REVISOR DE APREȚIE DE ARTĂ

Artă
- este un produs al creativității omului.
- Un artist își inventează propriile forme și modele datorită a ceea ce el
percepe ca fiind frumos și le încorporează în crearea capodopera sa.
Natură
- nu este considerată o formă de artă.
- Nici schițele sau fotografiile naturii nu sunt o formă de artă, ci sunt
înregistrări ale frumuseții naturii
APRECIAREA ARTEI CA MOD DE VIAȚĂ
-lea
Jean-Paul Sartre (filozof francez în secolul al XX )
– Arta ca operă creativă care înfățișează lumea într-o perspectivă
diferită și sursă de libertate umană. (Greene, 1995)
– Fiecare operă de artă vede frumusețe de felul său, genul pe care
artistul o vede și pe care dorește să o perceapă spectatorii.
– rafinarea capacității cuiva de a aprecia arta îi permite să înțeleagă
profund scopul unei opere de artă și să recunoască frumusețea pe
care o posedă. (Collins și Riley, 1931)
– Faceți exerciții fizice și dezvoltați-i gustul pentru lucrurile care sunt
bune și frumoase
– Faceți alegeri și decizii inteligente în achiziționarea de necesități și
luxuri
– A învăța să apreciezi arta, indiferent de vocația sau profesia pe care
o ai, va duce la o viață mai plină și mai plină de sens (Collins & Riley,
1931).
APRECIAREA ARTEI: CREATIVITATE
Rolul creativității în realizarea artei
- Creativitatea necesită gândire în afara cutiei.
- Creativitatea este ceea ce diferențiază o opera de artă de alta.
- El îmbrățișează originalitatea, își pune propria sa aromă în munca sa și o
numește propria sa piesă creativă
APRECIAREA ARTEI: IMAGINATIA
Arta ca produs al imaginației
Albert Einstein (fizician german)
– cunoașterea este derivată din imaginație.
– "Imaginația este mai importanta decat cunoasterea. Căci
cunoașterea este limitată la tot ceea ce știm și înțelegem acum, în
timp ce imaginația cuprinde întreaga lume și tot ce va fi vreodată de
știut și de înțeles. „
• Crearea de ceva îndrăzneț, ceva nou și ceva mai bun, în speranța de a crea
ceva care să stimuleze schimbarea.
• O opera de artă nu trebuie să fie un lucru real, ci poate fi imaginară
(Collingwood, 1938).
• Artiștii își folosesc imaginația care dă naștere realității prin creație.
Imaginația ca produs al artei
- Arta inspiră și imaginația.
- Piesele creative au fost realizate nu numai pentru că erau funcționale
pentru bărbați, ci și pentru că frumusețea le dădea bucurie
APRECIAREA ARTEI: EXPRESIA
Arta ca expresie
- O emoție va rămâne necunoscută unui bărbat până când o va exprima.
- Robin George Collingwood, un filozof englez care este cel mai bine
cunoscut pentru munca sa în estetică a explicat în publicația sa The
Principle of Art (1938) că ceea ce face un artist unei emoții nu este să o
includă, ci să o exprime.
Arte vizuale
- Gen de formă de artă la care populația este cel mai probabil mai expusă,
dar variațiile sale sunt atât de diverse - variază de la sculpturi pe care le
vezi în galeriile de artă.
- Unele medii de arte vizuale includ picturi, desene, litere, tipărire, sculpturi,
imagini digitale și multe altele
Film
- Se referă la arta de a pune împreună succesiuni de imagini statice pentru a
crea o mișcare de iluzie
Artă de performanță
 - Este o artă vie, iar mediul artistului este în principal corpul uman pe care
obișnuia să-l interpreteze, dar folosește și alte tipuri de artă, cum ar fi arta
vizuală, recuzită sau sunet.
Spectacol de poezie
- Este o artă în care artistul își exprimă emoțiile nu folosind vopsea, cărbune
sau aparat de fotografiat, ci le exprimă prin cuvinte.
Arhitectură
- Realizarea de clădiri frumoase
- Unele clădiri întruchipează doar funcționalitatea, dar structura, liniile,
formele și culorile nu sunt frumos exprimate.
- Clădirile ar trebui să includă aceste trei elemente importante - plan,
construcție și design.

Artă literară
- Folosește cuvinte pentru a se exprima și a comunica emoțiile cititorilor.
- Arta literară depășește formele obișnuite de scriere profesională,
academică, jurnalistică și alte forme tehnice. Se concentrează pe scris
folosind un stil unic, nu urmând un format sau o normă anume.
- romane, biografii și poezii
Teatru
- Utilizează interpreți live pentru a prezenta conturi sau evenimente
imaginare în fața unui public live.
- Urmează un scenariu, ia în considerare mai multe elemente precum actorie,
gest, iluminare, efecte sonore, partitură muzicală, decor și recuzită.
- Participarea spectatorului este un element important în artele teatrale.
Arte Aplicate
- Încorporarea elementelor de stil și design în articolele de zi cu zi cu scopul
de a crește valoarea lor estetică.
- Designul industrial, designul interior, designul vestimentar și designul
grafic sunt considerate arte aplicate.
- Artiștii pot combina funcționalitatea și stilul.
ELEMENTE ŞI PRINCIPII ALE ART
ELEMENTE DE ART
VIZUAL
 - Elementele de artă sunt asemănătoare atomilor care sunt definiți ca unități
sau „blocuri de construcție ale materiei
AUDITOR
- Împreună cu literatura, muzica ca formă de artă este clasificată ca artă
auditivă. Oricum ar fi, muzica, la fel ca și artele vizuale, are propriile sale
blocuri sau elemente.
ELEMENTE DE ARTĂ; VIZUAL
LINIA
- O linie se referă la un punct care se deplasează pe o cale identificabilă –
are lungime și direcție. Este unidimensional, dar are capacitatea de a defini
fie perimetrele operei de artă (marginile) să devină o componentă
substanțială a compoziției.
- LINII ORIZONTALE și VERTICALE - se referă la orientarea liniei. Liniile
orizontale sunt în mod normal asociate cu odihna sau calmul. Peisajele
conțin adesea aceste elemente, deoarece lucrările ca acestea conotă un
sentiment vizual de a fi paralele cu solul. Liniile verticale , pe de altă parte,
conotă înălțimea sau înălțimea, ceea ce înseamnă exaltare sau aspirație
pentru acțiune.

