Charlotte và Peter Fiell

CÂU CHUYỆN VỀ
THIẾT KẾ cũ đến nay
Từ thời đồ đá

Chương 5 & 6
Thời đại công nghiệp mới
và triển lãm thế kỉ
&
Những làn gió cảnh cách

1
 5
MỤC LỤC Chương
Chương 5: Kỉ nguyên công nghiệp mới
và triển lãm lớn
Triển lãm của tất cả các quốc gia

Cung điện pha lê của Joseph Paxton

4

8
Kỉ nguyên công
Phong cách Victoria cao cấp và thiết kế “giả mạo”

14 nghiệp mới
và triển lãm lớn
Chương 6: Những làn gió cải cách
A. W.N. Pugin và sự hồi sinh Gothic 22
Pre - Raphaelitism và nghệ thuật trang trí 31
William Morris sự ra đời của phong trào Nghệ thuật và 36
Thủ công mỹ nghệ
Phong trào thẩm mỹ 39
CHRISTOPHER DRESSER: Sự thật, vẻ đẹp và sức mạnh 44

2 3
 V
ào giữa thế kỷ XIX, thế giới phương
Tây đã hoàn toàn thay đổi. Chỉ trong

Triển lãm của tất

vòng chưa đầy một thế kỷ kể từ khi
máy quay sợi của James Hargreaves xuất
hiện, xã hội đã trải qua những biến động
chưa từng có. Cuộc Cách mạng Công nghiệp

cả các quốc gia lan rộng từ Anh sang châu Âu và châu Mỹ.
Nhiều người rời nông thôn, đổ xô vào các
thành phố, trong khi đường sắt nối các nhà
sản xuất với thị trường. Các nhà máy thải
khói và nước ô nhiễm, tạo ra nhiều vấn đề
xã hội. Cách mạng Công nghiệp làm người
giàu càng giàu, người nghèo càng nghèo.
Những người hưởng lợi nhiều nhất là giới
trung lưu mới, những người đã tìm thấy sự
thịnh vượng qua thương mại, dịch vụ, hoặc
các ngành nghề như y học và luật.

Giữa bối cảnh đó, các nhà cải cách xã hội

bắt đầu đặt câu hỏi về vai trò của thiết kế.
Máy quay sợi Jonny của James Hargreaves

Họ cho rằng thiết kế có thể mang lại lợi ích

xã hội bằng cách cung cấp sản phẩm chất
lượng cao hơn. Tuy nhiên, hầu hết các nhà
sản xuất lúc bấy giờ coi thiết kế chỉ là một
phần nhỏ của quá trình sản xuất và họ
để việc thiết kế cho các các chuyên gia kỹ
thuật hoặc chuyên gia về vật liệu dẫn đến
việc thiếu nền tảng lý thuyết và triết lý
trong thực hành thiết kế.

Đường phố sau cuộc cách mạng công nghiệp

4 5

Henry Cole (15 Tháng 7 năm 1808 - 15 Tháng 4
năm 1882)
Henry Cole, một trong những nhà cải cách thiết kế công
nghiệp đầu tiên, đã đưa lý thuyết vào thực tế. Dưới bút
danh Felix Summerly, ông giành huy chương bạc năm
1846 cho thiết kế bộ trà tráng men đơn giản, được sản
xuất bởi Công ty Gốm sứ Minton. Cole tin rằng nghệ sĩ nổi
tiếng thiết kế sản phẩm hàng ngày sẽ nâng cao thị hiếu
công chúng. Năm 1845, ông thành lập Summerly’s Art
Manufacturings, hợp tác với các nghệ sĩ để cải thiện chất
lượng nghệ thuật của ngành công nghiệp. Dù chỉ hoạt
động trong 5 năm, doanh nghiệp này đã đặt nền móng
cho sản xuất nghệ
thuật và có tác động
lớn trong cải cách
thiết kế.
Từ 1847 đến 1849,
Cole tổ chức các triển
lãm của Hiệp hội Nghệ
thuật Hoàng gia và
trở thành chủ tịch vào
năm 1851.
Tea service của Felix Summerly (Henry Cole) choMinton, 1846.
Cole đã chỉ ra rằng nhiều nhà sản xuất xem thiết kế chỉ là
trang trí, thay vì là một phần quan trọng trong quá trình
tạo ra sản phẩm. Sự hiểu lầm này khiến thiết kế chỉ mang
tính hình thức, làm giảm chức năng của sản phẩm. Trang
trí bề mặt thường được dùng để che giấu tay nghề kém hoặc
vật liệu chất lượng thấp, dẫn đến lãng phí tài nguyên. Thay
vào đó, nên tập trung vào việc tạo ra các sản phẩm đơn giản
nhưng được thiết kế tốt và có chất lượng cao, nơi giá trị
nằm ở chính sản phẩm chứ không phải lớp trang trí.
6 7
Cole và các thành viên của Hiệp hội Nghệ thuật Hoàng
gia đã đề xuất tổ chức một cuộc triển lãm quốc tế lớn
tại London nhằm tôn vinh ưu thế công nghiệp và sự
thịnh vượng của Đế quốc Anh, đồng thời giáo dục nhà
sản xuất và công chúng. Hoàng tử Albert, chồng của Nữ
hoàng Victoria, chủ tịch Hiệp hội Hoàng gia, đã nỗ lực
và kiên trì đưa ý tưởng này thành hiện thực, với mục
đích khuyến khích cạnh tranh và phát triển văn hóa,
công nghiệp. Năm 1848, ông đã đệ trình đề xuất cho
chính phủ về tổ chức một triển lãm tự hỗ trợ của ngành
công nghiệp Anh, tin rằng sự kiện này sẽ mang lại lợi
ích cho các nhà sản xuất Anh.
Mặc dù phản ứng từ các thành viên của Quốc hội là
sự thờ ơ, Hoàng tử Albert không dễ dàng can ngăn và
năm sau ông đã có một bài phát biểu tại bữa tiệc của
Thị trưởng. Phát biểu trước những người ủng hộ, ông
đã vạch ra một cách dứt khoát những lý do tại sao một
sự kiện như vậy không chỉ là mong muốn mà còn hoàn
toàn cần thiết, nhân danh sự thống nhất quốc tế và tiến
bộ công nghiệp. Ông tuyên bố:
“Khoảng cách ngăn cách các quốc gia và khu vực khác nhau trên
thế giới đang dần biến mất trước những thành tựu của phát minh
hiện đại... tư tưởng được truyền đạt với tốc độ nhanh chóng và
thậm chí bằng sức mạnh của tia chớp. . . nguyên tắc vĩ đại của sự
phân công lao động có thể được gọi là sức mạnh chuyển động của
nền văn minh, đang được mở rộng đến tất cả các ngành khoa học,
công nghiệp và nghệ thuật... Trong khi phát hiện trước đây được
giữ bí mật, thì sự công khai của ngày nay đã khiến cho điều đó Hoàng tử Albert của Saxe-Coburg và Gotha
càng thêm đúng. Ngay khi một khám phá hoặc phát minh được (26 tháng 8 năm 1819 – 14 tháng 12 năm 1861)
thực hiện, nó đã được cải tiến và vượt qua bởi những nỗ lực cạnh
tranh: sản phẩm của tất cả các khu vực trên thế giới được cung cấp
cho chúng ta tùy ý sử dụng và chúng ta chỉ phải chọn những gì rẻ
nhất và tốt nhất cho mục đích của mình , và sức mạnh sản xuất
được giao phó cho việc kích thích cạnh tranh với tư cách là động
lực chính.”
 N ăm 1849, một cuộc họp tại Cung điện Buckingham chứng kiến việc​​ thành lập một ủy ban hoàng gia
nhằm gây quỹ cần thiết cho cuộc triển lãm, một số bằng cách đăng ký công khai và một số, gây tranh
cãi hơn, thông qua bảo lãnh đầu cơ. Vào thời điểm ủy ban sẵn sàng mời những người đệ trình thiết kế tòa
nhà vào tháng 3 năm 1850, kế hoạch xây dựng một công trình có kích thước như vậy—khoảng 700.000 feet
vuông— tính đến ngày khai trương dự kiến ​​là ngày 1 tháng 1 năm 1851, không chỉ đơn thuần là chật chội
một cách khó chịu nhưng trông gần như không thể. Chắc chắn một công trình kiến trúc ​​ có quy mô và tầm
ảnh hưởng rộng lớn như thế này không thể được xây dựng từ đầu đến cuối chỉ trong chín tháng. Tuy nhiên,
ủy ban đã tổ chức một cuộc thi và hơn 233 kiến trúc
​​ sư đã gửi đề án; tuy nhiên, không có gì phù hợp với bản
tóm tắt chính xác. Trong khi đó, ủy ban xây dựng của ủy ban cũng đã âm thầm chuẩn bị thiết kế xây bằng
gạch của riêng mình, điều mà nhiều người lên án chỉ vì xấu xí - và khi họ đưa kế hoạch này ra đấu thầu, chi
phí của nó đã cao hơn nhiều so với dự đoán ban đầu. Đề xuất đã bị loại bỏ hoàn toàn.

