán una base en bellas artes,
animación o arquitectura. La superposición de habilidades y aplicaciones permite encontrar
diseñadores gráficos que también trabajan como artistas gráficos e ilustradores (y viceversa).

El diseño gráfico es un campo en constante crecimiento y la demanda de diseñadores

especializados y capacitados va en aumento. Cuando buscas a la persona adecuada para
asumir un trabajo de diseño, conocer los diferentes tipos de diseño gráfico te ayudará a
identificar al especialista que necesitas.
Actividad
Actividad 1.
Más breve: esta actividad pondrá a prueba sus conocimientos sobre el simbolismo de líneas,
colores y formas aplicados en las artes.

Dirección: A continuación se muestran imágenes de elementos habituales de un buen diseño.

En el espacio provisto, describa brevemente su comprensión de dicho elemento, por qué es
significativo y simbólico aplicado en las artes. Y después de compartir sus pensamientos
sobre su importancia, escriba su opinión sobre por qué las líneas, los colores y las formas son

Líne
a

Colo
r
componentes importantes de las artes, sin duda, en las artes gráficas.
Escribe tu opinión aquí:

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electrónico de su instructor y al WoW BiPSU LMS con tecnología de Moodle.

Actividad 2.
Más breve: esta actividad pondrá a prueba su productividad y
habilidades de investigación.
Dirección: A continuación se muestran fotografías de logotipos populares en la industria.
Investiga el significado y la historia de cada logotipo y escribe tus hallazgos en los espacios
provistos. Al final de la actividad, escribe tu reflexión o conclusiones sobre cómo estos
logotipos te conmovieron como futuro artista gráfico o diseñador.

Logoti
po 1:

Recome
ndacione
s:
Logoti
po 2:

Recome
ndacion
es:

Logoti
po 3:

Recome
ndacion
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Escribe tu opinión aquí:

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electrónico de su instructor y al WoW BiPSU LMS con tecnología de Moodle.

Actividad 3.
Más breve: ¡Esta actividad pondrá a prueba tu destreza creativa!

Dirección: Suponiendo que está a punto de abrir un negocio en su ciudad natal y uno de los
requisitos para comenzar su operación y comercializarlo al público es el logotipo de su
negocio. En una hoja de papel o a través de formatos digitales, diseña el logo de tu negocio.
Describe el contexto o la historia de tu diseño, como el color, las líneas, las formas y otros
elementos incluidos en él.

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Análisis
Dirección: Responda las siguientes preguntas.
1. ¿Es necesario que los diseñadores gráficos estén arraigados en la cultura y la historia?
¿Por qué o por qué no?
2. La industria gráfica es hoy uno de los mercados emergentes en la sociedad. Teniendo en
cuenta el hecho de su alta demanda en la industria comercial y cinematográfica, ¿qué se
podría hacer para que la población equilibre la competencia entre diseñadores gráficos
profesionales y diseñadores no profesionales? Elaborar.

3. Análisis y reacción de fotografías. Analiza la foto de abajo. En los espacios

proporcionados, escribe tu reacción sobre su diseño. Sea constructivo.

—
COMENTARIOS | Envíe su respuesta para esta sección a la cuenta de Facebook
Messenger de su instructor o al sistema de gestión de aprendizaje de BiPSU con
tecnología Moodle para consultas y comentarios.
¿ Cómo fue la respuesta? La siguiente página le explicará más.
Abstracción

“Hay tres respuestas a una pieza de diseño: sí, no y ¡GUAU! Wow es al que hay
que aspirar”. -Milton Glaser

Entendiendo las artes gráficas

Las artes gráficas , una categoría de bellas artes, cubren una amplia gama de expresiones
artísticas visuales, típicamente bidimensionales, es decir, producidas sobre una superficie
plana. El término suele referirse a las artes que se basan más en la línea o el tono que en el
color, especialmente el dibujo y las diversas formas de grabado; A veces se entiende que se
refiere específicamente a grabado procesos, semejante
como línea
grabado, aguatinta, punta seca, aguafuerte, mezzotinta, monotipo, litografía y serigrafía
(serigrafía, serigrafía).

El arte gráfico incluye además caligrafía, fotografía, pintura, tipografía, gráficos por
computadora y encuadernación. También abarca planos y diseños dibujados para diseños
arquitectónicos y de interiores.

Diseño gráfico
¿Qué es el diseño gráfico?
Cuando piensas en diseño gráfico ¿qué te viene a la mente? ¿Una pintura? ¿Un libro? ¿Qué
tal un póster genial? Estas son sólo algunas de las imágenes mentales más comunes que
evocan las personas cuando se les pregunta sobre diseño gráfico. Sin embargo, ninguna de
estas imágenes proporciona una verdadera definición de diseño gráfico. Las pinturas, los
libros y los carteles son sólo “resultados” o “medios” del diseño gráfico. Si busca la definición
de diseño gráfico, lo más probable es que encuentre una definición genérica que no le
resulte útil.

Los diccionarios en línea definen el diseño gráfico como el arte o habilidad de combinar texto
e imágenes en anuncios, revistas o libros. Esta definición es cierta, pero no proporciona
mucho contexto. El diseño gráfico es una habilidad, pero no se limita a anuncios, revistas y
libros. El diseño gráfico puede ser físico, digital y cualquier punto intermedio. Debido a esta
abstracción y versatilidad, el diseño gráfico va mucho más allá de la simple combinación de
texto e imágenes.
El diseño gráfico se centra en comunicar un mensaje de forma visual. Cada proyecto en el
que trabaja un diseñador gráfico tendrá un mensaje único y un resultado deseado de ese
mensaje. El mensaje puede ser proporcionar información, invocar pensamientos, vender un
producto o incluso estimular una conversación significativa. El diseño gráfico está a tu
alrededor. Se trata de expresar una idea de la mejor manera utilizando la narración visual.
Esto puede parecer simple, pero requiere resolución de problemas, comunicación, atención,
paciencia y, lo más importante, una buena comprensión del resultado deseado del proyecto.