KEITH HARING
- Creatorul „TODOS JUNTOS PODEMOS PARAR EL SIDA” care înseamnă
IMPREUNĂ PUTEM OPRIRE SIDA
LINII DIAGONALE SI STRUBE
- Liniile diagonale transmit mișcare și instabilitate, deși progresia poate fi
văzută. Liniile strâmbe sau zimțate, pe de altă parte, amintesc de violență,
conflict sau luptă.
LINII CURBE
- Acestea sunt linii care se îndoaie sau se învârtesc. Ele fac aluzie la
moliciune, grație, flexibilitate sau chiar senzualitate.
PORQUE ESCONDERLOS
- Creat de Francisco de Goya
PLATA MEDUSA
- Creat de Theodore Gericault
FORMA SI FORMA
- Acestea două sunt legate între ele în sensul că definesc spațiul ocupat de
artă. Forma se referă la două dimensiuni: înălțime și lățime, în timp ce
forma se referă la trei dimensiuni: înălțime, lățime și adâncime.
GEOMETRIC
- Aceste forme își găsesc originea în propoziții matematice. Ca atare,
traducerea și utilizarea sa sunt adesea făcute de om. Aceste forme, cum ar
fi pătrate, triunghiuri, cuburi, cercuri, sfere, conuri, printre altele.
COMPOZIȚIE CU PLANURI DE CULOARE ȘI LINII GRI
- Creat de Piet Mondrian
ORGANIC
- Formele organice sunt cele care apar ușor în natură, adesea neregulate și
asimetrice.
MADONNA LUNCILOR
- Creat de Rafael
SPAŢIU
- Legat de formă și formă este spațiul. De obicei, este dedusă dintr-un
sentiment de profunzime, indiferent dacă este reală sau simulată . Spațiul
real este tridimensional. La fel ca cele menționate anterior, sculpturile sunt
exemple perfecte de opere de artă care poartă acest element. Cu toate
acestea, acest lucru se poate manifesta în lucrări de artă bidimensionale
prin utilizarea diferitelor tehnici sau prin utilizarea zonei din jurul unui
desen sau al unei imagini.
SPAȚIU POZITIV ȘI NEGAT
- De obicei, identificat cu spațiul alb este spațiul negativ. Spațiul pozitiv, pe
de altă parte, este spațiul în care umbra este intens folosită,
SPAȚIU TRIDIMENSIONAL
- Poate fi simulat printr-o varietate de tehnici, cum ar fi umbrirea. O iluzie a
tridimensionalității poate fi realizată în munca bidimensională.
CULOARE
- Culoarea este poate unul dintre elementele care sporesc atractivitatea unei
opere de artă. Efectul său are amplitudine, permițând privitorului să dea
 răspunsuri bazate pe memorie, emoție și intrinseci, printre altele.
Elementul este o proprietate a luminii, deoarece este reflectat de obiect.
NUANŢĂ
- această dimensiune a culorii îi dă numele. Acesta poate fi subdivizat în:
o Culori primare - roșu, galben și albastru
o Culori secundare - verde, portocaliu și violet
o Culori terțiare - șase în total, aceste nuanțe sunt obținute atunci când
culorile primare și secundare sunt amestecate
VALOARE
- Aceasta se referă la luminozitatea sau întunericul culorii. Adesea, folosit de
artist pentru a crea iluzie de profunzime și soliditate, o anumită dispoziție,
pentru a comunica un sentiment sau pentru a stabili o scenă. (de exemplu,
zi și noapte).
o Culori deschise – luate ca sursă de lumină în compoziție
o Culori închise - lipsa sau chiar absența luminii
o Nuanță - aceasta este o culoare mai deschisă decât valoarea normală
o Umbra - aceasta este o culoare mai închisă decât valoarea normală

INTENSITATE
- Aceasta este luminozitatea sau luminozitatea culorii. Este identificat ca
puterea culorii, indiferent dacă este vie sau dezactivată. Pentru a obține o
intensitate specifică a unei culori, se poate adăuga fie gri, fie culoarea sa
complementară.
o Culori luminoase sau calde - energie pozitivă
o Culori terne sau reci - calmante/ linistitoare, serioase sau calme.

ARMONII MONOCROMATICE
- Utilizați variațiile unei nuanțe.
ARMONII COMPLEMENTARE
- Implicați două culori opuse una de cealaltă în roata culorilor. Deoarece se
află în poziții contrare, reacția este cea mai intensă.
ARMONII ANALOGE
- Folosiți două culori una lângă alta în roata de culori
TEXTURĂ
 - La fel ca spațiul, textura poate fi reală sau implicită. Acest element dintr-o
opera de artă este experimentat prin simțul tactil (și al văzului). Acest
element face obiectul de artă tactil.
„Margherita Gonzaga, Prințesa de Mantua”
- Creat de Frans Pourbus cel Tânăr
TEXTURI ÎN PLAN BIDIMENSIONAL
- Textura poate fi implicată folosind o tehnică sau o combinație de alte
elemente ale artei. Prin crearea calității vizuale în opera de artă, se poate
imagina cum va avea suprafața dacă ar fi atinsă.
- Textura suprafetei
o Se referă la textura obiectului de artă tridimensional