The Royal Commissioners for the Exhibition of 1851 (Oil Paint-

ing của Phillips, Henry Wyndham)

Cung điện pha lê

của Joseph Paxton

8 9
 Dự án triển lãm, ban đầu gặp nhiều khó khăn và bị trì trệ nghiêm
trọng, cuối cùng đã được cứu bởi “một người đàn ông thiên tài,
nhưng không phải là kiến trúc sư hay kỹ sư”, đó là Joseph Paxton,
một người làm vườn tài năng đáng chú ý. Paxton, làm việc cho
Công tước xứ Devonshire, đã thiết kế hai nhà kính lớn cho điền
trang Chatsworth ở Derbyshire, bao gồm cả Nhà Lily lớn và sáng
tạo, khi đó đang trong quá trình xây dựng. Thiết kế của Ngôi nhà
Lily bằng gang và kính của Chatsworth, với mái nhà và rãnh, được
lấy cảm hứng từ cấu trúc của các lá cây hoa súng khổng lồ Amazon
Victoria regia, mà nhà kính dự định chứa. Khả năng chịu tải của
những lá cây này ấn tượng đến mức Paxton mô tả chúng là “một
kỳ công tự nhiên của kỹ thuật”. Ý tưởng tuyệt vời của ông là mở
rộng thiết kế này thành một tòa nhà lớn hơn nhiều, xây dựng trên
các mô-đun có thể lắp ráp nhanh chóng và rẻ tiền, và dễ dàng tháo
dỡ sau triển lãm.

Joseph Paxton (3 tháng 8 năm 1803 – 8 tháng 6 năm 1865)

Bạn có biết!!!
Phối cảnh của Victoria Regia House tại Chatsworth (Lily Mặt cắt dọc của Victoria Regia House tại Chatsworth
Hoa súng khổng lồ Amazon, hay còn gọi là Victoria amazonica, là một loài hoa súng House) được thiết kế bởi Joseph Paxton (Lily House) được thiết kế bởi Joseph Paxton
thuộc họ Nymphaeaceae. Đây là loài hoa súng lớn nhất thế giới, nổi tiếng với các
đặc điểm độc đáo và kích thước ấn tượng.

- Lá của Victoria amazonica

có đường kính lên đến 3 mét,
đôi khi lớn hơn trong điều
kiện lý tưởng.

- Lá nổi trên mặt nước và có

cấu trúc gân mạng lưới mạnh
mẽ, giúp chúng có thể chịu
đựng được trọng lượng đáng
kể, thậm chí có thể nâng đỡ
một người trưởng thành.

10 11
Các bản khắc cho thấy cấu trúc đúc sẵn của tòa nhà Triển lãm
lớn đang được lắp ráp, The Illustrated London News, 1850.
Đề xuất của Paxton được trình bày cho ủy
ban xây dựng và được chấp nhận nhờ vào
sự khéo léo của kế hoạch, dù nó yêu cầu phải
thay thế nhà thầu xây dựng chính, công ty
của Messrs. James và George Munday, bằng
một nhà thầu kỹ thuật mới. Công ty mới, Fox,
Henderson & Co., chuyên về xây dựng thiết
bị đường sắt và cầu, có kiến thức chuyên
môn về cấu trúc sắt cần thiết cho dự án.
Hoàng tử Albert, mặc dù bị chế giễu trên
tạp chí Punch, đã đóng vai trò quan trọng
trong việc huy động tài chính để bù đắp
chi phí phát sinh do việc thay đổi nhà thầu.
Cuối cùng, công trình của Paxton bắt đầu
hình thành ở Hyde Park. Tòa nhà này là
12
một trong những ví dụ đầu tiên về kiến trúc
đúc sẵn trên quy mô lớn, với cấu trúc sắt, kính
và gỗ mô-đun. Nó là một cuộc cách mạng trong
xây dựng, với việc sử dụng máy móc để tiết
kiệm lao động và đảm bảo chất lượng hoàn hảo.
Cung Điện Thuỷ Tinh (Crystal Palace) ở Hype Park năm 1851
Crystal Palace của Paxton, như được biết đến,
không chỉ hoàn thành đúng ngân sách và thời
gian cho lễ khai mạc vào ngày 1 tháng 5 năm Bạn có biết!!!
1851, mà còn thể hiện hoàn hảo tinh thần tiến
- Sau khi Triển lãm Lớn kết thúc, Cung điện - Ngày 30 tháng 11 năm 1936, một vụ hỏa
bộ và hướng tới tương lai mà các nhà tổ chức
Thủy tinh được tháo dỡ và di chuyển đến hoạn lớn đã thiêu rụi Cung điện Thủy tinh,
mong muốn. Thiết kế sáng tạo của tòa nhà, với
một địa điểm mới ở Sydenham Hill, phía phá hủy hoàn toàn công trình kiến trúc
các dầm tầng và xương sườn hình bán nguyệt
nam London. Tại đây, nó được mở rộng và mang tính biểu tượng này. Chỉ còn lại một
làm bằng gang nhẹ, đã tạo nên một cảnh tượng
trở thành một trung tâm giáo dục và giải số di tích nhỏ và những cột đá để tưởng
ấn tượng giữa những cây du già của Hyde Park,
trí quan trọng. nhớ đến nó.
thu hút sự chú ý và ngưỡng mộ của công chúng.
13
 V
iệc trang trí nội thất của Tòa nhà
Triển lãm lớn được giao cho kiến trúc
sư và nhà thiết kế tài năng Owen
Jones, một nhà lý thuyết quan trọng đã xuất
bản cuốn sách “Ngữ pháp trang trí” vào năm
1856. Cuốn sách này được xem là chuyên
luận nghiêm ngặt đầu tiên về trang trí với

Phong cách High Victorian

những minh họa xa hoa. Jones tin rằng màu
sắc nên được sử dụng để giúp xác định hình
thức kiến trúc.

và thiết kế giả mạo

Owen Jones (15 Tháng Hai 1809 - 19 Tháng Tư
1874)

Để trang trí Cung điện Pha lê, Jones đã

gây tranh cãi khi cố gắng đưa lý thuyết
của mình vào thực tế bằng cách tạo ra một
sơ đồ đa sắc gồm các màu cơ bản, lấy cảm
hứng từ các tiền lệ lịch sử như “các di tích
tuyệt vời của người Ai Cập, Hy Lạp, Ả Rập
và các nền văn minh phương Đông khác”.
Ông đã sử dụng bảng màu đỏ, xanh dương
và vàng để tạo ra một sơ đồ mà theo ông,
“một sự nở hoa trung hòa trên toàn bộ
nội dung... sự pha trộn của ba màu cơ bản
trong gian giữa mái... tạo ra một hiệu ứng
khí quyển nhân tạo thuộc loại đáng ngạc
nhiên nhất”.
Ảnh từ Danh mục minh họa của
Tạp chí Nghệ thuật thể hiện một Tấm từ Dickinson’s Comprehensive Pictures of the Great Ex-
bức tượng bằng ngà voi và các đồ hibition cho thấy gian hàng Ấn Độ và một đài phun nước thủy
vật bằng vàng bạc của Froment tinh pha lê với du khách diễu hành giữa các loài thực vật nhiệt
Meurice ở Paris, 1851 đới, cây du và triển lãm, 1851.