La popularización de las redes sociales y los avances tecnológicos han despertado la

curiosidad por el diseño gráfico. La capacidad de compartir información fácilmente está
llevando a que un número cada vez mayor de artistas busquen compartir su trabajo e
interactuar con nuevas audiencias. La tecnología brinda oportunidades para que los amantes
del arte más novatos compartan sus obras de arte. Desafortunadamente, la facilidad para
compartir información ha llevado a una sobresaturación de obras de arte en toda la
comunidad del diseño. La sobresaturación de obras de arte dificulta destacar y ganar
reconocimiento; haciendo que el estudio del diseño gráfico sea esencial para el éxito. Esta
serie servirá como una descripción general del diseño gráfico y los elementos del buen
diseño. Para comenzar, repasaremos algunos de los principales avances e inventos
históricos que llevaron al diseño gráfico moderno.
La historia del diseño gráfico
Las primeras
formas de
diseño gráfico se
encontraron en
las pinturas
rupestres
creadas
alrededor del
año 15.000 a.C.
Estas pinturas
fueron creadas
para contar
historias,
mantener
registros de
eventos y
brindar
información. Las
pinturas
rupestres
comenzaron
como figuras
lineales básicas,
pero se
expandieron
hasta convertirse en obras de arte detalladas a medida que pasaron los años. En algunas
partes del mundo todavía se pueden ver muchas pinturas rupestres originales. Las pinturas
rupestres eran útiles, pero carecían de una forma de transportar esa información a otros
lugares. Esto se resolvió en el año 105 d.C., cuando Ts'Ai Lun inventó el papel. Esto hizo
que transportar y distribuir documentos escritos y diversos tipos de obras de arte fuera más
fácil que nunca. También agregó más variedad a los tipos de tinta, pintura y otras
herramientas que podrían usarse para crear obras de arte. Finalmente, con la creación de
Movable Type por Johannes Gutenberg en 1450, teníamos todos los componentes clave
necesarios para el diseño gráfico moderno.

William Addison Dwiggins fue pionero en el diseño gráfico moderno. Fue diseñador
tipográfico en la década de 1920. Sus fuentes más famosas incluyen: Caravan Metro,
Electra, Caledonia, Eldorado y Falcon. Dwiggins continuó creando e innovando en la
comunidad del diseño hasta su muerte en 1956. Menos de una década después de la
muerte de Dwiggins, Douglas Engelbart inventó el ratón. Esta invención de un dispositivo
señalador de precisión allanó el camino para lo que sería la mayor innovación en
herramientas de diseño de esta generación: el Macintosh. Apple presentó el Macintosh en
1984. Esta fue la primera computadora con una interfaz fácil de usar. Poco después de la
invención de 1984, se introdujeron al mundo aplicaciones gráficas de Macintosh como
Photoshop e Illustrator. Desde la invención de estas aplicaciones, los diseñadores han
podido crear asombrosas obras de arte en una variedad de medios.
2010-2019: La evolución de las tendencias de diseño en la última década
Han pasado muchas cosas en estos años. La situación actual del diseño no siempre ha sido
así. De hecho, las tendencias van y vienen. Se adaptan a los cambios y experimentan
transformaciones alentadas por los desarrollos tecnológicos y las narrativas sociales.

Esto significa que el mensaje transmitido por los diseños está en constante cambio.

Las tendencias de diseño de la última década van del minimalismo y el diseño plano a
un enfoque mucho más arriesgado caracterizado por composiciones abstractas e
imposibles. Entonces, como puedes ver, no podemos negar que la evolución es real y
evidente.

2010: minimalismo, vintage y auge de las redes sociales

La tecnología experimentó un rápido crecimiento desde principios de siglo. En 2010, las
máquinas ya eran una parte esencial de nuestras vidas y estábamos en constante
interacción con Internet. Así, como reacción contra el mundo regido por los avances
tecnológicos, en el diseño gráfico se afianzan tendencias comprensibles y sencillas.

El minimalismo se convirtió en la principal tendencia en 2010. Combinado con colores

neutros, el minimalismo apunta a ofrecer un diseño limpio y sencillo, huyendo del caos y los
detalles.
Los estilos retro y vintage demostraron que lo viejo es el oro nuevo. Estas tendencias se
hicieron populares este año y nunca abandonaron la esfera del diseño durante toda la
década. Los diseños hipster también fueron populares durante este año.
Aparte del minimalismo, otros diseños optaron por composiciones potentes con colores y
estampados divertidos .

La aparición de nuevos dispositivos, como teléfonos inteligentes y tabletas, generó nuevas

necesidades. Además, la creciente importancia de las redes sociales, como Instagram, y
otras plataformas, como Dribble, ofrecieron una nueva forma de comunicación visual que
motivó a los diseñadores a crear cosas nuevas.

2011: Diseño responsivo, cintas y diagonales.

La principal tendencia de 2011 fue el diseño responsivo , una tendencia que apuntaba a
crear diferentes modelos adecuados para diversas interfaces. Obligó a los diseñadores a
reinventarse y pensar de manera innovadora para crear diseños que satisfagan las
necesidades del diseño responsivo.

Además, Adobe lanzó este año Creative Cloud, ofreciendo un mundo completamente nuevo
de posibilidades a los diseñadores.

Este año, las formas geométricas y simples ganaron popularidad.

Sin embargo, podríamos afirmar que las cintas fueron en realidad la tendencia dominante
del 2011. De repente, las páginas web y otros diseños se llenaron de este tipo de formas.
Las cintas se utilizaban generalmente para enmarcar un logotipo, el nombre de la marca o
una parte importante de la composición.
Aunque el minimalismo seguía presente, este año surgieron otras tendencias como el diseño
diagonal. El uso de diagonales contribuyó a aportar un caos particular a la composición,
manteniendo al mismo tiempo un aspecto sofisticado.