AVIONURI ȘI PERSPECTIVA
- PICTURE PLANE este suprafața reală a picturii sau a desenului, unde nu
există iluzia unei a treia dimensiuni. Aici, elementele stă neted, de parcă s-
ar fi uitat printr-o fereastră la ceea ce se află pe partea de sticlă.
- PERSPECTIVĂ LINEARĂ
o Pe măsură ce formele și obiectele se retrag, cu atât devin mai mici.
o Am fost învățați că liniile paralele nu se întâlnesc niciodată. Cu toate
acestea, atunci când și ei par să convergă atunci când se retrag în
depărtare, la un moment dat, amândoi dispar. Acest punct de
dispariție se numește punctul de fuga.
TREI TIPURI DE PERSPECTIVE
PERSPECTIVA CU UN PUNCT
- Adesea folosit pentru a reprezenta drumuri, piste, holuri sau rânduri de
copaci; acest tip de perspectivă prezintă linii paralele care par să convergă
într-un punct de fuga specific și singuratic, de-a lungul liniei orizontului.
PERSPECTIVĂ ÎN DOUĂ PUNCTE
- Se referă la o pictură sau un desen care utilizează două puncte de
dispariție, care pot fi plasate oriunde de-a lungul liniei orizontului. Este
adesea folosit pentru a descrie structuri precum case sau clădiri în peisaj
care sunt privite dintr-un anumit colț.
PERSPECTIVĂ ÎN TREI PUNCTE
- În acest tip de perspectivă, privitorul privește o scenă de sus sau de jos.
După cum sugerează și numele, folosește trei puncte de dispariție, fiecare
corespunzând fiecărei axe a scenei.
ELEMENTE DE ARTĂ; AUDITOR
RITM
- Adesea asociat termenului de ritm, metru și tempo, ritmul este elementul
muzicii care îl situează în timp. Este pulsul muzicii. Beat este unitatea de
bază a muzicii, în timp ce tempo se referă la viteza acesteia. Beats pot fi
organizate într-un model recurent de recunoscut, care se numește metru.
o Largo- lent și larg
o Andante- Ritm de mers
o Moderato- la viteză moderată
o Allegro- rapid
o Vivace- plin de viață
o Accelerando- accelerând treptat
o Rallentado- încetinind treptat
o Allargando- tot mai încet, lărgindu-se
o Rubato - literalmente „timp jefuit”, ritmul este jucat liber pentru un
efect expresiv.
DINAMICĂ
- Elementul muzicii care se referă la zgomotul sau liniștea muzicii este
dinamica. Termenii clasici sunt folosiți pentru a se referi la diferitele
niveluri legate de aceasta:
o Pianissimo (pp)- foarte liniştit
o Pian (p)- destul
o Mezzo-piano (mp)- moderat destul
o Mezzo- forta (mf)- moderat tare
o Forte (f)- tare
o Fortissimo (ff)- foarte tare

MELODIE
- Melodia se referă la înălțimea de prezentare liniară (orizontală). Prin
orizontală, înseamnă că în notație muzicală se citește succesiv de la stânga
la dreapta. Pitch-ul este înălțimea sau scăderea sunetului muzical.
ARMONIE
 - Dacă melodia este orizontală, armonia este verticală. Apare atunci când
tonurile sunt combinate pentru a forma acorduri. Când mai multe note sunt
redate simultan, aceasta se referă la un acord.
- Armonia poate fi descrisă în termeni de „asprime”: disonanța este
combinația cu sunet aspru, în timp ce consonanța este combinația cu
sunet neted.

TIMBRU
- Timbrul este adesea asemănat cu culoarea muzicii. Este o calitate care
distinge o voce sau un instrument de alta. În funcție de tehnică, timbrul
poate da un anumit ton de impresii pe pânză.
TEXTURĂ
- Numărul de melodii, tipul de straturi și relația lor într-o compoziție este
textura muzicii. S-ar putea:
o Monofonic - linie melodică unică
o Polifonice - două sau mai multe linii melodice
o Omofonic- melodie principală însoțită de acorduri

PRINCIPIILE ARTEI;
ECHILIBRU
- Acest principiu se referă la distribuirea elementelor vizuale în vederea
plasării lor unele în raport cu altele.
SIMETRIC
- Elementele folosite pe o parte se reflectă asupra celorlalte. Aceasta oferă
cel mai stabil sens vizual oricărei opere de artă.
ASIMETRIC
- Elementele nu sunt aceleași (sau de aceeași greutate) pe fiecare parte,
punând greutatea pe o parte
RADIAL
- Există un punct central în compoziție, în jurul căruia sunt distribuite
elemente și obiecte
SCARĂ ȘI PROPORȚIE
- Scara se referă la dimensiunea în raport cu ceea ce este normal pentru
figura sau obiectul în cauză.
PORȚIE
- Este dimensiunea componentelor sau a obiectelor în relație între ele atunci
când sunt luate ca o compoziție sau o unitate. Aceasta se poate referi și la
valori precum cantitățile sau numărul de elemente sau obiecte din
compoziție.
Proporțiile pot fi:
- Natural - se referă la dimensiunea realistă a elementelor vizuale din opera
de artă, în special pentru operele de artă figurative. Atunci când artistul
urmărește acuratețea în relație cu lumea reală, aceasta se numește acum
principiul scalei.
- Exagerat - se referă la dimensiunea neobișnuită a relațiilor elementelor
vizuale, exagerând în mod deliberat imensitatea sau minuțialitatea unui
obiect.
- Idealizat - cel mai comun celor care urmează canoane de perfecțiune,
relațiile de dimensiuni ale elementelor sau obiectelor, care realizează cele
mai ideale relații de dimensiune.
EMCENTARE ŞI CONTRAST
- EMPHASIS permite atenția privitorului către un punct focal accentuând sau
atrăgând atenția asupra acestor elemente sau prin asistența altor principii,
în special cel al contrastului.
- CONTRAST este diferența dintre elementele care figurează în compoziție.
Un obiect poate deveni mai puternic în comparație cu alte obiecte (prin
urmare, accentul). Acest lucru se poate face în multe moduri folosind
elementele artei.
UNITATE ȘI VARIETATE
- Cu excepția cazului în care se intenționează să fie altfel, compozițiile au
scopul de a conferi un sentiment de acord sau de completitudine din opera
de artă. Aceasta este unitate.
- Varietatea, pe de altă parte, este principiul care urmărește să păstreze
interesul permițând plasturi sau zone care atât excită, cât și permit ochiului
să se odihnească.
ARMONIE
- Asemenea celor sugerate mai sus, unitatea și varietatea sunt legate de
principiul armoniei, în care elementele sau obiectele realizează un
sentiment de flux și interconexiune.
CIRCULAŢIE
 - Aceasta se referă la direcția ochiului de vizionare în timp ce trece prin
opera de artă, adesea ghidat sau elemente care sunt subliniate. Aceste
puncte focale pot fi linii, margini, formă și culoare în cadrul operei de artă,
printre altele.
RITM
- Aceasta este creată atunci când un element este repetat, creând o mișcare
implicită. Varietatea repetiției ajută la revigorarea ritmului așa cum este
descris în opera de artă
REPEȚIE ȘI MODEL
- Liniile, formele, culorile și alte elemente pot apărea într-o lucrare de artă în
mod recurent. Aceasta se numește repetiție. În plus, imaginea creată din
repetare se numește model. Odată cu repetarea, există un sentiment de
predictibilitate care este transmis, care, la rândul său, imprimă sentimente
de securitate și calm.