14 15
 Bức tranh đa sắc của Jones về đồ sắt bên
trong tòa nhà đã giúp tạo ra cảm giác phân
định không gian, tạo ra một cảm giác về
chiều sâu và quan điểm. Màu sắc của ông
cũng mang lại sự ấm áp và vẻ đẹp thị giác
mà một nhà bình luận đương đại, viết trên
tờ Illustrated London News, so sánh với “sự
không rõ ràng mơ hồ” trong các bức tranh
của Turner. Bằng cách làm mềm trực quan
cấu trúc công nghiệp khá cứng và hiện đại
nguyên thủy của tòa nhà, Jones có lẽ đã làm
cho nó trở nên hấp dẫn hơn đối với thầm mỹ
Victoria đương đại.
Tấm ảnh từ Art Journal Illustrated Catalogue cho
thấy một bức tượng ngà voi và các đồ vật bằng
vàng và bạc của Froment Meurice ở Paris, 1851.
Ngoài các phần quốc gia dành cho các nhà
triển lãm ở nước ngoài, còn có các phần
dành riêng cho mọi nỗ lực sản xuất của các
nhà sản xuất ở Anh. Các sản phẩm được
trưng bày rất đa dạng, từ máy móc công ng-
hiệp nặng như động cơ hàng hải, khung dệt
điện, đầu máy hơi nước và máy ép thủy lực,
đến các đồ gốm nhỏ hơn như kính màu, đèn
chùm, đồng hồ và ren.
Bản phác thảo nội thất của Crystal Palace tại Hyde Park
(1851)

Cùng với việc chỉ đạo trang trí nội thất của
triển lãm, Owen Jones còn là giám đốc của
hai trong số ba mươi lớp triển lãm khác nhau.
Ông chịu trách nhiệm sắp xếp tất cả các sản
phẩm trong các nhóm “Giấy, In ấn và Đóng
sách” và “Điêu khắc, Mô hình và Nghệ thuật Bất chấp tính hợp lý từ phong cách tiền hiện đại của
Tạo hình, Khảm, Men, v.v.”. Trong không gian tòa nhà đáng chú ý của Paxton, nhiều sản phẩm được
rộng lớn của Cung điện Pha lê, hơn 100.000 đưa vào triển lãm đã bị nghi ngờ về tính thẩm mỹ, thiết
vật phẩm khác nhau đã được trưng bày, với kế và sản xuất. Ngay cả các thiết kế đã được chọn là ví
tổng diện tích khoảng ba mươi ba triệu feet dụ điển hình nhất về các nhà sản xuất nghệ thuật cho
khối. Ủy ban triển lãm đã làm một công việc Danh mục minh họa của Tạp chí Nghệ thuật đi kèm
đặc biệt trong việc phân loại các loại sản hầu hết đều được trang trí cầu kì. Sự cầu kì này phần
phẩm cực kỳ khác nhau này thành các bộ lớn phần lớn đến từ các dụng cụ hàng ngày, đặc biệt là
phận hợp lý. hàng hóa dành cho thị trường tiêu dùng. Các cuộc triển
lãm duy nhất không trưng bày sự dư thừa trang trí này
Tấm ảnh từ Dickinson’s Comprehensive Pictures of the
là những máy móc công nghiệp hoặc dụng cụ nông ng-
Great Exhibition cho thấy gian hàng Ấn Độ và một đài hiệp mà bản chất của chúng rất thực dụng và được điều
phun nước thủy tinh pha lê với du khách diễu hành giữa khiển theo chức năng.
các loài thực vật nhiệt đới, cây du và triển lãm, 1851.

16 17
 Cho dù đó là thiết kế cho dao kéo, ánh sáng,
thảm, đồ nội thất, đồng hồ hoặc gương, hầu hết
các sản phẩm này trong cuộc triển lãm đều được
trang trí một cách thái quá với lượng hoa văn và
họa tiết dày đặc. Nhà phê bình nghệ thuật người
Ý Mario Praz sau đó đã sử dụng thuật ngữ lịch
sử nghệ thuật “horror vacui” - nỗi sợ không gian
trống rỗng - để mô tả sự lộn xộn ngột ngạt của
nội thất Victoria sử dụng những thiết kế như
vậy. Thuật ngữ này cũng có thể được áp dụng
cho chính các đối tượng riêng lẻ, phần lớn là đồ
gốm phục hưng có trang trí đầy tham chiếu đến
mọi phong cách trước đây trong lịch sử, từ
Rococo, Baroque và Tân cổ điển, đến Assyria,
Eritrea và Celtic. Những hàng hóa như vậy gói
gọn phong cách High Victoria, được đánh dấu
18
bằng phong cách tô điểm một cách quá mức. Các
nhà sản xuất có vẻ như không biết khi nào nên
dừng lại khi nói đến trang trí. “Càng nhiều càng
tốt” dường như là một nhận thức ngày càng phổ
biến. Và công chúng nói chung cực kỳ dễ tiếp thu:
sự kiềm chế của chủ nghĩa Tân cổ điển Gruzia chắc
hẳn có vẻ khá nhạt nhẽo và bị lép vế khi có những
hàng hóa “xa xỉ” giá cả phải chăng được cung cấp
trông như thể chúng được làm thủ công đắt tiền
nhưng thực tế là do nhà máy sản xuất.
Vấn đề cơ bản là các nhà sản xuất thường sử dụng
các chi tiết trang trí để che đậy chất lượng kém của
sản phẩm. Đến giữa thế kỷ XIX, Anh là quốc gia
hùng mạnh nhất trên thế giới, nhờ đế chế rộng lớn
và khả năng sản xuất ấn tượng. Tuy nhiên, là quốc
gia đầu tiên trải qua cuộc Cách mạng Công nghiệp,
Anh không có một kế hoạch chi tiết về thiết kế
công nghiệp để tuân theo, phải trải qua một giai
đoạn thử nghiệm và sai lầm trước khi có thể nắm
bắt được sự hiểu biết đúng đắn về thiết kế cho
ngành công nghiệp.
Trong giai đoạn này, hầu hết các nhà sản xuất
đã thấy máy móc như một phương tiện để tạo ra
hàng hóa rẻ hơn và nhanh hơn, nhằm cải thiện
tỷ suất lợi nhuận. Họ không nhận ra rằng các
phương pháp sản xuất công nghiệp hóa có thể
được sử dụng để tạo ra các sản phẩm chất lượng
tốt hơn và cũng có lợi nhuận cao hơn, thay vì chỉ
bắt chước thủ công mỹ nghệ. “fancy goods”” trở
thành trụ cột của hầu hết các nhà sản xuất Anh. Tòa án thời Trung cổ của A. W. N. Pugin tại Triển lãm lớn,
1851.
Tình trạng này rõ ràng trong nhiều thiết kế được Henry Cole, người đã từng là động lực đằng sau Triển lãm
trưng bày tại Triển lãm lớn năm 1851. Nó phản lớn, cùng với những người khác đã tham gia vào sự khởi
ánh sự giàu có mới của quốc gia cùng với một đầu của nó, xác định rằng sự kiện này sẽ để lại một di sản
ngành công nghiệp sản xuất thúc đẩy các mốt lâu dài và có lợi. Với hơn sáu triệu khách tham quan, Triển
“sành điệu” và tạo ra một thị trường rộng lớn cho lãm lớn đã thành công rực rỡ và mang lại lợi nhuận đáng
họ. Đây là mối quan tâm đối với các nhà tổ chức kể. Ủy ban Hoàng gia quyết định sử dụng 5.000 bảng để
triển lãm, những người hy vọng nâng cao thị hiếu mua một số đồ vật đã được trưng bày để tạo thành một bộ
công chúng trong thiết kế. Tuy nhiên, một luồng sưu tập cho nghiên cứu thiết kế.
tinh thần cải cách đã lan tỏa khắp Tòa án Trung
cổ, được thiết kế bởi kiến trúc sư Augustus Welby
Northmore Pugin. Những “thiết kế không trung
thực” này chỉ ra nhu cầu cấp thiết cho cả cải cách
thiết kế và một hệ thống giáo dục tốt hơn trong
thiết kế.
19
 Những đồ vật này được đặt trong Bảo tàng Sản xuất,
mở cửa vào năm 1852 tại Marlborough House ở Pall
Mall. Một ủy ban mua hàng, bao gồm Pugin và nghệ
sĩ Richard Redgrave, đã được thành lập để chọn các