También destacaron los diseños con efecto de papel doblado. Pudimos ver muchos sitios
web incorporando este efecto, que creaba una sensación de realidad, en un intento de
aportar realismo a la pantalla.

2012: Tipografía, formas simples y Bauhaus

Cabe destacar en 2012 la aparición de una gran variedad de estilos tipográficos como
reacción a la neutralidad y falta de fuentes diferentes en la web.
La tipografía y la caligrafía manuscritas recibieron cada vez más atención y los
diseñadores comenzaron a crear sus propias fuentes en busca de autenticidad y

singularidad.
Además del estilo escrito a mano, otra tendencia tipográfica que se abrió paso en 2012
fueron las fuentes DIY , que se generaron mediante el uso de kits de construcción
modulares. Estas fuentes permitieron a los diseñadores crear letras con diferentes pesos y
colores. Las tipografías hechas a partir de objetos reales también se convirtieron en
tendencia este año.

Las formas simples también jugaron un papel protagonista como respuesta al exceso de
información. Siguiendo las tendencias minimalistas, muchos diseñadores utilizaron el estilo
muaré para crear diseños sencillos que recreaban una ilusión óptica.

No es de extrañar que la estética de la Bauhaus volviera a aparecer en 2012. Este estilo

utiliza el color como elemento de comunicación. Se trata de formas simples y bordes
angulares. El estilo Bauhaus también evolucionó hasta convertirse en una tendencia
tipográfica utilizando las características básicas de este movimiento.
En el campo de la tecnología y las herramientas, la llegada de HTML5 y CSS3 ofreció a los
diseñadores todo un nuevo mundo de posibilidades.

2013: diseño plano, infografías y espacios en blanco.

El diseño responsivo fue cada vez más popular y fomentó el surgimiento de otras
tendencias, como el diseño plano. Poco sabíamos entonces que resultaría ser una de las
tendencias más relevantes de la década.

El diseño plano se volvió popular en 2013 después de que marcas como Microsoft
cambiaran su enfoque y adoptaran el estilo plano para su nuevo sistema operativo Windows
8. Una de las razones por las que esta tendencia plana arrasó en el mundo es que está
formada por simples y dos Elementos dimensionales que ofrecen a los usuarios una
experiencia óptima y optimizada.

Este año también se utilizaron significativamente los espacios en blanco , así como los
retratos minimalistas.

2013 fue también el año de la infografía . La ventaja de las infografías es que son más
fáciles de entender y pueden recopilar mucha información en un espacio limitado
combinando texto e imágenes.
Aparte de estas tendencias, los diseñadores también se esforzaron por lograr la singularidad
y la autenticidad mediante el uso de fuentes y diseños dibujados a mano . En términos de
estilos tipográficos, los diseños retro se mantuvieron en los primeros puestos hasta 2013.
Además, este año pudimos ver una predilección por las fuentes sans serif , que eran
modernas y más atrevidas.

No podemos irnos de 2013 sin hacer referencia a Instagram y a la creciente popularidad

que han adquirido los filtros retro este año. Esta tendencia finalmente influyó también en
los diseños, especialmente el año siguiente.

2014: Low poli, colores neón y sombra larga.

Seguimos viendo algunas de las principales tendencias de 2013, como el responsive design
–que acaparó la mayor parte de los proyectos de los diseñadores–, el diseño plano y el
minimalismo.

La tipografía estaba en constante cambio y evolución. Los diseños de 2014 optaron por
fuentes sans serif y más grandes , a veces combinadas con fuentes manuscritas .

El campo del diseño estuvo influenciado por los filtros retro de Instagram. Muchos diseños
adoptaron este look retro inspirado en las versiones de funk, pop y jazz de los años 70 y 80.

Coloridos diseños geométricos (low poli) y colores neón surgieron tímidamente,

rompiendo con el esquema de los últimos años y convirtiéndose en el punto de partida para
los siguientes.
En diseño, la mayoría de las tendencias nacen como reacción a las tendencias actuales. Por
tanto, no es de extrañar que el diseño plano también fuera víctima de este deseo de cambio.
Es el caso del efecto de sombra larga (más tarde conocido como Diseño plano 2.0),
impulsado por el lanzamiento de Material Design de Google en 2014.
2015: Doble exposición, pasteles y lettering.
2015 fue una época de cambios. Surgieron tendencias nuevas y revolucionarias que
allanaron el camino hacia una comprensión moderna del diseño.

Este año entran en el ámbito del diseño técnicas innovadoras y originales, como el efecto de
doble exposición . La ilustración comenzó a recibir una atención cada vez mayor y fue

reemplazada imagenes de archivo

Una de las tendencias más rompedoras de 2015 fue la integración de vídeos como fondo
de páginas web. Este logro contribuyó significativamente a la concepción del diseño web.

El efecto Paisley pop le dio un aspecto retro al año 2015. En cuanto a los colores, los
pasteles brillantes se convirtieron en la opción favorita de los diseñadores.

En cuanto a la tipografía, es en este año cuando aparecen fuentes gratuitas como Google
Fonts o Typekit, poniendo al alcance de todos muchos estilos diferentes. El lettering surgió
como una nueva forma de incluir texto en los diseños, mientras que los tipos de letra
escritos a mano y las combinaciones de fuentes todavía estaban de moda en 2015.
2016: Diseño plano 2.0, risógrafo y movimiento.
El diseño plano 2.0 tuvo un poder de permanencia cada vez mayor. Llegó como una
extensión del diseño plano y luego evolucionó hacia esta nueva versión que incorpora
juegos de profundidad, movimiento y color. Un ejemplo de la transición del diseño plano son
los diseños inspirados en Monument Valley.

En 2016 surgieron diseños con colores vivos combinados con pasteles, dejando atrás la

neutralidad original del minimalismo.