FUNCȚIA ARTELOR:
PERSONAL, SOCIAL, ISTORIC, FIZIC, RELIGIOS ȘI ESTETIC
FUNCȚII ȘI PERSPECTIVE FILOZOFICE ASUPRA ARTEI
Filosoful grec Aristotel
- a susținut că o anumită substanță din lume are un sfârșit, sau telos în
greacă, care se traduce prin scop. Acest telos, conform lui Aristotel, este
strâns legat de funcție. Pentru ca un lucru să-și atingă scopul, trebuie să-și
îndeplinească și funcția.
FUNCȚIILE PERSONALE ALE ART
- Artele sunt vehicule pentru exprimarea de către artiști a sentimentelor și
ideilor lor. Artele servesc și ca mijloc de exprimare pentru noi.
- O artă poate fi și terapeutică . În unele orfelinate și case pentru bătrâni
abandonați, arta este folosită pentru a-i ajuta pe rezidenți să-și proceseze
emoțiile.
FUNCȚIILE SOCIALE ALE ART
- Ea caută sau tinde să influențeze comportamentul colectiv al unui popor.
- Este creat pentru a fi văzut sau folosit în primul rând în situații publice.
- Exprimă sau descrie aspecte sociale sau colective ale existenței, spre
deosebire de tipurile individuale și personale de experiențe.
FUNCȚIILE FIZICE ALE ART
- Funcția unui obiect este în general determinată în forma de bază pe care o
ia. Exemplu: geantă, farfurie, sticlă etc.
ARHITECTURĂ
o Proiectarea clădirii este determinată în primul rând de funcția sa de
funcționare. Pentru ce este clădirea? Cine îl va folosi? Câți sunt?
FUNCȚIILE RELIGIOASE ALE ART
- Funcția fundamentală a majorității artei religioase este aceea de a ilustra
posturile și gesturile corporale sau o poveste sau dogma unei tradiții
religioase, la fel ca simbolurile vizuale și imaginile reprezentative.
Exemplu: muzică și sculptură
FUNCȚIILE ESTETICE ALE ARTEI
- Orice opera de arta inseamna frumusete. Este condiment vizual pentru
interioare decorate cu grație și poate scoate în evidență cele mai elegante
caracteristici ale diferitelor elemente de decor. A reprodus în mod rezonabil
imagini vizuale care comunică prin convingeri fantastice și cuvinte
semnificative.

SUBIECTUL, CONȚINUT, TEHNICĂ ȘI MEDIUL ÎN ARTĂ:

DAVID BAILLY
- A pictat „Selbsrbilnis mit Vanitassymbolen” (Autoportret cu simboluri
Vanitas).
TIPURI DE SUBIECTE:
ART. REPREZENTAȚIONAL
- adesea cunoscută ca artă figurativă. Acest tip de artă are subiecte care se
referă la obiecte sau evenimente care au loc în lumea reală.
NE-REPREZENTAȚIONAL
 - Deseori numite artă non-figurativă, acest tip de artă nu face o referire la
lumea reală, fie că este vorba de o persoană, loc, lucru sau chiar un anumit
eveniment. Se reduce la elemente vizuale, cum ar fi forma, liniile și culorile,
care traduc un anumit sentiment, o emoție și chiar un concept.
ARTĂ ABSTRACTĂ
- Abstractul este în sine o abatere de la realitate, dar amploarea acestei
abateri determină dacă a ajuns la sfârșitul spectrului.
SURSE ȘI TIPURI DE SUBIECT:
Pentru arta non-reprezentativă, ar putea fi necesar un nivel mai înalt de percepție
și perspicacitate pentru a înțelege pe deplin sentimentul, emoția sau conceptul
din spatele lucrării. Este probabil mai ușor de dedus de unde provine subiectul
dacă opera de artă este un exemplu de artă reprezentativă. Din figurile descrise în
opera de artă, există deja o sugestie cu privire la inspirația acesteia.
Cu toate acestea, în discutarea surselor și a tipurilor de subiecte din opere de
artă, este important de reținut că acestea două sunt adesea indisolubil legate.
Adesea, chiar și o sursă singulară de inspirație poate produce mai multe
traduceri. Un bun punct de plecare este, desigur, natura.
Nu există nimic mai rudimentar decât interacțiunea umană cu lumea fizică din
jurul artistului. Copilăria timpurie se învârte adesea în jurul cunoașterii nu doar a
corpului și a ceea ce poate face acesta, ci și în a se obișnui cu o multitudine de
sugestii senzoriale din jurul artistului, în special cele situate în mediul său.
Artiștii de-a lungul istoriei au explorat diverse moduri de a reprezenta natura: de
la plante la animale: calitățile corpurilor de apă și terenul maselor de uscat; și
chiar ciclurile perceptibile și schimbarea anotimpurilor. Adesea, aceste
reprezentări sunt văzute ca expresii ale sacrului sau profanului, generate de
realitate sau completate de imaginația artistului.
Un artist care a fost în acord cu natura a fost VINCENT VAN GOGH. El a văzut arta
și natura ca fiind inseparabile. găsindu-și adesea mângâiere și fericire în a picta
în ea (lucrând în mijlocul câmpurilor nealterate) și a pictând din ea (peisaje) Într-o
scrisoare către fratele său Theo, el a scris „...dacă n-aș simți dragoste pentru
natură și pentru munca mea, atunci aș fi nefericit.” (Muzeul Van Gogh, 1882)
Alți artiști cu un număr considerabil de peisaje sunt Claude Monet, Camille
Pissarro, Paul Cezanne și JMW Turner. În Filipine, artiștii naționali pentru pictura
Fernando Amorsolo și Fabian de la Rosa au câștigat proeminență din scenele
rurale pictate, cum ar fi femeile pe câmp care strâng recolta.
Împărțirea naturii în părți mai mici este Jan Van Kessel bătrânul, care a făcut
numeroase naturi moarte și studii la scară mică, foarte detaliate, și ilustrații
științifice ale florilor, insectelor, scoicilor, fructelor, ghirlandelor și buchet.
MEDIU SI TEHNICA:
Mediul este modul de exprimare în care conceptul. ideea sau mesajul este
transmis. Poate fi concret sau tangibil, cum ar fi picturi, sculpturi, monumente și
structuri: sau poate fi efemer sau ceva trecător, cum ar fi o piesă (înregistrarea
sunetului), un film sau un spectacol.
Tehnica operei de artă arată nivelul de familiaritate cu mediul manipulat. Se face
aluzie la necesitatea unor instrumente sau instrumente suplimentare (de
exemplu, ciocanul și dalta pot fi utile pentru sculptori), sau luarea în considerare
a timpului (de exemplu, comportamentul diferitelor tipuri de vopsea, în special în
cerințele privind timpul de uscare) și specificul locului. de creație (de exemplu,
cerințe de producție în interior sau în aer liber).
PREMII ȘI CITAȚII
Cele două premii majore acordate artiștilor din Filipine sunt Orden ng
Pambansang Alagad ng Sining (Ordinul Artiștilor Naționali) și Gawad sa
Manlilikha ng Bayan (Premiul Național al Comorilor Vii).
Ordinul este administrat în comun de Comisia Națională pentru Cultură și Arte
(NCCA) și Centrul Cultural din Filipine (CCP) și este conferit de Președintele
Filipinelor la recomandarea ambelor instituții” (NCCA, 2015). Primul câștigător al
acestui premiu a fost pictorul Fernando Amorsolo, care a fost prezentat drept
„Marele bătrân al artei filipineze”. El a fost singurul premiat în anul 1972, artist
național pentru arte vizuale.
În prezent, există 66 de premiați ai acestei prestigioase onoruri în diferite forme.
Unii dintre ei au primit premiul postum, în timp ce alții au avut norocul să
primească ei înșiși premiul.
Gawad sa Manlilikha ng Bayan sau Premiul Național pentru Comori Vii a fost
creat în 1992 în temeiul Legii Republicii nr. 7355. Tot sub jurisdicția Comisiei
Naționale pentru Cultură și Arte (NCCA). NCCA (2015) „prin Comitetul Gawad sa
Manlilikha ng Bayan și un grup de experți ad-hoc. conduce căutarea celor mai
buni artiști tradiționali ai pământului, adoptă un program care va asigura
transferul abilităților lor către alții și ia măsuri pentru a promova o apreciere
autentică și a insufla mândrie în rândul poporului nostru cu privire la geniul
Manlilikha ng Bayan.”
A fost conferit pentru prima dată la trei artiști remarcabili din muzică și poezie în
1993. Ei sunt Ginaw Bilog, un maestru al poeziei Ambahan; Masino Intaray, un
maestru al diferitelor instrumente muzicale tradiționale din Palawan.people; și
Samaon Sulaiman, un maestru al kutyapi și al altor instrumente.
I. ARTA ÎN CIVILIZĂȚIILE TIMPURIE: PREISTORICĂ ȘI EGIPȚIANĂ
ARTA PREISTORICĂ
Epoca de piatra
- Un termen folosit pentru a descrie o perioadă a istoriei în care pietrele erau
folosite pentru a face unelte pentru supraviețuire.
- TREI PERIOADE DE EVOLUȚĂ DE PIATRE:
o Paleolitic (anii târzii ai epocii de piatră)
o Mezolitic (Epoca Medie a Pietrei)
o Neolitic (Noua Epocă de Piatră)
- A fost martor la modul în care oamenii au fost capabili să ducă vieți mai stabile
și în cele din urmă să vină cu adăposturi permanente și instrumente pentru
supraviețuire.
Artă paleolitică
- Este un produs al schimbărilor climatice
- Halls of Bulls (Lascaux, Franța), un exemplu de artă paleolitică.
Venus din Willendorf
- Un simbol al vieții și al Fertilității.
Arta neolitică
- Dezvoltat în special atunci când viața pentru primii oameni a devenit mai stabilă.
- Ei au învățat să cultive pământul și animalele domestice.
Stonehenge
- Unul dintre produsele din epoca neolitică.
ARTA EGIPȚIANĂ
Panglica fertilă începe de pe malurile râului Nil, care curge la nord spre Africa și se
aventurează în Marea Mediterană. Tocmai în această panglică egiptenii timpurii au
recunoscut rolul integral al râului Nil în viața lor de zi cu zi.
CIVILIZĂȚIILE EGIPȚIENE ÎN TREI PERIODE:
- Vechiul Regat
- Regatul Mijlociu
- Regatul Nou
Egiptenii cred că arta ar trebui să fie ceva religios și spiritual.
În timpul Regatului Vechi , era evident că religia era legată de viața de apoi.
Exemplu : Morminte care nu sunt doar pentru păstrarea cadavrelor, ci servesc și drept
adăpost pentru următoarea călătorie.
Paleta Narmer
- cunoscută și sub denumirea de Marea Paletă Hierakonpolis sau Paleta lui
Narmer, este o importantă descoperire arheologică egipteană, datând
aproximativ din secolul 31 î.Hr., aparținând, cel puțin nominal, categoriei
paletelor cosmetice. Conține unele dintre cele mai vechi inscripții hieroglifice
găsite vreodată
Marea Piramidă din Giza
- este cea mai veche și cea mai mare dintre cele trei piramide din complexul
piramidal de la Giza care se învecinează cu Gizehul de astăzi, în Marele Cairo,
Egipt. Este cea mai veche dintre cele șapte minuni ale lumii antice și singura
care a rămas în mare parte intactă.
Una dintre caracteristicile cheie ale Regatului Mijlociu este o schimbare în ierarhia
politică. Există o apariție a unor grupuri puternice de proprietari care au amenințat
autoritatea și domnia faraonului.
„ARTA A LUAT PE LOC DIN SPATE ÎN TIMPUL REGATULUI DE MEDIU.”
Când invadatorii străini au fost răsturnați, egiptenii au format Noul Regat . A fost o
perioadă de expansionism prin achiziție teritorială.
Arta Regatului Nou avea referințe din ambele regate precedente. Monumentele și
sculpturile erau încă legate de moarte și pentru decedați.
După Noul Regat , egiptenii au asistat la Revoluția Amama condusă de Regele
Akhenaton (nume după Zeul Soarelui, Aton) și Regina Nefertiti.
Majoritatea sculpturilor aveau linii curbe și forme pline de corp.
Opere de artă care sunt naturale și aparent reale.
Regina Nefertiti
- un bust pictat din calcar acoperit cu stuc al lui Nefertiti, Marea Soție Regală a
faraonului egiptean Akhenaton. Se crede că lucrarea a fost realizată în 1345 î.Hr.
de Thutmose, deoarece a fost găsită în atelierul său din Amarna, Egipt. Este una
dintre cele mai copiate lucrări ale Egiptului antic
Regele Tutankhamon
- Când regele Akhenaton a murit, succesorii săi au revenit la stiluri mai rigide și
convenționale.
II. ARTA EUROPEI EMERGENȚE
GRECIA ANTICĂ
Umanism
- Omul este în centrul societății și modul în care și-au antrenat mintea ar putea fi
fundamentul modului în care își trăiesc viața.