6
đối tượng phù hợp để trưng bày, và Henry Cole được
bổ nhiệm làm tổng giám đốc đầu tiên của Khoa Nghệ

Chương
thuật Thực hành của bảo tàng. Cole đã tổ chức một
cuộc trưng bày các đồ vật được thiết kế kém có tên
“Trang trí theo nguyên tắc sai lầm” (sau này được gọi
là “Phòng kinh hoàng”). Mục đích của màn hình này
nhằm làm xấu hổ các nhà sản xuất và giáo dục công
chúng về sự khác biệt giữa thiết kế tốt và xấu.

Những bức tranh màu nước của William Linnaeus

Casey cho thấy hai phòng trưng bày tại Bảo tàng
Sản xuất tại Nhà Marlborough, 1857.

Năm 1857, các cuộc triển lãm của Marlborough

House đã được sử dụng để tạo thành bộ sưu tập
hạt nhân cho Bảo tàng South Kensington mới, sau
Những làn gió
cải cách
này đổi tên thành Bảo tàng Victoria và Albert.
Trường Thiết kế Chính phủ, được thành lập tại
Somerset House vào năm 1837, cũng được chuyển
đến bảo tàng mới này và đổi tên thành Trường
Đào tạo Nghệ thuật, sau này trở thành Trường
Cao đẳng Nghệ thuật Hoàng gia. Năm 1860, Hen-
ry Cole trở thành giám đốc bảo tàng. Dưới sự
hướng dẫn của ông, tổ chức này đã phát triển và
thúc đẩy sự hiểu biết nhiều hơn về các nguyên
tắc thiết kế, từ đó giúp định hình thực tiễn thiết
kế hiện đại. Tuy nhiên, chính chi phí nhân lực của
công nghiệp hóa, chứ không phải là sự vô vị của
hàng hóa sản xuất, đã thúc đẩy thế hệ các nhà cải
cách thiết kế tiếp theo hành động.

20 21
 N
gay cả trước Triển lãm lớn năm 1851, đã
có những khuấy động về cải cách thiết kế,
đáng chú ý là việc Augustus Welby North-
more Pugin xuất bản hai cuốn sách có ảnh hưởng:
Contrasts; or, a Parallel between the Noble Edific-
es of the Fourteenth and Fifteenth Centuries and
Similar Buildings of the Present Day (1836) và The
True Principles of Pointed or Christian Architec-
ture (1841). Cuốn trước được dự định để thể hiện,
theo lời của Pugin, “sự phân rã hiện tại của thẩm
mĩ”, trong khi cuốn sau kêu gọi sự toàn vẹn trong
thiết kế và kiến trúc dựa trên ba thuộc tính thiết
yếu: phù hợp với mục đích,chất lượng với vật liệu
và tiết lộ xây dựng. Về cơ bản, một sự trung thực
và đạo đức.

Phong cách Gothic Revival của Pugin đã được thừa

hưởng từ người cha gốc Pháp của ông, Auguste
Charles Pugin, một nhà phác thảo kiến trúc đã làm
việc theo phong cách Gothic và đã xuất bản một số
cuốn sách có ảnh hưởng về kiến trúc Gothic Anh, bao
gồm các phân tích về các công trình xây dựng và các
cách giải thích khác nhau về phong cách. Những tác
phẩm này đã đóng góp đáng kể vào sự phát triển của
kiến trúc Gothic Revival, khuyến khích một cách tiếp
cận mới mẻ và chân thực hơn đối với thiết kế và xây
Augustus Welby Northmore Pugin (1 March 1812 – dựng.
14 September 1852)

A. W.N. Pugin và sự hồi

Pugin nhấn mạnh vào tính trung thực và đạo đức
trong kiến trúc, điều này trái ngược với xu hướng sử
dụng trang trí quá mức để che đậy chất lượng kém của
sản phẩm. Sự nhấn mạnh của ông vào việc phù hợp

sinh Gothic
với mục đích, sự thật với vật liệu và tiết lộ xây dựng
đã đặt nền tảng cho những cải cách thiết kế sau này,
nhấn mạnh vào sự toàn vẹn và chân thực trong thiết
kế công nghiệp và kiến trúc.

22 23
 Đối với Augustus Welby Northmore Pugin, Gothic không chỉ là một phong cách trang trí mà là một hạt giống Nhiệm vụ lớn nhất và uy tín nhất của Pugin là
từ đó ông tin rằng một phong cách kiến trúc và thiết kế quốc gia thực sự đích thực có thể phát triển. Hình thức thiết kế nội thất cho Cung điện Westminster tráng
Phục hưng Gothic của ông về cơ bản là một ví dụ về chủ nghĩa lãng mạn quốc gia, và ông lập luận rằng chủ lệ của Charles Barry (1841), nhưng ông cũng thiết
nghĩa cổ điển là một phong cách ngoại giáo không phù hợp với một quốc gia Kitô giáo. Trong sự nghiệp ngắn kế nhiều nhà thờ và ngôi nhà là những dự án tích
ngủi nhưng rất sung mãn của mình, Pugin là một nhân vật quan trọng và gây chia rẽ, được hướng dẫn bởi hợp hoàn toàn, trong đó mọi chi tiết của một tòa
niềm tin tôn giáo sâu sắc đã thúc đẩy ông chuyển đổi sang Công giáo vào năm 1835. Là một người tin tưởng nhà - từ đồ nội thất, đồ kim loại và các vật dụng
nhiệt thành vào những gì ông coi là đức tin thực sự, ông cảm thấy rằng kiến trúc Gothic là một biểu hiện siêu được nhuộm màu kính cho đến giấy dán tường, vải
việt của Công giáo, nói rằng: “Tôi cảm thấy hoàn toàn tin rằng Công giáo La Mã là tôn giáo duy nhất trong đó dệt và gạch lát - đều do chính ông tạo ra. Ông cũng
phong cách kiến trúc nhà thờ vĩ đại và siêu phàm có thể được khôi phục.” là nhà thiết kế tiên phong cho ngành công nghiệp,
tạo ra các thiết kế cho nhà sản xuất gốm sứ Minton
& Co., cùng nhiều nhà sản xuất khác. Một trong
những thiết kế nổi tiếng nhất của ông cho công ty
này là đĩa bánh mì “Waste Not, Want Not” (1849),
đã làm sống lại kỹ thuật làm gốm thời trung cổ bằng
cách sử dụng khảm đất sét có màu sắc khác nhau
và với phương châm khắc nghiệt, thể hiện bản chất
của cải cách thiết kế thế kỷ 19.

Thông qua niềm tin của mình rằng chủ nghĩa cổ

điển là một phong cách ngoại đạo và không trung
thực, Pugin đã đưa một khía cạnh đạo đức vào cuộc
tranh luận xung quanh thiết kế và kiến trúc. Như
cáo phó của ông trên tờ Times ghi lại vào năm 1852,
chính ông “là người đầu tiên cho chúng ta thấy rằng
kiến trúc của chúng ta không chỉ vi phạm quy luật
về cái đẹp mà còn trái với quy luật đạo đức.” Thật
vậy, Pugin đã thuyết giảng học thuyết cải cách thiết
kế của mình một cách không biết mệt mỏi, và chính
tác động của những nỗ lực của ông mà kiến trúc sư
nhà thờ người Anh John Dando Sedding sau này
nhận xét:
“đáng lẽ chúng ta không nên có Morris, không có
Street, không có Burges, không có Shaw, không có
Đối với Pugin, “sự thật đơn giản” của Công giáo đã được tiết lộ trong “các nguyên tắc thực sự” của nghệ thuật Webb, không có Bodley, không có Rossetti, không có
và thiết kế thời trung cổ. Sự nhiệt thành tôn giáo của ông đã khiến ông kiên trì theo đuổi sự thật trong thiết Burne-Jones, không có Crane ngoài Pugin.”
kế và cho phép ông gần như một tay thiết lập chủ nghĩa Phục hưng Gothic như phong cách kiến trúc thống
trị trên khắp nước Anh thời Victoria.