La tipografía nunca deja de evolucionar. Los diseñadores querían diferenciarse a través de
la tipografía y ser originales. Herramientas como Glyphs facilitaron la generación de nuevas
fuentes. En 2016, existe una preferencia por los tipos de letra en negrita y las combinaciones
de fuentes. Sorprendentemente, las fuentes serif comenzaron a aparecer en algunos
diseños.

Como un intento de recuperar las técnicas tradicionales, los diseños inspirados en

estampados se convirtieron en tendencia en 2016. Estos diseños imitaban el efecto
risógrafo -un proceso de impresión convencional- e incorporaban colores y texturas
llamativas y neón.
Los diseñadores también experimentaron con el movimiento , gracias a la animación 2D.
De hecho, añadir movimiento a imágenes e ilustraciones resultó ser una forma eficaz de
captar la atención de los usuarios.

A diferencia de las composiciones limpias y minimalistas, en el ámbito del diseño se abrieron

paso ilustraciones divertidas (incluso infantiles para algunos). Un claro ejemplo de ello es
la renovada imagen de marca adoptada por Dropbox este año.

Los diseños retro todavía estaban ahí, pero experimentaron algunas actualizaciones en
2016, tomando prestada la estética de los años 80, 90 y el estilo Memphis. Como resultado,
las composiciones retro se llenaron de colores brillantes, formas geométricas y pixel art.

2017: Duotonos, geometría y retro wave

2017 fue un año interesante. Aunque algunas de las tendencias de 2016 se materializaron
este año, la esfera del diseño experimentó nuevas influencias que gradualmente ganaron
popularidad en los años siguientes. Estos cambios se vieron favorecidos principalmente por
nuevos logros tecnológicos, como la mejora de la resolución de las pantallas, que
repercutieron en el uso de los colores.

De repente, los diseñadores activaron el modo de color en sus composiciones, creando

combinaciones brillantes y vívidas.Los duotonos y los degradados fueron los principales

influencers en 2017. De hecho, marcas conocidas como Spotify o Instagram actualizaron su

imagen utilizando muchos colores.
Las formas, patrones y líneas geométricas le dieron un aspecto moderno a 2017. Este
paso hacia composiciones más modernas también estuvo influenciado por los diseños 3D ,
que propiciaron la aparición de composiciones abstractas en los años siguientes.
Las combinaciones de fuentes se mantuvieron como tendencia, aunque esta vez los
diseñadores fueron más allá de los límites y comenzaron a combinar fuentes con imágenes
para conseguir composiciones únicas.

Parecía que el minimalismo ya había quedado atrás. Se prefirieron diseños caóticos , que
excedieran los límites y estuvieran llenos de detalles. Las combinaciones de imágenes
dieron lugar a la aparición de collages, composiciones vivas y dinámicas que fueron
felizmente adoptadas por muchos diseños de carteles de 2017.

El estilo retro también se abrió paso este año. Sin embargo, los diseños retro de 2017
presentaron un aspecto moderno. Esta vieja tendencia se materializó en diseños inspirados
en la retrowave y el brutalismo. Retro wave es un estilo que combina elementos ochenteros
con colores neón y fondos con palmeras que evocan el estilo Miami. Por otro lado, el
brutalismo recuperó la estética de principios de los 90, especialmente las características de
las páginas web.

2018: Glitch, papercut y composiciones caóticas

Las tendencias de este año revelan que los diseñadores sólo quieren divertirse. 2018 dio la
bienvenida a tendencias y técnicas nuevas e innovadoras que introdujeron el caos y una
visión futurista. La tendencia de diseño más candente este año fue la experimentación. Los
diseñadores optaron por composiciones divertidas combinando diferentes elementos, como
fuentes, imágenes y diseños.

Efectos como glitch y doble exposición ganaron popularidad en 2018. Más allá de ser
tendencias, estos estilos desafiaron a los diseñadores a jugar con conceptos y dejar volar la
imaginación.

El caos que dominó las composiciones de 2017 también estuvo presente este año y se
extendió a la tipografía , dando lugar a composiciones dinámicas y vívidas. Otro estilo
tipográfico de moda del año fue el estilo artístico que permitió a los diseñadores jugar con
las fuentes y hacerlas parecer rotas, fragmentadas o en movimiento.

Es en 2018 cuando vimos por primera vez elementos metálicos en los diseños. Este efecto
metálico normalmente se combinaba con colores vivos y efectos 3D . También es un claro
ejemplo de que las tendencias se fueron alejando de los diseños simples y planos y
evolucionaron hacia composiciones más complejas y detalladas.
Estilos como el papercut o el diseño isométrico también estuvieron presentes en los
diseños de este año. Y, por supuesto, el estilo retro evolucionó hacia un look moderno ,
convirtiéndose en una de las tendencias favoritas de los diseñadores.

2018 mostró su lado más artístico con diseños que combinaban ilustraciones dibujadas
a mano con imágenes . La unión de estos elementos dio lugar a composiciones imposibles
que permitieron a los diseñadores romper con los conceptos tradicionales del diseño y la
fotografía.
2019: antigravedad, efecto líquido y amarillo generación Z
La experimentación va en aumento. 2019 fue testigo de la llegada de tendencias de diseño
que buscaban diferenciarse del resto e innovar.

El efecto 3D jugó el papel principal este año y abrió el camino para nuevos efectos. Los
diseñadores prefieren composiciones caóticas y abiertas , que desafíen la imaginación de
los usuarios.

El efecto metálico también fue tendencia en 2019 y evolucionó hacia otras formas como
efectos iridiscentes , antigravedad y líquidos . Todas estas innovaciones demuestran que
el diseño se adaptó a las narrativas sociales del momento, optando por composiciones

dinámicas y caóticas en la búsqueda de la libertad.

Como resultado de la experimentación surgieron diseños que combinan realismo con
diseño plano y conceptos como la realidad aumentada entraron en el mundo del diseño.