Grecii erau în mod deosebit pasionați de fenomenul natural și credeau că natura ar

trebui să fie în ordine perfectă.
ARTA IMPLICATA IN GRECIA ANTICA:
- Pictura
- Sculptură
- Arhitectură
DEZVOLTAREA ARTEI GRECEI
- Perioada geometrică
- Perioada arhaică
- Perioada clasică
- Perioada elenistică
Perioada geometrică
- Timp în care Grecia începe să se întoarcă din atacul a ceea ce părea a fi Evul
Întunecat.
- O perioadă în care formele și modelele geometrice au fost în centrul atenției în
majoritatea operelor de artă.
- Exemple sunt:
o AMFORĂ
o KRATER

Perioada arhaică
- Perioada a acordat importanță figurilor umane.
- Acesta a fost în primul rând rezultatul activităților comerciale ale Greciei cu alte
civilizații.
Kroisos Kouros
- este un kouros de marmură din Anavyssos în Attica, care a funcționat ca un
semn de mormânt pentru un tânăr războinic căzut pe nume Kroisos.
Perioada clasică
- Culmea sculpturii și arhitecturii grecești
- Epoca în care grecii s-au trezit reconstruind templele și concentrându-se pe
crearea de opere de artă.
EXEMPLE SUNT:
- Templul lui Zeus la Olimpia
- Partenonul
- Centauromahie

Perioada elenistică
- Timpul lui Alexandru cel Mare
- Arta s-a concentrat în primul rând pe prezentarea emoțiilor și pe reprezentarea
realității.
EXEMPLE SUNT:
- Laocoon și cei doi fii ai săi
- Galia pe moarte
- Nike din Samothrace
ROMA ANTICĂ
Civilizația romană
- A devenit majoritar în perioada elenistică
Grecia antică
- A avut un impact uriaș în formarea culturii romane.
Principiul realismului
- Se referă la o mișcare artistică de la mijlocul secolului al XIX-lea caracterizată prin
subiecte pictate din viața de zi cu zi într-o chestiune naturalistă.
- Evidențiază caracteristicile ființei umane
Commodus, Eroul Hercule
- Bustul este una dintre cele mai faimoase capodopere ale portretului roman și îl
înfățișează pe împărat în chipul lui Hercule.
- Atribute: pielea de leu deasupra capului său, bâta în această mână dreaptă și
merele de aur ale Hesperidelor în mâna stângă ca o amintire a faptelor eroului
grec.
- Așezate pe o compoziție alegorică complexă: două amazone îngenuncheate
(doar una este bine conservată) asedia un glob decorat cu semnele zodiacului
țin în sus o corn abundență , care este împletită cu o pelta, scutul caracteristic
amazonelor.
Romanii sunt cunoscuți a fi „MASTER CONSTRUCTORI” care și-au câștigat reputația
pentru monumentele mărețe și infrastructurile arhitecturale.
Colosseum
- Cunoscut ca Amfiteatrul Flavian și simbolul principal al Romei
- Construcția Colosseumului a fost începută între anii 70 și 72 d.Hr. în timpul
domniei lui Vespasian .
- Ar putea găzdui între 50.000 și 80.000 de spectatori în fazele diferitelor sale
renovări de-a lungul secolelor, având o audiență medie de aproximativ 65.000.
- folosit pentru concursuri de gladiatori și spectacole publice, cum ar fi bătălii pe
mare, vânătoare de animale, execuții, reconstituiri ale unor bătălii celebre și
drame bazate pe mitologia clasică.