24 25
 Một kiến trúc sư khác có ảnh hưởng mạnh mẽ đến định Một số nhà thiết kế và kiến trúc sư hàng đầu của thế hệ tiếp theo được đào tạo tại văn phòng của Street, đáng
hướng thiết kế là George Edmund Street, học trò của chú ý nhất là John Dando Sedding, Richard Norman Shaw, William Morris và Philip Webb. Mỗi người trong
Pugin lúc 12 tuổi và là một kiến trúc sư theo trường phái số những người này đã áp dụng các nguyên tắc cơ bản của kiến trúc Gothic Revival - phù hợp với mục đích, sự
Phục hưng Gothic vĩ đại khác thời đó với danh George thật với vật liệu, xây dựng được tiết lộ - để tạo ra các đồ dùng hàng ngày, sao cho nhà phê bình thiết kế người
Gilbert Scott. Từ những năm 1850 trở đi, Street đã đi tiên Đức Hermann Muthesius nhìn thấy trong tác phẩm của họ “một sự chuyển đổi trực tiếp sang hiện đại”.
phong trong việc thể hiện phong cách Gothic thậm chí
còn mạnh mẽ hơn. Ngược lại với trường phái Gothich,
vốn bị ảnh hưởng bởi sự hùng vĩ cao vút của các dinh
thự Gothic Vuông góc vào thế kỷ 14 và 15, Street được
lấy cảm hứng từ các tòa nhà Gothic kiểu Anh sơ khai
đơn giản hơn ở thế kỷ 12 và 13.

Table, khoảng. 1854 (sản xuất), Street George Edmund

(nhà thiết kế),Myers George (nhà sản xuất)

John Dando Sedding (13 tháng 4 năm Richard Norman Shaw (7 tháng 5
1838 – 7 tháng 4 năm 1891) năm 1831 – 17 tháng 11 năm 1912)
George Edmund Street (20 tháng 6 năm 1824 – 18
tháng 12 năm 1881)

Tuy nhiên, cách giải thích của ông về tiền lệ này

còn thô sơ hơn so với cách giải thích của Pugin,
điều đó có nghĩa là các tòa nhà và thiết kế nội
thất của Street ít cầu kỳ hơn về mặt trang trí và
trông hiện đại hơn, với các công trình đơn giản,
không vô nghĩa. Chiếc bàn gỗ sồi hình tròn do
ông thiết kế vào khoảng năm 1853-54 là hình
William Morris (24 tháng 3 năm 1834 Philip Webb (12 tháng 1 năm 1831 –
ảnh thu nhỏ cho cách tiếp cận có mục đích của
– 3 tháng 10 năm 1896) 17 tháng 4 năm 1915)
ông theo phong cách Gothic.

26 27
Ngược lại, kiến trúc sư và nhà thiết kế người Anh William Burges đã thúc đẩy một cách giải thích huyền
Ở Pháp, kiến trúc sư và nhà lý luận thiết kế
ảo hơn, gần như cổ tích về phong cách Gothic. Tác phẩm của ông nắm bắt được thế giới mơ mộng của
Eugène-Emmanuel Viollet-le-Duc cũng tìm
nhóm Pre-Raphaelites và đồng thời dự đoán công việc của phong trào Nghệ thuật và Thủ công. Năm 1864,
đến phong cách Gothic để
Burges đã có một loạt các bài giảng tại Hiệp hội Nghệ thuật mang tên “Nghệ thuật áp dụng cho công ng-
hướng dẫn cải cách thiết kế.
hiệp,” trong đó ông lập luận rằng không có lý do gì để các mặt hàng
Ông nổi tiếng với việc “phục
rẻ tiền, hàng ngày phải trở nên xấu xí vì, như ông giải thích, “một
hồi” các tòa nhà thời trung cổ,
khuôn hoặc khuôn của một thiết kế tốt có giá không nhiều hơn một
thường kết hợp một số sửa đổi
thiết kế xấu.” Ông cũng tuyên bố rằng mặc dù việc sản xuất hàng
sáng tạo nhất định của cấu
loạt các nhà sản xuất nghệ thuật cao cấp là đáng ngưỡng mộ, ứng
trúc ban đầu. Không giống
dụng tốt nhất của nghệ thuật vào ngành công nghiệp là “khi rất
như nhà phê bình nghệ thuật
nhiều bản sao được làm từ một mẫu cực kỳ tốt.” Burges không phải
người Anh John Ruskin,
là một Luddite trí thức, và ông tin rằng việc sử dụng máy móc thích
người kêu gọi bảo tồn lịch sử
hợp có thể tạo điều kiện thuận lợi cho việc sản xuất các thiết kế chất
trung thành của các tòa nhà
lượng cao nhưng rẻ tiền, vì nó chắc chắn sẽ “giảm pound xuống shil-
cũ, Viollet-le-Duc thích một
ling và shilling thành pence”.
cách tiếp cận lãng mạn hơn để
khôi phục các tòa nhà thành
“một trạng thái hoàn chỉnh có thể chưa bao
giờ tồn tại tại bất kỳ thời điểm nào” - chẳng
hạn như phục hồi Nhà thờ Đức Bà ở Paris và
các tòa nhà thời trung cổ tại Carcassonne.

Ông cũng cảm thấy rằng những người giỏi nhất để

thiết kế các đối tượng để sản xuất hàng loạt là các nhà
thiết kế được đào tạo đặc biệt, hơn là các nghệ sĩ hay
kiến trúc sư, vì họ sẽ được giáo dục về cả thẩm mỹ và
các ràng buộc kỹ thuật của sản xuất công nghiệp hóa.
Tuy nhiên, những lời khẩn nài cải cách thiết kế của
Burges phần lớn bị bỏ qua, và các thiết kế Gothic được
tô điểm mạnh mẽ của riêng ông cuối cùng đã lỗi thời.
Chỉ gần đây, công việc và cuộc sống của ông mới được
hồi sinh sự quan tâm.

28 29
 Pre - Raphaelitism và
Tác phẩm của Viollet-le-Duc, đặc biệt là bộ Dic-
tionnaire raisonné de l’architecture française du XIe
au XVIe siècle (1854), có ảnh hưởng lớn đến những
người cùng thời và các thế hệ kế tiếp. Thông qua ng-

nghệ thuật trang trí

hiên cứu về các tòa nhà cổ, từ các ngôi đền Doric của
Hy Lạp đến các thánh đường Gothic thời trung cổ,
ông nhận ra những nguyên tắc bất di bất dịch có thể
áp dụng cho việc xây dựng các tòa nhà hiện đại và cả
việc thiết kế các đồ vật. Ông ủng hộ ý tưởng rằng quy
hoạch của một tòa nhà nên được thiết kế xoay quanh
chức năng của nó, thay vì cách bố trí của nó phù hợp
với mặt tiền của nó, và rằng tòa nhà phải hoàn thành
mục đích của nó một cách đơn giản và tiết kiệm nhất
có thể. Ông cũng lập luận rằng, giống như những
người xây dựng ngày xưa, các kiến ​​trúc sư hiện đại
nên nắm bắt những vật liệu và công nghệ mới có sẵn
cho họ và cho phép chúng định hướng hình thức và
cách xây dựng các tòa nhà. Giống như Pugin, ông
nhấn mạnh rằng bất kỳ vật trang trí nào cũng phải là
một phần không thể thiếu trong công trình và nếu có
thể, phải có vai trò chức năng bổ sung.