Las ilustraciones de 2019 también presentaron algunas diferencias con respecto a años
anteriores. Piense en composiciones ruidosas, lúdicas, con proporciones y dinamismo
exagerados . Otra tendencia de diseño que ya conocemos es la temática de la naturaleza .
Muchos diseños e ilustraciones incluyen flores y hojas en diferentes estilos.

El diseño está cambiando y la sociedad también. Las nuevas generaciones están

transformando concepciones actuales y estableciendo reglas que las generaciones
anteriores no exploraron. Ese es el caso del amarillo generación Z , un color brillante y
atrevido que tuvo protagonismo en muchas composiciones y tendencias de moda de 2019.
Tipos de artes gráficas
El diseño gráfico utiliza composiciones visuales para resolver problemas y comunicar ideas a
través de tipografía, imágenes, colores y formas. No existe una única forma de hacerlo y por
eso existen varios tipos de diseño gráfico, cada uno con su propia área de especialización.

Aunque a menudo se superponen, cada tipo de diseño gráfico requiere un conjunto

específico de habilidades y técnicas de diseño. Muchos diseñadores se especializan en un
solo tipo; otros se centran en un conjunto de tipos similares y relacionados. Pero debido a
que la industria cambia constantemente, los diseñadores deben ser adaptables y aprender
durante toda la vida para poder cambiar o agregar especializaciones a lo largo de sus
carreras.
1. Diseño Gráfico de Identidad Visual
Una marca es una relación entre una empresa u organización y su audiencia. Una
identidad de marca es la forma en que la organización comunica su personalidad,
tono y esencia, así como recuerdos, emociones y experiencias. El diseño gráfico de
identidad visual es exactamente eso: los elementos visuales de la identidad de marca
que actúan como la cara de una marca para comunicar esas cualidades intangibles a
través de imágenes, formas y colores.

2. Diseño Gráfico Marketing y Publicidad

Los diseñadores de marketing trabajan con propietarios, directores, gerentes o
profesionales de marketing de empresas para crear activos para las estrategias de
marketing. Pueden trabajar solos o como parte de un equipo interno o creativo. Los
diseñadores pueden especializarse en un tipo específico de medio (rotulaciones de
vehículos o anuncios de revistas, por ejemplo) o crear una amplia variedad de
material publicitario para impresión, digital y más. Aunque tradicionalmente se
imprime Centrado, este tipo de diseño ha crecido para incluir más activos digitales,
especialmente para su uso en marketing de contenidos y publicidad digital.

3. Diseño gráfico de interfaz de usuario

Una interfaz de usuario (UI) es la forma en que un usuario interactúa con un
dispositivo o aplicación. El diseño de UI es el proceso de diseñar interfaces para que
sean fáciles de usar y proporcionen al usuario experiencia amigable.

Una interfaz de usuario incluye todas las cosas con las que interactúa un usuario (la
pantalla, el teclado y el mouse), pero en el contexto del diseño gráfico, el diseño de la
interfaz de usuario se centra en la experiencia visual del usuario y el diseño de
elementos gráficos en pantalla como botones, menús, micro. -interacciones y más. El
trabajo de un diseñador de UI es equilibrar el atractivo estético con la funcionalidad
técnica.

Los diseñadores de UI deben trabajar en equipo y contar con habilidades serias de

diseño gráfico y una excelente comprensión de los principios de UI/UX, el diseño
responsivo y el desarrollo web. Además de las aplicaciones gráficas, necesitan
conocimientos de lenguajes de programación como HTML, CSS y JavaScript.

4. Diseño gráfico de publicaciones

Los diseñadores gráficos que se especializan en publicaciones trabajan con editores
y editoriales para crear diseños con tipografía cuidadosamente seleccionada y obras
de arte que las acompañan, que incluyen fotografías, gráficos e ilustraciones. Los
diseñadores de publicaciones pueden trabajar como autónomos, como miembros de
una agencia creativa o internamente como parte de una empresa editorial.
5. Diseño Gráfico de Empaques
Los diseñadores de envases crean conceptos, desarrollan maquetas y crean
archivos listos para imprimir para un producto. Esto requiere un conocimiento experto
de los procesos de impresión y una profunda comprensión del diseño y la fabricación
industriales. Debido a que el diseño de empaques abarca tantas disciplinas, no es
raro que los diseñadores se encuentren creando otros activos para un producto,
como fotografías, ilustraciones e identidad visual.

Los diseñadores de envases pueden ser expertos en todo o especializarse en un tipo

específico de envase (como etiquetas o latas de bebidas) o en una industria
específica (como alimentos o juguetes para niños). Su trabajo requiere habilidades
conceptuales y de resolución de problemas de primer nivel, además de un sólido
conocimiento práctico de impresión y diseño industrial. Deben ser flexibles para
satisfacer las demandas de clientes, comercializadores y fabricantes y estar al tanto
de las tendencias actuales.

6. Diseño gráfico en movimiento

Los gráficos en movimiento son gráficos que están en movimiento. Esto puede incluir
animación, audio, tipografía, imágenes, video y otros efectos que se utilizan en los
medios en línea, la televisión y el cine. La popularidad del medio se ha disparado en
los últimos años a medida que la tecnología mejoró y el contenido de vídeo se
convirtió en el rey.

El “diseñador de gráficos en movimiento” es una especialidad algo nueva para los

diseñadores. Formalmente reservados para la televisión y el cine, los avances
tecnológicos han reducido el tiempo y los costos de producción, haciendo que esta
forma de arte sea más accesible y asequible. Ahora, los gráficos en movimiento son
uno de los tipos de diseño más nuevos y se pueden encontrar en todas las
plataformas digitales, lo que ha creado todo tipo de nuevas áreas y oportunidades.

Los diseñadores de gráficos en movimiento comienzan desarrollando guiones

gráficos y luego dan vida a sus conceptos con animación, video y arte tradicional.
Dependiendo de la industria, un sólido conocimiento práctico de marketing,
codificación y modelado 3D puede ser una ventaja definitiva.