ARTĂ MEDIEVALĂ PÂNĂ LA MODERNĂ EUROPEANĂ

Evul mediu
- gotic și romanic
- În istoria Europei, Evul Mediu (sau perioada medievală) a durat din secolul al V-
lea până în secolul al XV-lea. A început odată cu căderea Imperiului Roman de
Apus și a fuzionat cu Renașterea și Epoca Descoperirilor.
- A fost o perioadă care se caracterizează prin ignoranță și întuneric.
- O mare parte din arta din Europa în timpul Evului Mediu era artă religioasă cu
subiecte și teme catolice. Cele mai importante produse din această perioadă ar
trebui să fie Scripturile creștine.
DOUA PERIOADE:
- ROMANIC (1050-1200), inspirat din vechiul Imperiu Roman
- GOTIC (1200-1500), care avea o aromă mai nordică de la goți- vulgar și barbar.
Arta Renașterii
- Originile artei renascentiste pot fi urmărite în Italia la sfârșitul secolului al XIII-lea
și începutul secolului al XIV-lea.
- În această perioadă, artiștii apreciau „individul” ca subiect al artelor. Influența
umanismului a schimbat centrul atenției unor lucrări de artă în perioada
Renașterii pentru a împuternici individul.
- Lucrările de artă au subliniat naturalismul și au adăugat, de asemenea, o
perspectivă de profunzime în care spațiile au fost explorate în diferite opere de
artă.
- Artiștii Renașterii au acordat importanță și temelor sau subiectelor non-religioase.
Acest lucru a fost adus și de privatizările artei în perioada Renașterii, totuși
majoritatea operelor de artă au rămas religioase în accent și tema.
 - În această perioadă, a avut loc o revigorare a pieselor de teatru romane. Piesele
au fost realizate în așa fel încât să ofere publicului un divertisment grandios și
generos.
Michelangelo, „David”
- este o sculptură care este un exemplu al modului în care umanismul a fost un
sistem de credință dominant în timpul Renașterii. Se pune accent pe detaliile
corpului ființei umane.
Manierism (Arta Renașterii târzii)
- Manierismul, cunoscut și sub numele de Renașterea târzie, este un stil în arta
europeană care a apărut în ultimii ani ai Înaltei Renașteri italiene în jurul anului
1520, răspândindu-se în jurul anului 1530 și dăinuind până la sfârșitul secolului al
XVI-lea în Italia, când stilul baroc în mare măsură. l-a înlocuit.
- Odată cu sfârșitul Renașterii, artiștii încep să copieze direct subiecte din operele
de artă existente.
baroc și rococo
- Termenul „baroc” este derivat din termenul portughez barocco, pe care l-am
tradus ca „peral cu formă neregulată”.
- Această perioadă s-a întins aproximativ între 1600 și 1750
- Expansiunea a fost tema centrală a acestei perioade.
- Pe lângă artă, muzica a înflorit și în perioada barocului.
Neoclasicismul
- A fost o mișcare în Europa care a avut loc la sfârșitul secolului al XVIII -lea și
începutul secolului al XIX -lea.
- A fost mișcarea de artă dominantă în acea perioadă, care urmărea practic să
reînvie și să reaprindă influențele grecești și romane în artă și arhitectură.
- Unii istorici ar spune că această mișcare a fost o reacție la lucrările de artă
produse în perioada barocului.
ARTĂ MODERNĂ EUROPEANĂ
Romantism
- A folosit temele centrale ale operei de artă neoclasiciste ca trambulină.
- Evidențiază elementul eroic în fiecare lucrare
- Majoritatea lucrărilor promovau dreptatea, egalitatea și ordinea socială.
- Artiștii au subliniat, de asemenea, emoțiile și sentimentele omului.
Realism
 - Un stil de lucru se concentrează pe acuratețea detaliilor care descriu și cumva
oglindesc realitatea.
- A fost puternic influențată de cultura greacă elenistică.
- A revoluționat temele și tehnicile din picturi. A lărgit noțiunile existente despre
ceea ce poate fi considerat drept art.
- Conceptul și imaginile idealiste au fost înlocuite cu manifestări reale ale
societății.
Impresionism
- Această mișcare a început în Franța, ceea ce a condus la o rupere de tradițiile
picturii europene.
- Artiștii impresioniști au încorporat principii științifice pentru a obține o
reprezentare mai distinctă a culorilor.
- Caracteristica distinctivă a acestui stil permite artiștilor să sublinieze impresia
imediată pe care o are asupra unui anumit eveniment. Poate fi văzut prin
pensula, distincția de culori, lumini și umbre folosite.
Post impresionism
- Rezultat atât al influenței, cât și al respingerii impresionismului.
- Acest lucru a condus în cele din urmă la dezvoltarea unui stil individual care a
pus accentul pe definire prin utilizarea culorilor rupte și a unei pensule scurte.
- Lucrările artiștilor din această perioadă au devenit cadrul tehnicilor și tendințelor
contemporane din secolul al XX-lea.
Neoimpresionismul
- Realismul imperial al impresionismului
- Sistematic și științific
Art Nouveu
- Art ornamental
fauvism
- Culori pure și vibrante.
Cubism
- Forme fracturate și compoziție de tip tas-turvy.
Futurism
- Mișcarea artistică și socială.
CAPITOLUL 9: ARTA MODERNĂ ŞI CONTEMPORANĂ
CONTEMPORAN
- Simplu și direct
- Ipoteza: nu trebuie intrebat; mai degrabă, trebuie înțeles
- „Prezentă” „Azi” „Acum” --------- ART
Există muzee care includ numele artiștilor, forme de artă sau opere de artă în numele
instituțiilor lor. Exemple dintre acestea sunt......
- Institutul de Artă Contemporană
- Muzeul de Artă Contemporană
- Noul Muzeu de Artă Contemporană
CONTEXT SOCIAL: ÎNTRE ARTA MODERNĂ ŞI ARTA CONTEMPORANĂ
• Începutul secolului al XX- lea ; contextul social, politic și cultural a continuat să
provoace artiștii să creeze.
 • „Arta poate fi răsfățată de alegere. Astfel, artele de astăzi pot fi văzute ca
răspunzând la o serie de probleme, unele din interiorul propriilor structuri de
mijloace și tehnici, altele înțelese mai larg ca probleme în cadrul societății. De
obicei, niciuna nu este rezolvată.” (Tamplin, 1991)
• Arta contemporană a fost puternic condusă de idei și teorii și chiar de
estomparea noțiunilor despre ceea ce este și poate fi considerat artă.
• Scuturată după război, una dintre mișcările timpurii a fost expresionismul
abstract (începutul anilor 1940 – mijlocul anilor 1960).
Expresionismul abstract
- Este adesea afiliat cu pictorii din New York; Clyfford Still, Jackson Pollock,
Willem de Kooning, Barnett Newman și Mark Rothko.
- Două stiluri majore: pictură de acțiune și câmpuri de culoare.
Artă optică/OpArt
- Începutul anilor 1960 înainte.
- S-a bazat pe crearea unei iluzii pentru a informa experiența unei opere de artă
folosind culori, model și alte trucuri de perspectivă.
Arta cinetică
- Începutul anilor 1950 înainte.
- Componentele operei de artă erau preponderent sculpturale.
- Majoritatea erau telefoane mobile și chiar mașini cu motor.

numit Gutai
- Înseamnă întruchipare sau concretețe.
- Fondatorul Asociației de Artă Gutai este Yoshihara Jiro în 1952.
- scopul nu a fost doar să exploreze materialitatea instrumentelor utilizate în
spectacol, ci și să mențină o dorință mai profundă de a înțelege relația.
Minimalism
- Începutul anilor 1960.
- Testarea limitelor diferitelor medii.
- Văzut ca un tip extrem de abstracție care a favorizat formele geometrice,
câmpurile de culoare și utilizarea obiectelor și materialelor care aveau „industrial”
rar.
Arta pop
- A apărut în anii 1950, dar și-a găsit bazele în anii 1960.
 - S-a inspirat și chiar surse din cultura comercială, făcând-o una dintre cele mai
identificabile și identificabile mișcări din istoria artei.
Postmodernismul
- Cea mai pertinentă mișcare care a solidificat trecerea către arta contemporană a
fost aceasta.
- A fost un ghiont pentru a oficializa critica față de modernism și revendicarea
acesteia asupra artei secolului al XX- lea .
Arte contemporane
- Film
- Fotografie
- Video
- Performanţă
- Instalații
- Lucrări specifice site-ului
- Lucrări de pământ
Alte arte contemporane
Neo Pop Art
- Interes reînnoit pentru arta pop.
- S-au însuşit unele dintre primele idei ale lui Dada, care au fost folosite materiale
gata făcute pentru opera de artă.
- Dada a fost o mișcare care era foarte împotriva valorilor burghezului, colonial și
chiar național.