Trên hết, Viollet-le-Duc kêu gọi tính hợp lý trong

thiết kế và kiến ​​trúc, và thúc giục rằng hình thức
phải là sự thể hiện của một yêu cầu thực tế. Ông cũng
kêu gọi các học viên đừng sao chép quá khứ một
cách mù quáng mà hãy học hỏi từ nó để áp dụng các
nguyên tắc liên quan vào hiện tại. Có thể nói, ông có
nhiều tác động đến kiến ​​trúc và thực hành thiết kế
hơn bất kỳ nhà cải cách thiết kế nào khác vào cuối
thế kỷ 19. Như Ngài John Summerson đã nhận xét trong tuyển tập tiểu luận Heavenly Mansions (1949):
“Nếu bất cứ ai cố gắng xây dựng một lý thuyết về kiến ​​trúc hiện đại hài hòa với các điều kiện tư tưởng thịnh hành
ngày nay, thì người đó sẽ khám phá ra rằng không có điểm khởi đầu vững chắc nào, không có nền tảng nào vững
chắc như vậy được cung cấp bởi Eugène Viollet-le-Duc.”

30 31
 T
rong thời gian từ giữa đến cuối thế kỷ 19, một xu Như được gợi ý bởi cái tên, các thành viên sáng lập
hướng cải cách thiết kế quan trọng khác cũng của PRB - William Holman Hunt, John Everett Millais
xuất hiện với sự hình thành của Tổ chức Anh em và Dante Gabriel Rossetti - đã tìm kiếm một hình thức
Tiền Raphaelite (Pre-Raphaelite Brotherhood - PRB). thể hiện sáng tạo thuần túy hơn, tin rằng nghệ thuật
Tập thể này bắt đầu như một nhóm mỹ thuật lấy cảm đã bị bôi nhọ theo thời gian bởi ảnh hưởng lan tỏa của
hứng từ những lý tưởng lãng mạn đầu thế kỷ 19 nhưng Raphael và những diễn giải rất lịch sự của các nghệ
cuối cùng đã hình thành nên cốt lõi triết học của phong sĩ sau này về Chủ nghĩa cổ điển. Kiểu diễn giải thổi
trào Nghệ thuật và Thủ công. phồng và sân khấu này của Chủ nghĩa cổ điển, mà PRB
cho là quá máy móc và trí tuệ, qua nhiều thế kỷ đã trở
thành một kế hoạch chi tiết thực sự cho việc giảng dạy
mỹ thuật hàn lâm, đặc biệt là tại Học viện Nghệ thuật
Hoàng gia ở London, được thành lập bởi Sir Joshua
Reynolds, người mà PRB chế giễu là “Sir Sloshua”. Nhìn
lại nghệ thuật Gothic, và cụ thể hơn là tác phẩm của
các nghệ sĩ thời Phục hưng Ý đầu tiên như Fra
Angelico, Sandro Botticelli và Filippo Lippi, các thành
giác về vẻ đẹp mang tính xây dựng... viên của Brotherhood đã tìm cách lấy lại trong các bức tranh của chính họ “cảm
không bị giới hạn bởi đường lối hay quy
tắc, cũng không được dạy bởi lý thuyết”
mà tiêu biểu cho tác phẩm của những
nghệ sĩ trước đó. Đối với PRB, quan sát
chặt chẽ thế giới, cả tự nhiên và nhân
tạo, là điểm khởi đầu để từ đó tiến hành
“Cuộc thập tự chinh và Thánh chiến
chống lại thời đại” của Arthur. Để tiếp
tục mục tiêu của mình, PRB cũng đã
xuất bản tạp chí ngắn ngủi của riêng
mình, The Germ, trong đó có thơ, văn
học và nghệ thuật và nhằm “khuyến
khích và thực thi toàn bộ sự tuân thủ sự
đơn giản của thiên nhiên.” Một cảm giác
về tỷ lệ hài hòa, độ sắc nét của đường
nét, độ tinh khiết của màu sắc và mức độ
chi tiết phi thường thường đặc trưng cho
tác phẩm nghệ thuật của PRB.

William Holman Hunt John Everett Millais Dante Gabriel Rossetti

32 33

William Morris (24 tháng 3 năm 1834 – 3
tháng 10 năm 1896)
Edward Burne-Jones(28 tháng 8 năm 1833 –
17 tháng 6 năm 1898)
Burne-Jones và William Morris bị ảnh hưởng mạnh mẽ bởi những ý
tưởng tiên tiến trong The Germ khi học thần học tại Oxford, và họ cũng
được kích thích về mặt đạo đức bởi các tác phẩm của nhà vô địch vĩ đại nhất
của Pre-Raphaelites, John Ruskin. Nhà phê bình nghệ thuật nổi tiếng có
cuốn sách The Stones of Venice mà Morris coi là một sự mặc khải. Trong
ấn phẩm mang tính bước ngoặt này, Ruskin đã khám phá không chỉ thiệt
hại xã hội do chủ nghĩa duy vật gây ra mà còn cả sự ngắt kết nối sáng tạo
với lao động trong hệ thống công nghiệp. Ý tưởng của ông có lẽ được gói
gọn tốt nhất trong bài tiểu luận “Ad Valorem” (Theo giá trị), trong đó ông
tuyên bố: “Sản xuất không bao gồm những thứ được sản xuất một cách
tốn công, mà là những thứ có thể tiêu thụ được; Và câu hỏi cho quốc gia
không phải là nó sử dụng bao nhiêu lao động, mà là nó tạo ra bao nhiêu
cuộc sống.” Ruskin tin rằng “sự giàu có chung” không chỉ đơn thuần là
mối quan tâm tiền tệ mà còn có nghĩa là phúc lợi công cộng phổ quát.
Các mục tiêu của Pre-Rapha-
elite rất hấp dẫn, và lập luận
của Ruskin rất mạnh mẽ. Các
tác phẩm có động cơ xã hội
của ông đã khiến cả Morris và
Burne-Jones cuối cùng từ bỏ
thần học để dấn thân vào
“một cuộc sống nghệ thuật”.
34
Trong khi Burne-Jones theo đuổi hội họa, Morris ban đầu học
nghề kiến trúc sư tại văn phòng của George Edmund Street,
nhưng ông đã bị thuyết phục trau dồi kỹ năng vẽ tranh của
mình sau khi gặp anh hùng của mình, Dante Gabriel Rossetti,
một họa sĩ-nhà thơ lôi cuốn và hấp dẫn. Morris vật lộn với hội
họa nhưng nhanh chóng nhận ra mình có năng khiếu thiết kế
khi ông bắt đầu trang trí ngôi nhà mới của mình, Red House ở
Bexleyheath, cách trung tâm London mười dặm. Được thiết kế
bởi Philip Webb với sự hợp tác chặt chẽ với Morris, Red House
là hiện thân của giấc mơ Pre-Raphaelite của Morris về một
Arcadia thời trung cổ. Được trang bị treo tường thêu, tranh
tường, kính màu, đồ kim loại và đồ nội thất sơn nặng được thiết
kế bởi Morris và vòng tròn bạn bè của ông, ngôi nhà là một chiến
thắng nghệ thuật phản ánh sự hiểu biết của Morris về vật liệu,
kết cấu, màu sắc và hoa văn. Edward Burne-Jones: The Love Song
Bạn có biết!!!
“Arcadia” là một khái niệm nổi
tiếng trong văn học và nghệ
Được thiết kế bởi Philip Webb với sự cộng tác
thuật, thường tượng trưng cho chặt chẽ của Morris, Red House là hiện thân
một vùng đất lý tưởng, thiên cho những giấc mơ thời tiền Raphaelite của
đường hoang sơ, nơi con người Morris về một Arcadia thời trung cổ.
sống hòa hợp với thiên nhiên.
35
 W
William Morris
illiam Morris, một nghệ sĩ và nhà thiết kế người
Anh, đã thành lập công ty sản xuất nghệ thuật
Morris, Marshall, Faulkner & Co. vào năm 1861, sau
này được biết đến với tên gọi Morris & Co. Công ty này ra đời
từ sự thành công của dự án trang trí nội thất Nhà Đỏ và sự hợp
tác giữa các nghệ sĩ có cùng chí hướng, cũng như từ tham vọng
của dự án Sản xuất Nghệ thuật Mùa hè của Henry Cole.