7. Diseño Gráfico Ambiental

El diseño gráfico ambiental conecta visualmente a las personas con los lugares para
mejorar su experiencia general al hacer que los espacios sean más memorables,
interesantes, informativos o más fáciles de navegar.

El diseño gráfico ambiental es una práctica multidisciplinar que fusiona el diseño

gráfico, arquitectónico, de interiores, paisajístico e industrial. Los diseñadores
colaboran con personas en cualquier número de estos campos para planificar e
implementar sus diseños. Por esta razón, los diseñadores suelen tener educación y
experiencia tanto en diseño gráfico como en arquitectura. Deben estar familiarizados
con los conceptos de diseño industrial y ser capaces de leer y dibujar planos
arquitectónicos.

8. Arte e Ilustración para Diseño Gráfico

El arte gráfico y la ilustración a menudo se consideran lo mismo que el diseño
gráfico, sin embargo, son muy diferentes. Los diseñadores crean composiciones para
comunicar y resolver problemas, los artistas gráficos e ilustradores crean obras de
arte originales. Su arte adopta diversas formas, desde bellas artes hasta decoración
e ilustraciones narrativas.
Elementos de un buen
diseño

Crear un hermoso diseño es más que inspiración o una gran idea, se trata de comprender
los fundamentos del tema. Aunque es posible pasar años estudiando los matices del diseño
y las diferentes formas de tener éxito en él, hay uno o dos elementos básicos que todo
diseñador debe conocer antes de comenzar cualquier proyecto. Incluso los aficionados en el
campo que mantienen blogs personales o que sólo lo convierten en un pasatiempo pueden
utilizar estos diez consejos siguientes para crear piezas de apariencia profesional, y
cualquiera que tenga la intención de ganar dinero con el esfuerzo debe conocerlos. Las
reglas fueron hechas para romperse, por supuesto, pero primero hay que saber cuáles son.

1. Línea.
El primer y más básico elemento de diseño es el de la línea. En dibujo, una línea es el
trazo de un bolígrafo o lápiz, pero en diseño gráfico, son dos puntos cualesquiera
conectados. Las líneas son útiles para dividir el espacio y atraer la atención hacia un
lugar específico. Por ejemplo, piense en cómo una revista utiliza líneas para separar el
contenido, los titulares y los paneles laterales.

2. Color.
El color es uno de los elementos más obvios del diseño, tanto para el usuario como para
el diseñador. Puede estar solo, como fondo o aplicarse a otros elementos, como líneas,
formas, texturas o tipografía. El color crea un ambiente dentro de la pieza y cuenta una
historia sobre la marca. Cada color dice algo diferente y las combinaciones pueden
alterar aún más esa impresión.

3. Forma.
Las formas, geométricas u orgánicas, añaden interés.Las formas se definen mediante
límites, como líneas o colores, y a menudo se utilizan para enfatizar una parte de la
página. En última instancia, todo es una forma, por lo que siempre debes pensar en
términos de cómo los diversos elementos de tu diseño crean formas y cómo esas formas
interactúan.
4. Espacio.
El espacio negativo es uno de los aspectos más comúnmente infrautilizados e
incomprendidos del diseño de una página. Las partes del sitio que se dejan en blanco,
ya sea blanco o de otro color, ayudan a crear una imagen general. Utilice el espacio
negativo para crear formas como lo haría con cualquier otro elemento.

5. Textura.
Es contrario a la intuición pensar en la textura cuando la pieza nunca será tocada. Sin
embargo, los sitios web y el diseño gráfico se basan en la apariencia y la impresión de la
textura en la pantalla. Las texturas pueden crear una apariencia más tridimensional en
esta superficie bidimensional. También ayuda a construir un mundo inmersivo.

6. Tipografía.
Quizás la parte más importante del diseño gráfico y web sea la tipografía. Al igual que el
color, la textura y las formas, las fuentes que utilizas les dicen a los lectores que eres
una revista de noticias en línea seria, un blog de comida divertido o una tienda de latas
de té antiguas. Las palabras son importantes, pero el estilo de las palabras es
igualmente esencial.

7. Escala (Tamaño).
Jugar con la escala y el tamaño de tus objetos, formas, tipos y otros elementos añade
interés y énfasis. ¿Qué tan aburrido sería un sitio web simétrico con todos los
ingredientes de tamaño similar? Muy. Pero la cantidad de variación dependerá en gran
medida del contenido que contenga. Las diferencias sutiles se adaptan al contenido
profesional, mientras que las audaces prefieren empresas creativas.

8. Dominio y Énfasis.
Si bien se puede hablar de enfatizar una cosa u otra, el elemento de énfasis tiene más
que ver con que un objeto, color o estilo domine a otro para lograr una mayor sensación
de contraste. El contraste es intrigante y crea un punto focal.

9. Balance.
Hay dos escuelas de equilibrio: simetría y asimetría. Si bien la mayoría de los
diseñadores, artistas y personas creativas prefieren la asimetría por su naturaleza
llamativa, la simetría tiene su lugar. A veces.

10. Armonía.
La armonía es "el objetivo principal del diseño gráfico", según Alex White, autor de "Los
elementos del diseño gráfico". Entonces sabes que debe ser importante. La armonía es
lo que se obtiene cuando todas las piezas funcionan juntas. Nada debería ser superfluo.
Un gran diseño es suficiente y nunca demasiado. Asegúrese de que todos los detalles
concuerden entre sí antes de considerar el proyecto completo.

Hay cientos de reglas y muchos más elementos cuando se trata de crear hermosos diseños
dentro y fuera de la web, pero estos diez son los elementos básicos que garantizarán que
todo lo que crees sea atractivo, profesional y perfecto.
Aplicaciones para Diseño Gráfico
En esencia, el diseño gráfico es el arte o habilidad de combinar texto e imágenes en
anuncios, revistas o libros.