Artist Neo Pop

- KATHARINA FRITSCH
- DANIEL EDWARDS
- JEFF KONS
- KEITH HARING
- MARK KOSTABI
- DAMIEN HIRST
Fotorealism
- Resurgența artei figurative, unde reprezentările sunt o alegere, este o dovadă cât
de variat și fragmentat este postmodernismul.
- Desenele și picturile sunt atât de imaculate în precizia lor, încât începe să pară o
fotografie fără referire directă la artistul care a creat-o.
Artist fotorealist
- Chuck Close
- Gerhard Richter
Arta stradală
- Această mișcare artistică este legată de arta graffiti
- Un produs secundar al ascensiunii graffiti-ului în anii 1980
- Murale, imagini șablonate, autocolante, instalații sau obiecte sculpturale
- Cel mai frecvent întâlnit în sfera publică
- Artele stradale sunt neautorizate și nu se bucură de mediile supravegheate ale
muzeelor și galeriilor
- Artiști de stradă: Michel Basquiat, Keith Haring, Shepard Fairey și Banksy.
Arte multimedia
- O disciplină inovatoare care încearcă să unifice o gamă largă de forme de artă.
- Aceasta este creată prin combinarea ff:
o Film
o Literatură
o Muzică
o Dramă
o Imagini vizuale
o Proiecta

Conceptualismul
- S-a opus celebrării mărfurilor ca referință la viața reală
- Marfa în tagalog este KALAKAL sau RECYCLE

Artă de performanță
- O formă de artă care combină arta vizuală cu performanța dramatică.
- Planificat sau spontan și realizat live sau înregistrat
Instalare Art
- Termenul de artă de instalare este folosit pentru a descrie construcții la scară
largă, mixte, adesea concepute pentru un anumit loc sau pentru o perioadă
temporară de timp.
- Arta instalației a apărut din medii pe care artiști precum Allan Kaprow le-au
realizat începând cu aproximativ 1957, deși au existat precursori importanți, cum
ar fi Merzbau 1933 de Kurt Schwitters, un mediu de mai multe camere create în
propria casă a artistului din Hanovra.
Arta Pământului
- Etosul artei Pământului, de exemplu, a împărtășit anumite caracteristici cu
minimalismul, inclusiv preocupările sale cu privire la modul în care obiectele își
ocupau spațiul; interacțiunea oamenilor cu operele de artă; și, mai ales,
simplitatea formei. Cu toate acestea, deși adoptarea esteticii minimaliste reduse
a fost adesea esențială pentru arta Pământului, artiștii au fost în mod obișnuit
hands-on cu documentarea și procesul de producție, incluzând uneori chiar și un
element performativ.
CAPITOLUL 10: APLICAREA
◦ Secolul douăzeci
◦ Promovați ideea că autoritatea se bazează pe privitor.
◦ Aceasta este practica comună de-a lungul istoriei.
◦ În trecut, ucenic pictor trebuie să-și perfecționeze abilitățile pentru a putea copia
opera maestrului său.
◦ Unii artiști evită responsabilitatea de a prezenta detaliile altor lucrări și de a le
integra în propriile lor lucrări.
Fals
- Doua forme:
o Copii directe ale lucrărilor existente
o Pastișe
 Care sunt lucrări care reunesc elemente dintr-o operă și le
infuzează într-o nouă lucrare.
o În Timpurile Contemporane
 falsificarea poate fi sub forma creării unei aproximații a ceea ce
face un artist prin predicție.
 Însuşirea ar aduce un nou context operei originale.
Potrivit
Adjectiv
- potrivite sau adecvate în circumstanțe.
Similar: relevant, conectat, aplicabil, oportun
Verb
- luați (ceva) pentru uzul propriu, de obicei fără permisiunea proprietarului.
Similar: pretinde, asumă, sechestra, copie, rezuma
Alocarea în art
 - este utilizarea unor obiecte sau imagini preexistente cu o transformare redusă
sau deloc aplicată acestora.
- preluarea, într-o operă de artă, a unui obiect real sau chiar a unei opere de artă
existente.
- În artele vizuale, mijloace adecvate de a adopta, împrumuta, recicla sau
eșantiona în mod corespunzător aspectele (sau întreaga formă) ale culturii
vizuale create de om.
Andy Warhol
- Un artist, regizor de film și producător american care a fost o figură de frunte în
mișcarea artei vizuale cunoscută sub numele de artă pop .
Crearea sufletului, însuşirea şi improvizaţia
Crearea sufletelor
Elemente importante de luat în considerare pentru a înțelege limbajul și pentru a obține
semnificații din cuvinte:
 Semantică
 Reguli gramaticale
Pentru a interpreta și analiza lucrări verbale sau scrise:
 Context
 Simbolisme
Pentru a înțelege lucrarea, trebuie să înțelegeți principiile designului și trebuie să aveți
un anumit nivel de conștientizare a stilului, formei și conținutului lucrării menționate.

STIL
– manipularea distinctă a elementelor și mediilor asociate cu opera unui artist individual,
o școală, o mișcare sau o anumită cultură sau perioadă de timp. (Fichner-Rathus, 2013)
Operele de artă au o anumită formă.
FORMĂ
1. ce vede publicul (un produs finit pus armonios (sau nu) conform diferitelor principii de
design).
2. în esență, este totalitatea operei de artă care include texturile, culorile și formele
utilizate de artist.
IMPROVIZAŢIE
 - A face ceva fără pregătire prealabilă.
- O decizie de a acționa asupra a ceva care nu este neapărat planificat.
- Reacția împotriva rigidității artelor din secolul XX.
- Infuzia de spontaneitate și improvizație se adaugă la totalitatea operei de artă.
- Neașteptarea schimbărilor aduse de improvizație face ca opera de artă să aibă o
calitate distinctivă care îi creează individualitatea și identitatea.
- Unii artiști subscriu la ideea de a permite șanse.
- Când un artist își face opera, el are deja o idee despre elementele care vor fi
incluse în opera sa.
- Abaterea de la planul original.
anii 1960
- Improvizația artistică a luat formă în galeriile din jurul orașului New York. –
- Artele spectacolului, dansul și artele vizuale combinate pentru a crea noi forme de artă
folosind un mediu nou.
- „Happenings” – a deschis calea pentru arta corporală modernă și arta performanței.
Georges Mathieu
- Una dintre figurile centrale ale mișcării de improvizație
- A început „pictura de acțiune” în care procesul este văzut în timp real.
- Procesul este mai important decât produsul finit.