Morris & Co. không chỉ nhằm mục đích kết hợp thiết kế với
nghệ thuật mà còn muốn hồi sinh các truyền thống thủ công
lâu đời đang bị đe dọa bởi quá trình công nghiệp hóa và sản
xuất cơ giới hóa. Công ty có sứ mệnh xã hội là giải phóng người
lao động khỏi tình trạng làm việc như những cỗ máy vô hồn
và khôi phục niềm vui trong công việc thông qua việc trao cho
họ quyền kiểm soát sáng tạo hơn đối với công việc của mình.

Morris luôn ưu tiên thủ công hơn là máy móc khi có thể, điều này
dẫn đến việc các sản phẩm của công ty thường có giá khá cao. Mặc
dù Morris mong muốn sản xuất các sản phẩm “đồ nội thất của công
dân tốt” với giá cả phải chăng, nhưng việc ông cam kết với chất
lượng thủ công cao khiến sản phẩm của công ty chủ yếu phục vụ
cho tầng lớp giàu có. Tuy nhiên, ông nhận ra rằng việc phục vụ tầng
lớp giàu có này giúp công ty duy trì hoạt động và công nhân của
ông có công việc sáng tạo, nâng cao cuộc sống của họ.

Là một người theo chủ nghĩa xã hội, Morris rất miễn cưỡng chấp
nhận bất kỳ hình thức cơ giới hóa nào có thể biến những người thợ

sự ra đời của phong trào Nghệ

thủ công lành nghề của ông thành những người máy đơn thuần.
Tuy nhiên, nếu ông chấp nhận cơ giới hóa, ông có thể hiện thực hóa
tầm nhìn của mình về việc sản xuất các đồ vật được thiết kế tốt và
giá cả phải chăng cho nhiều người hơn. Đây là nghịch lý trong sứ

thuật và Thủ công mỹ nghệ

mệnh cải cách thiết kế của Morris: sản xuất hàng hóa chất lượng
cao nhưng giá cả phải chăng và công nhân tham gia vào quá trình
sáng tạo.

36 37
 William Morris là nhà thiết kế và cải cách đầu
tiên chỉ trích tầng lớp tư sản Victoria vì hưởng

Phong
lợi từ lao động khổ cực của công nhân, cho rằng
việc sản xuất hàng xa xỉ vô dụng kéo dài sự nhàm
chán của họ. Ông đề xuất rằng mọi người nên có
công việc xứng đáng và nhấn mạnh vào sự chia
sẻ lợi ích chung. Morris & Co., công ty của ông, sản
xuất các sản phẩm mang lại công việc có ý ng-

trào
hĩa cho người lao động và niềm vui cho người sử
dụng.

Công ty bán lẻ nhiều sản phẩm thiết kế, bao gồm

giấy dán tường, đồ dệt, và đồ nội thất từ các nghệ

thẩm
sĩ nổi tiếng. Morris coi trọng thiết kế đơn giản, hài
hòa với thiên nhiên và phản đối sự cầu kỳ trong
thiết kế nội thất thời Victoria. Ông cũng thành lập
Hiệp hội Bảo tồn các Tòa nhà Cổ để bảo vệ kiến
trúc lịch sử.

Morris tin rằng việc bảo tồn kiến trúc cũ và

áp dụng các giá trị thủ công từ thời trung cổ sẽ
mỹ
mang lại lợi ích cho xã hội tương lai. Ông mơ ước
về một xã hội lý tưởng, nơi con người và thiên
nhiên hòa hợp và công nhân có thể sáng tạo
trong công việc của mình. Phong trào Nghệ thuật
và Thủ công do Morris khởi xướng đã nhấn
mạnh vào thiết kế đẹp và chức năng, nhưng ông
phản đối cơ giới hóa, điều này đã hạn chế việc áp
dụng thiết kế của ông trên quy mô lớn.

Tuy nhiên, tầm nhìn của Morris về sự đơn giản

và thẩm mỹ, xã hội và môi trường trong thiết kế
và sản xuất vẫn có ảnh hưởng lớn, đặc biệt trong
bối cảnh hậu công nghiệp lúc bấy giờ