También conocido como comunicación visual, diseño de comunicación y diseño comercial, el

diseño gráfico moderno nació a principios del siglo XX. La piedra de toque es la señalización
creada en 1936 para el metro de Londres, considerada una obra maestra de la era moderna.
Utilizó un tipo de letra desarrollado específicamente para el proyecto por Edward Johnston y
todavía se utiliza en la actualidad.

Mira a tu alrededor. El diseño gráfico está en todas partes, desde los envoltorios de las
barras de chocolate hasta el logotipo de tu taza de café favorita. De hecho, ves cientos de
ejemplos de diseño gráfico todos los días y la mayoría de las veces no te das cuenta.

El diseño gráfico puede cumplir muchas funciones. Algunos de los usos del diseño gráfico
incluyen:

• Señalización
• Identidad corporativa/marca
• Envases (desde botellas de agua hastaaccesorios)
• Materiales impresos (libros, folletos, revistas, periódicos)
• Arte en línea (banners, blogs, sitios web)
• portadas de álbumes
• Títulos y gráficos de cine y televisión.
• Diseños de camisetas y ropa.
• Tarjetas de felicitación

Se espera que los artistas gráficos que solicitan puestos en el mercado laboral actual estén
familiarizados con las computadoras y una variedad de programas de software para crear los
diseños más atractivos y actualizados.

El software de artes gráficas incluye aplicaciones como:

• Adobe Dreamweaver – una herramienta que facilita la creación de páginas web y
contenido dinámico de Internet
• Adobe Illustrator : una aplicación de software que permite a los artistas manipular
gráficos vectoriales
• Adobe InDesign : software de autoedición utilizado para maquetación y manipulación
de diseños.
• Adobe Photoshop : un software de gráficos de mapas de bits que incluye potentes
herramientas de edición de gráficos que proporcionan una gran variedad de
funciones de edición.
• CorelDRAW : similar a Adobe Illustrator, es otra herramienta de manipulación de
gráficos vectoriales.
• PhotoImpact : un editor de fotografías digitales
• QuarkXPress : similar a Adobe InDesign, es otra herramienta de software de
publicación por computadora.

Los diseños pueden simplificar o alterar

En algunas ocasiones, como en el diseño de señalización, el diseño gráfico debe
proporcionar formas muy claras y sencillas de transmitir información. El mapa del metro de
Nueva York es un excelente ejemplo de esto. El diseño simplifica algo bastante complejo, lo
que facilita la navegación y el acceso a
tu destino. Si el diseño fuera demasiado complejo o artístico, impediría el funcionamiento del
mapa, haciéndolo inútil.

En otros casos, el diseño puede ir en la dirección opuesta. Puede ser discordante, difícil de
leer o hacer una declaración que lleve un tiempo comprender. Esto se ve a menudo en las
ilustraciones de las portadas de los álbumes, así como en los diseños de carteles, tarjetas
de felicitación y otras formas de diseño disruptivo.

Diseño en un mundo digital

Cada vez más, el diseño gráfico y el diseño web van de la mano. Las revistas deben tener
presencia en línea, al igual que los periódicos, las tiendas de comestibles, los hospitales y
otros tipos de empresas e instituciones. Por lo tanto, los diseñadores gráficos deben crear y
mantener una apariencia consistente en muchas disciplinas. En la mayoría de los casos, el
diseño digital guía cómo se crea y ejecuta el resto de la identidad.

El diseño gráfico no es sólo bonito o por bonito. Es una parte crucial del comercio y la vida.

Cinco diseñadores gráficos notables

Es imposible considerar el diseño gráfico sin hacer referencia a algunos de los grandes de la
industria. Si bien hay cientos de diseñadores talentosos a lo largo del tiempo, los siguientes
cinco hombres crearon trabajos que definen la industria:

1. Saul Bass: Si alguna vez has visto una película de Hitchcock, es probable que
conozcas las habilidades de diseño de Saul Bass. Su trabajo en North by Northwest
y Psycho fue realmente excepcional, al igual que otros trabajos para directores como
Billy Wilder, Stanly Kubrick y Otto Preminger. Bass también es responsable de
algunos de los logotipos más famosos de la historia de la marca, incluidos Bell
System, AT&T, Continental Airlines y United Airlines.

2. Paul Rand: Mejor conocido por su trabajo en el logotipo de IBM, Paul Rand (nacido
como Paul Rosenbaum) fue una potencia creativa que dio identidad a muchas
marcas. Quizás la historia más famosa sobre esto giró en torno al fallecido Steve
Jobs y su empresa NeXT. Jobs se acercó a Rand y le pidió un logotipo, esperando
que le ofreciera varias opciones. Rand dijo: "No, resolveré tu problema y tú me
pagarás. No es necesario utilizar la solución. Si quieres opciones, ve a hablar con
otras personas". Jobs no hablaba con otras personas y pagó Rand 100.000 dólares
por su trabajo.

3. Milton Glaser: Glaser es famoso por dos piezas icónicas de diseño gráfico: el
logotipo I ❤ NY y el póster psicodélico con la foto en la cabeza de Bob Dylan, que
hizo en 1966 para el álbum Greatest Hits de Dylan. En 2009, Glaser recibió la
Medalla Nacional de las Artes de manos del presidente Barack Obama. El trabajo de
Glaser sigue influyendo en los diseñadores hasta el día de hoy.

4. Alan Fletcher: Como uno de los socios fundadores de Pentagram, Fletcher no sólo
es considerado uno de los mejores diseñadores de su generación sino de cualquier
generación. Su trabajo abarca décadas y es un ejercicio de simplicidad, pensamiento
inteligente y eufemismo. Su trabajo en el Victoria and Albert Museum de Londres, el
principal museo de arte y diseño del mundo, luce tan bien hoy como en 1989, cuando
lo creó por primera vez.
 5. Herb Lubalin: Si el nombre te suena familiar, es casi seguro que has utilizado la
fuente Lubalin en algún momento de tu carrera. Herb Lubalin fue un diseñador y
tipógrafo excepcional que creó muchas fuentes que todavía se utilizan ampliamente
en la actualidad. Sus creaciones tipográficas incluyen ITC Avant Garde, Lubalin
Graph e ITC Serif Gothic. Su logo para la revista Mother & Child se considera una
obra maestra.

Carreras
Una de las carreras profesionales más comunes para un artista gráfico en la actualidad es el
diseño web. Con la popularidad de la World Wide Web, la demanda de diseñadores web es
inmensa. Los artistas gráficos utilizan su creatividad con diseños, tipografía y logotipos para
comercializar los productos o servicios del negocio del cliente. Además de crear diseños
gráficos, los artistas gráficos también necesitan comprender el hipertexto, la programación
web y el mantenimiento de páginas web para crear una página web con éxito. La
responsabilidad de una comunicación eficaz también recae en el diseñador gráfico.

Solicitud
Ejercicio 1.
Dirección: Apliquemos lo que has leído en la sección de abstracción. Suponiendo que usted
es un profesor en ejercicio en Tecnología y Educación sobre Medios de Vida en el
departamento de Escuela Secundaria en una especialización de su elección (puede ser en
Prendas de Vestir, Artesanía, Metalurgia, Cerámica, etc.), cree un cartel que destaque una
lección particular de su elección con respecto a -à-vis a la especialización que se utilizará
como herramienta de instrucción. El cartel debe contener elementos destacados de un buen
diseño y contextualizados con textos educativos acordes a la lección de su elección.

COMENTARIOS | ¿Ya terminaste? Envíe su resultado a la dirección de correo

electrónico de su instructor y al WoW BiPSU LMS con tecnología de Moodle.

Pon a prueba tu comprensión

Instrucciones generales:
1) La evaluación busca que crees un cartel aplicando los elementos de un buen diseño
utilizando diversas herramientas gráficas.
2) El tema del cartel es “Ley de matrícula gratuita en Filipinas”. Por lo tanto, el contenido
debe enfatizar todo lo relacionado con el tema según fuentes legítimas.
3) Al tratarse de un cartel, se debe comunicar adecuadamente la coherencia y
relatividad de la idea principal frente a la aplicación de elementos de buen diseño.
4) Y finalmente, envíe el póster en el sistema de gestión de aprendizaje BiPSU.
5) Envíe el enlace de su resultado y copia sin formato a la dirección de correo
electrónico de su instructor. Se recomienda practicar la decencia y el decoro en línea.

Calificación de la producción:
1) Diseño y contenido del texto. 30 puntos
Los estudiantes brindan análisis y presentaciones integrales sobre el tema con
coherencia y relatividad. El resultado está libre de todo tipo de errores gramaticales.
Por lo tanto, el resultado debe transmitir y facilitar la comunicación.
2) Diseño visual y atractivo. 70 puntos
El resultado se publica o publica de manera atractiva y apropiada para el público
objetivo de acuerdo con los elementos de un buen diseño. El estudiante selecciona e
inserta
 gráficos y multimedia de alta calidad cuando sea apropiado para mejorar el atractivo
visual del contenido y aumentar la legibilidad o mantener el interés.

Puntuación más alta posible: 100 puntos

Lecturas
Los siguientes sitios web son amplios recursos para profesores. Se le solicita que lo lea en el
momento más conveniente con el fin de mejorar su conocimiento fundamental de la lección.
También se le pide que escriba dos puntos clave sobre lo que ha aprendido/observado en el
material de lectura proporcionado.

1. Este sitio presenta un artículo sobre cómo hacer un buen diseño escrito por Maydee
Laquite. Lea el artículo y escriba en los espacios debajo de sus conclusiones.
Enlace:
https://visme.co/blog/elements-principles-good-design/

Conclusiones:
A.

B.

2. Este sitio presenta un artículo sobre el futuro del diseño gráfico. Lea el artículo y escriba
en los espacios debajo de sus conclusiones.
Enlace:
https://www.futureofeverything.io/future-graphic-design/

Conclusiones:
A.
 B.

En una palabra
En una década pueden pasar muchas cosas. Las retrospectivas siempre son buenas para
comprender la evolución.

La última década ha estado influenciada por los avances tecnológicos , que han cambiado
el discurso del diseño gráfico, especialmente en los primeros cinco años. En la segunda
mitad de la década, vemos cómo el diseño se vuelve más experimental , dando lugar a
composiciones imposibles. Estos cambios se pueden apreciar tanto en el diseño web como
en otro tipo de representaciones gráficas.

Lo que está claro es que el diseño y las tendencias no son algo aislado y que responden a
los cambios que se producen a nuestro alrededor. Reinventarse es fundamental para
mantenerse al día con las nuevas tendencias. Entonces, ¡parece que es hora de correr
riesgos!

Referencias
Cann, Mila (2018). Los 8 tipos de diseño gráfico. Obtenido de
https://99designs.com/blog/tips/types-of-graphic-design/

Duncan, abril (2019). Introducción al diseño gráfico y sus aplicaciones. Obtenido de

https://www.thebalancecareers.com/what-is-graphic-design-38532

Eryn Stubblefield (2016). Introducción al diseño gráfico: ¿Qué es el diseño gráfico?

Obtenido de https://www.freepik.com/blog/introduction-graphic-design-part-1/
Rubio, Amelia (2020). 2010-2019: La evolución de las tendencias de diseño en la última
década. Obtenido de https://www.freepik.com/blog/2010-2019-the-evolution-of-design-
trends/https://www.freepik.com/blog/2010-2019-the-evolution-of-design-trends/

Taheri, Maryam (2020). 10 elementos básicos del diseño. Obtenido de

https://creativemarket.com/blog/10-elementos-basicos-de-diseno