3838 39
G
iống như phong trào Nghệ thuật và Thủ công thời kỳ đầu,
Phong trào Thẩm mỹ là một nhánh của cải cách thiết kế bắt
nguồn từ sự Phục hưng Gothic và Anh em tiền Raphaelite,
và được coi là sự từ chối hiện trạng của thời Victoria. Phong trào
Thẩm mỹ được thúc đẩy bởi ý tưởng “nghệ thuật vì nghệ thuật”
hơn là “thủ công vì lợi ích của thủ công”. Ban đầu, các kiến trúc
sư và nhà thiết kế phù hợp với phong trào này đã đan xen những
ảnh hưởng từ phong cách hồi sinh Gothic và Queen Anne với
các họa tiết lấy cảm hứng từ phương Đông. Thay vì tìm kiếm các
tiền lệ bản địa quốc gia cho các nguyên mẫu thiết kế như Morris
và những người theo ông, các Aesthetes tìm cảm hứng từ các nền
văn hóa kỳ lạ hơn, từ gạch Moorish đến sơn mài Nhật Bản.
Sau thành công của Triển lãm lớn năm 1851, sự gia tăng nhanh
chóng trong việc tổ chức các triển lãm quốc tế đã mang lại cơ hội
cho các nhà thiết kế tiếp cận các nền văn hóa khác. Triển lãm quốc
tế năm 1862, được tổ chức tại London, là một sự kiện đáng chú ý,
giới thiệu công việc của Morris, Marshall, Faulkner & Co. non trẻ,
cũng như các phát minh như máy tính toán nổi tiếng của Charles
Babbage và động cơ hàng hải của Henry Maudslay. Quan trọng
hơn, triển lãm này đã giới thiệu các cuộc triển lãm của Nhật Bản,
mang đến cho các nhà thiết kế, nghệ sĩ và kiến trúc sư người Anh
một cái nhìn đầu tiên về một nền văn hóa thiết kế phát triển theo
những hướng rất khác so với châu Âu.
Phong trào Thẩm mỹ do đó đã kết hợp các yếu tố
phong cách đa dạng và khác biệt, từ ảnh hưởng
phương Đông đến phong cách Gothic và Queen Anne,
tạo nên một sự đa dạng trong thiết kế và nghệ thuật,
và đóng góp vào sự phát triển của thẩm mỹ hiện đại.
40
Trong những năm 1870, có hơn hai mươi bốn triển
lãm quốc tế, bao gồm bốn ở London, hai ở Nhật
Bản và Triển lãm Hoàn vũ tại Paris năm 1878, nổi
tiếng với “vườn thú của con người”. Những triển
lãm này quan trọng cho việc chuyển giao văn
hóa và ý tưởng, với gian hàng mỗi quốc gia giới
thiệu nỗ lực công nghiệp và thủ công tốt nhất.
“vườn thú con người” của 400
“người bản địa”.
Đặc biệt, khu trưng bày của Nhật Bản tại Paris
gây chú ý vì thiết kế và kiến trúc Nhật Bản bị che
giấu trong nhiều thế kỷ, chỉ được công khai từ thời
Minh Trị. Nghệ thuật và hàng thủ công Nhật Bản
được các nghệ sĩ châu Âu ngưỡng mộ vì sự tinh tế
Eugène Henri Paul Gauguin (7
tháng 6 năm 1848 – 8 tháng 5
và hài hòa giữa hình thức và chức năng, một phần năm 1903)
do tín ngưỡng Thần đạo. Tại Paris, các nghệ sĩ hậu
ấn tượng như Henri de Toulouse-Lautrec và Paul
Gauguin bị ảnh hưởng bởi tranh khắc gỗ Nhật Bản.
Ở Anh, thiết kế và kiến trúc Nhật Bản cũng gây ấn
tượng mạnh.
Henri de Toulouse-Lautrec, 24
tháng 11 năm 1864 - 9 tháng 9
năm 1901,
41
Năm 1862, Farmer and Rogers’ Oriental Warehouse
mở cửa ở London, trở thành một trong những công ty
đầu tiên nhập khẩu hàng Nhật Bản. Arthur Lasenby
Liberty làm việc ở đó và năm 1875 thành lập Liberty
& Co., bán lẻ lụa và phi tiêu Nhật Bản cùng các mặt
hàng trang trí nội thất từ Trung Quốc và Bắc Phi.
Liberty cũng bán đồ nội thất tre “Anh-Đông” và đồ
nội thất lấy cảm hứng từ Moorish. William Watt
Artistic Furniture Warehouse sản xuất đồ nội thất
Gothic Revival và Jacobean Revival do Edward Wil-
liam Godwin thiết kế. Năm 1870, công ty bắt đầu sản
xuất đồ nội thất Anh-Nhật, phù hợp với sở thích thời
trang, được thiết kế bởi Godwin, người cũng thiết kế
cho Collinson & Lock. Godwin dự đoán chủ nghĩa
hình thức hình học rút gọn của Phong trào Hiện đại
với thiết kế giấy dán tường, gốm sứ và đồ kim loại.
42
Cuối những năm 1870, phía tây London trở thành
trung tâm của Phong trào Thẩm mỹ với sự hiện diện
của nhiều nghệ sĩ nổi tiếng. Chelsea là quê hương của
Rossetti, Godwin, và James Abbott McNeill Whistler,
trong khi Hammersmith có William Morris và Wil-
liam Arthur Smith Benson. Leighton House của Lord
Frederic Leighton ở gần Công viên Hà Lan là một
cung điện thẩm mỹ với cảm hứng từ Trung Đông.
Công viên Bedford ở phía tây London trở thành
nơi định cư cho những người theo Phong trào
Thẩm mỹ, với các ngôi nhà gạch đỏ do Richard
Norman Shaw thiết kế. Đây là nơi lý tưởng cho các
nghệ sĩ và chuyên gia trung lưu muốn thoát khỏi
nội thành London. Bedford Park trở nên nổi tiếng
đến mức được nhắc đến trong tiểu thuyết “The
Man Who Was Thursday” của GK Chesterton.
43
Phong trào Thẩm mỹ được biểu tượng bởi hoa hướng
dương và lông công, tượng trưng cho tình yêu, sự
thuần khiết, vẻ đẹp và sự bất tử. Phong trào này
không chỉ là về biểu tượng mà còn hướng tới thiết kế
đơn giản, dễ sản xuất hàng loạt. Thomas Jeckyll và
Charles Locke Eastlake là hai nhà thiết kế nổi bật, góp
phần định hình thị hiếu công chúng và thúc đẩy sự
thay đổi trong thiết kế.
Ở Mỹ, các công ty trang trí như Herter Brothers và
Tiffany Studios cũng bị ảnh hưởng bởi Phong trào
Thẩm mỹ Anh-Nhật. Phong trào này, mặc dù ngắn
ngủi, đã đóng vai trò quan trọng trong cải cách thiết
kế, tập trung vào vẻ đẹp và chức năng của mọi thứ
xung quanh.
 C
hristopher Dresser là nhà thiết kế quan trọng
CHRISTOPHER DRESSER
nhất trong Phong trào Thẩm mỹ và được coi
là “cha đẻ của kiểu dáng công nghiệp”. Ông
tiên phong trong ngôn ngữ hình học rút gọn, dự
đoán Phong trào Hiện đại, dựa trên nghiên cứu
thực vật học và nghệ thuật Nhật Bản. Bắt đầu học
thiết kế từ năm 13 tuổi tại Trường Thiết kế Chính
phủ ở Somerset House, London, ông chuyên nghiên
cứu cấu trúc thực vật và đóng góp cho ấn phẩm
“The Grammar of Ornament” của Owen Jones.
Sự thật
Ông giảng dạy, xuất bản nhiều bài báo, và nhận
Vẻ đẹp
bằng tiến sĩ danh dự từ Đại học Jena năm 1859. Sau
khi tham dự Triển lãm Quốc tế năm 1862 tại London,
Dresser bị cuốn hút bởi văn hóa vật chất Nhật Bản
và các thiết kế của ông từ những năm 1860 và 1870
phản ánh ảnh hưởng này thông qua các hình thức
đơn giản hóa, tập trung vào sự cân bằng giữa hình
Sức mạnh
thức và chức năng.
44
Năm 1873, Christopher Dresser xuất bản cuốn
sách có ảnh hưởng “Nguyên tắc thiết kế trang
trí”, khám phá mối quan hệ giữa hình thức và
chức năng và nhằm hỗ trợ “giáo dục nghệ thuật
cho những người tìm kiếm kiến thức về trang trí
áp dụng cho sản xuất công nghiệp”. Ông lập luận
rằng vẻ đẹp có giá trị thương mại và là một yếu
tố quan trọng của thiết kế. Năm 1876, ông xuất
bản cuốn sách tiếp theo, “Nghiên cứu về Thiết
kế”, với các tấm minh họa đẹp mắt, thể hiện các
nguyên tắc trang trí từ nhiều nguồn khác nhau.
Khao khát hiểu biết thêm về Nhật Bản, Dresser thực
hiện một chuyến đi nghiên cứu kéo dài bốn tháng
vào năm 1876-77 với tư cách là khách mời của chính
phủ Nhật Bản. Ông là nhà thiết kế phương Tây đầu
tiên đến thăm Nhật Bản để nghiên cứu nghệ thuật
và sản xuất, thu thập nhiều hình ảnh và bản vẽ chi
tiết. Năm 1882, ông xuất bản cuốn sách “Nhật Bản:
Kiến trúc, Nghệ thuật và Nghệ thuật Sản xuất”, mô
tả chi tiết về các nỗ lực sáng tạo của Nhật Bản.
45
 Trở về London, ông áp dụng kiến thức từ Nhật Bản
vào các thiết kế của mình, chẳng hạn như ấm trà
Model No. 2274, phản ánh chủ nghĩa hình thức hình
học của Nhật Bản. Dresser tạo ra các thiết kế cho ít
nhất ba mươi nhà sản xuất và là một trong những
người đầu tiên sử dụng chữ ký nghệ thuật để bán
sản phẩm. Ông chấp nhận máy móc và nhận ra sự
cần thiết của một cách tiếp cận hợp lý hơn cho thiết
kế, khai thác tiềm năng sản xuất hàng loạt để tạo
ra các vật thể đẹp, hữu ích và giá cả phải chăng cho
nhiều người.
Đối với Dresser, thiết kế là một môn học thống
nhất giữa khoa học và nghệ thuật, và thông qua ảnh
hưởng đáng kể của mình với tư cách là một nhà lý
thuyết và một nhà thiết kế, ông đã chuyển cuộc tra-
nh luận về cải cách thiết kế từ sự ủng hộ nghệ thuật
vì nghệ thuật của Phong trào Thẩm mỹ sang một
quan điểm được tóm tắt tốt nhất. được coi là “nghệ
thuật vì lợi ích của ngành công nghiệp”.

Cảm ơn

Chương trình nghị sự tiến bộ của Dresser phản ánh

sự theo đuổi “sự thật, vẻ đẹp, sức mạnh”, với “quyền
lực” ngụ ý một lực lượng mạnh mẽ, đạt được qua
kiến thức kỹ lưỡng về quy trình thiết kế, vật liệu và
kỹ thuật sản xuất. Ông chuyển cuộc tranh luận cải
cách thiết kế từ “nghệ thuật vì lợi ích nghệ thuật”
của Phong trào Thẩm mỹ sang “nghệ thuật vì lợi ích
của ngành công nghiệp”.

46 47
Sản phẩm của

Nhóm 6
Lê Thế Chung - HE161202

Phạm Thúy Hằng - HE161562

Nguyễn Bùi Quỳnh Mai - HE160366

Môn học
Lịch sử thiết kế - mã môn : HOD102
Giảng viên: NgocPT12

48 49